Dierks Kalenderblatt

Strumpf-Geschichten

2010-08-31T12:24:00.002+02:00

15. Mai

Ganz genau weiß es niemand, wann eigentlich die erste Frau den ersten Strumpf anzog. Ja, bis ins 16. Jahrhundert hinein war sogar aus öffentlich zugänglichen Quellen kaum erkennbar, ob Frauen überhaupt Beine hatten. Sie liefen ausschließlich in langen Kleidern oder Röcken herum und die bildlichen Darstellungen hielten sich strikt an diese Vorgabe.

Charles Panati, der in seiner „Universalgeschichte der ganz gewöhnlichen Dinge“ unter anderem auch die Geschichte des Damenstrumpfes recherchierte, zitiert den Botschafter ihrer katholischen Majestät, der Königin von Spanien, der empört ein Gastgeschenk, ein paar Strümpfe, zurückweist: „Packt Eure Strümpfe wieder ein! Und nehmt zur Kenntnis, Ihr Tölpel, dass die Königin von Spanien keine Beine hat.“

„Strumpfologe“ Panati fand außerdem heraus, dass eine der ganz großen Ausnahmen von der Regel „Beinlichkeiten“ nicht aller Öffentlichkeit zur Schau zu stellen erstmals im Jahr 1306 in Britannien kursierte und für einige Aufregung sorgte. Es war eine von einem unbekannten Autor erstellte Handschrift, die eine adlige Dame zeigte, wie sie sich während der morgendlichen Toilette von einer Dienerin einen Strumpf reichen läßt.

Es war wieder einmal die englische Königin Elizabeth I., die für den Durchbruch in Sachen Damenstrumpfmode sorgte. 28 Jahre alt war die junge Königin, saß erst seit gut zwei Jahren auf dem Thron Britanniens, als sie ein paar Seidenstrümpfe geschenkt bekam, die sie so entzückend fand, dass sie gleich ein paar Dutzend in Auftrag gab.

Dieser allerhöchste majestätische Segen ließ dann auch die Erfinder nicht ruhen. Während Elizabeth ihre Widersacherin Maria Stuart hinrichten ließ (1587) und ihr großer Admiral Sir Francis Drake die spanische Armada auf den Grund des Meeres schickte (1588) tüfftelte ein gewisser Reverend William Lee an einem Strumpfwirkstuhl. Und er schaffte es. Das Jahr 1589 gilt als das Geburtsjahr der Strumpfindustrie.

Reverend Lees Erfindung hatte allerdings eine Schwachstelle. Da die Strümpfe „auf einer Maschine gestrickt wurden, aus einem einzigen Faden in einer Reihe zusammenhängender Schlingen“, führte der kleinste Riss oder Schnitt zum Desaster, dem Strümpfe-GAU, der Laufmasche. Über all die folgenden Jahrhunderte hinweg fiel buchstäblich niemandem ein, wie man dieses Problems Herr werden könnte.

Erst am 3. April 1926 stellte eine englische Firma einen Strumpf vor, der nun endlich die Laufmasche zumindest stoppen sollte. Dass man sich dabei eines französischen Patents bediente, ist schon ein wenig erstaunlich, denn die Idee ist denkbar einfach. Der Strumpfrand wurde verstärkt und so die Laufmasche aufgehalten.

Um so spektakulärer war die Ankündigung des 1802 gegründeten amerikanischen Chemieunternehmens DuPont, man habe Damenstrümpfe erfunden, die praktisch ewig halten würden. Dies stellte sich in der Praxis als unhaltbare Behauptung heraus, aber es sorgte für soviel Aufregung, dass selbst ein neues Harry-Potter-Buch Mühe gehabt hätte, mitzuhalten.
Das Zauberwort hieß „Nylon“, ungeheuer elastisch, praktisch reißfest, einfach ideal. Es war die erste 100prozentige Synthetikfaser

DuPont erklärte den 15. Mai 1940 zum „Nylon-Tag“. Vor diesem Tag war es strikt untersagt, die neuen Wunderstrümpfe zu tragen oder gar zu verkaufen. In den USA lief eine gigantische Werbekampagne an, die alles bisher dagewesene weit in den Schatten stellte.
Sie löste geradezu eine Massenhysterie aus mit kreischenden Frauen, die ungeduldig und stundenlang vor den Warenhäusern darauf warteten, dass endlich die Türen geöffnet wurden.

Dann am frühen Morgen des 15.Mai 1940 wurden die Strumpfabteilungen der Warenhäuser und die Wäschegeschäfte gestürmt. Du Pont hatte es für eine gute Idee gehalten, nicht mehr als 36 Millionen Paar Nylons im Jahr 1940 zu produzieren. Sie wurden restlos verkauft.

Gleichzeitig mit den Amerikanern hatte übrigens der deutsche Chemiker Paul Schlack eine ebenso reiß- und scheuerfeste Kunstfaser entwickelt und diese dem Konzern IG Farben in Landsberg an der Warthe übergeben. Ihr Name: Perlon. 1943 lief die Produktion an. Zu diesem Zeitpunkt befanden sich die USA bereits im Krieg mit Deutschland, so dass wirklich niemand auf die Idee kommen kann, das eine hätte mit dem anderen auch nur das Geringste zu tun.

Alberts dicke Pötte

2010-08-31T12:20:00.002+02:00

14.Mai

Die drei ist schon eine magische Zahl. Drei Heilige Könige, drei Musketiere... Anfang des Jahrhunderts waren es drei Schiffe, die Geschichte schreiben sollten: Die gigantischen Passagierliner „Imperator“, „Vaterland“ und „Bismarck“, alle in Hamburg gebaut, sollten nach dem Willen ihres ehrgeizigen Generaldirektor Albert Ballin die Hamburger Reederei „Hapag“ an die Spitze der internationalen Passagierschiffahrt bringen und der Konkurrenz aus Bremen und aus England die maritimen Hacken zeigen.

Am 23. Mai 1912 wurde das zweite von Alberts dicken Pötten, die gigantische „Vaterland“ getauft, und Ihre Majestät, der deutsche Kaiser Wilhelm II. hatte sich zur Feier des Tages etwas ganz Besonders einfallen lassen: Denn ausgerechnet durch ein Schiff und ausgerechnet in Hamburg sollte die große Geste der Versöhnung zwischen Preußen und Bayern stattfinden.
Die beiden Herrscherhäuser, die preußischen Hohenzollern und die bayerischen Wittelsbacher, waren sich nämlich am Anfang des 20. Jahrhunderts nicht ganz grün und so sollten die Bayern ein Schiff taufen dürfen, ein richtig großes, ein richtig schönes, was Stolzes.

König Ludwig III. kam allerdings nicht höchstpersönlich, sondern er schickte seinen Ältesten, Rupprecht,, der, wenn nicht bald der Erste Weltkrieg und das Ende der deutschen Monarchien gekommen wäre, das Land der Bayern hätte erben sollen. „Willem zwo“ blieb zuhause in Berlin, um Rupprecht protokollarisch nicht zum Knecht zu degradieren.

Die große Geste kam gut an: Kronprinz Rupprecht strahlte mit Zehntausenden von Hamburgern um die Wette, als der beeindruckende fast 290 Meter lange stählerne Koloss ins Wasser der Elbe glitt. Es war und es blieb das größte jemals unter deutscher Flagge in Dienst gestellte Passagierschiff. Und es war eine Revolution im Passagierschiffbau, bot sich doch erstmals die Möglichkeit, große Räume im Schiffsinneren zu gestalten, Hallen zu entwerfen, wie in den vom selben Publikum gewohnten Luxus-Hotels.

So war beispielsweise der Wintergarten der „Vaterland“ ein atemberaubend hoher Raum, mit Palmen und Blumen kunstvoll geschmückt, leichte Korbsessel standen dort wie in einem englischen Herrenhaus in Indien. Der über mehrere Decks reichende Speisesaal der „Vaterland“ war so konzipiert, dass man ihn nur über eine Treppe von oben erreichen konnte. So bot sich die Möglichkeit, zu sehen und gesehen zu werden. Auf jedem der runden Tische stand in der Mitte eine Lampe, der Raum wurde an der Decke von einem üppigen Gemälde abgeschlossen. Telefonzentrale und eine komplette Ladenstraße mit Reisebüro boten einen unvergleichlichen Service. Insgesamt brannten auf dem Schiff 15 000 elektrische Lampen.

Die Räume der 1. Klasse waren wie kleine Wohnungen eingerichtet, die beiden Kaiser-Suiten und die zehn Staatszimmer übertrafen an Komfort alles bis dato dagewesene. Alle hatten Salon, Schlafzimmer und Bad.

Das Schicksal der „Vaterland“ ist schnell erzählt. Erst zwei Jahre nach der Taufe, am 14. Mai 1914 , ging der Stolz der deutschen Passagierschifffahrt auf Jungfernreise von Cuxhaven nach New York. Schon auf ihrer dritten Reise wurde sie in Hoboken am Hudson-River gegenüber von New York vom Krieg überrascht. 1917 wurde die „Vaterland“ nach dem Kriegseintritt der USA von den Amerikanern beschlagnahmt und zunächst als Transporter für die US-Navy eingesetzt. Noch im selben Jahr wurde sie umgetauft in „Leviathan“. Als Passagierschiff in Fahrt arbeitete die „Leviathan“ Ex-„Vaterland“ nach einem Umbau 1923 einige Jahre für die United States Lines, New York. 1938 wurde das Schiff nach Rosyth in Schottland gebracht, wo es am 14. Februar 1938 zerschnitten wurde.

Die Hapag versuchte es übrigens mit einer zweiten „Vaterland“ und wieder kam ein Krieg dazwischen: 1938 legte sie bei Blohm & Voss ein Schiff dieses Namens auf Kiel und es lief tatsächlich 1940 vom Stapel. Aber in Dienst wurde diese „Vaterland“ nicht mehr gestellt, sondern der eigentlich als das neue Flaggschiff der Hapag vorgesehene Ozeanriese fiel 1943 einem Bombenangriff zum Opfer. Im 20. Jahrhundert hatten die Deutschen halt nur wenig Glück mit allem, was „Vaterland“ hieß ...

Die Königin von Afrika

2010-08-31T12:09:00.002+02:00

12. Mai

Als am 20. Februar 1952 der Film „African Queen“ in die Kinos kam, da war die Hauptdarstellerin Katherine Hepburn bereits 43 Jahre alt. Geboren am 12. Mai 1907 starb sie erst am 29. Juni 2003, was bedeutet, dass „die Hepburn“ alle anderen überlebte: Humphrey Bogart starb bereits knapp fünf Jahre nach der Uraufführung, Regisseur John Huston 1987.

Möglicherweise war sein Tod der Auslöser dafür, das Katherine Hepburn sich in jenem Jahr noch einmal genau an die „African Queen“ erinnern wollte. Sie schrieb ein Buch mit dem Titel „African Queen oder wie ich mit Bogart, Bacall und Huston nach Afrika fuhr und beinahe den Verstand verlor“. Es wurde ein höchst persönliches Werk, in dem die als außerordentlich schwierig, spröde und zickig geltende Schauspielerin nach allen Regeln der Kunst die Sau rauslässt.

Über Bogarts Ehefrau Lauren Bacall, die stets an seiner Seite zu finden war und die sie nur Betty nennt, schreibt sie beispielsweise: „Erstens mal ist sie jung und hat wunderbare hellbraune Haut und das unglaublichste aschblonde Haar. Wunderschön. Ob glatt oder gelockt. Man hat übrigens nichts von ihr gesehen, wenn man sie nicht frühmorgens in ihrem hellgrünen Morgenmantel auf dem Weg zum Plumpsklosett gesehen hat, mit aufgestecktem Haar und ohne Lippenstift und sonst was.“

Mit John Huston verband sie jene Hassliebe, wie sie zwischen Schauspielerinnen und Regisseuren nicht selten sind. Auf der einen Seite kritisiert sie seine „einstudierten Südstaaten-Colonel-Charme“, findet es schrecklich, dass er stets alle Aufmerksamkeit auf sich ziehe, so als wäre er ein kleines Kind, hält ihn für arbeitsscheu und vergnügungssüchtig, für einen Mann, den eigentlich nur eines interessiert: die Jagd. Auf der anderen Seite bewunderte sie ihn für seine mehr oder weniger präzisen Regieanweisungen: „Sie setzen einfach ein Lächeln auf. In jeder Lage. Wie Mrs. Roosevelt - sie glaubte sie sei hässlich - sie dachte, sie sähe besser aus, wenn sie lächelte - also beschloss sie...Kopf hoch. Das beste kommt noch - vorwärts, immer vorwärts...Das Society-Lächeln“. Das war, so Katherine Hepburn, „verdammt noch mal die beste Regieanweisung, die ich jemals gehört habe.“

Auch über Bogart, der für seine Rolle als Kapitän Charlie Allnut übrigens den einzigen Oscar seiner Karriere erhielt, findet sie nette Worte: „Bogie war lustig. Ein großherziger Schauspieler, dem die Schauspielerei Spaß machte. Wusste, dass er gut war. Kannte immer seinen Text. War immer pünktlich. Hasste sein Haarteil. Wenn er es trug, war er morgens brummig - ungeduldig. Dann vergaß er es, und alles ging glatt. Nach Feierabend war er völlig erschöpft. Bevor er sich nicht einen oder zwei Drinks genehmigt hatte, war er brummig.“

Natürlich betrachtete die Hepburn den Alkoholkonsum von Bogie und Huston mit äußerstem Missfallen, sie die nur Mineralwasser trank. Und so war sie besonders sauer, als sie mit gefährlichen Magen-Darm-Problemen zu kämpfen hatte, es den beiden Männern aber blendend ging. Als sich herausstellte, dass ausgerechnet das Wasser verunreinigt war, kannte ihr Ärger keine Grenzen: „Ich, die Königin des Wassertrinkens - die Urologentochter - war am schlimmsten dran. Und jene beiden haltlosen Schwächlinge hatten ihren Magen-Darm-Trakt so sehr mit Alkohol gefüllt, dass kein Bazillus dort überleben konnte.“

Die Dreharbeiten von „African Queen“, das war für Katherine Hepburn ein ständiges Wechselbad aus Faszination und Horrorerlebnissen. Die ständige Feuchtigkeit, der glitschige Fußboden in ihrer Hütte, das Plumpsklo, die Dusche, die nur tassenweise Wasser lieferte, „die Zirpfrösche kreischen wie am Spieß, dann und wann brüllt ein Affe.“

„Jede Einstellung war ein hysterischer Alptraum. Der Motor der Queen streikte. Oder eine der Schrauben geriet in die Schleppleine und wurde verbogen. Oder wir wurden von Hornissen angegriffen. Oder beim Drehen schwamm plötzlich ein herrenloser Einbaum ins Bild. Keine Stühle, keine Garderoben, heißes Ginger Ale und heißer Fruchtsaft und heißes Bier.“

Eines Tages stand sie mitten in einer Ameisenprozession, wurde fast von Elefanten zertrampelt oder von einer Schwarzen Mamba gebissen.Auf der anderen Seite aber war „African Queen“ für Katherine Hepburn ein unvergessliches Abenteuer und „ein Riesenspaß“. Man kann es nachvollziehen. Man muss sich nur den Film ansehen.

Der König der Lügner

2010-08-31T12:04:00.002+02:00

11. Mai

Eigentlich merkwürdig, dass die Nazi-Größen von der Kritik an ihrem Regime nichts bemerkten, aber vielleicht war sie doch ein wenig zu subtil für die eher derben Gemüter in der Hitler-Administration. Denn immerhin sagte Hans Albers diesen Satz: „Abenteuer, Krieg, fremde Länder und Frauen, ich brauche das alles. Aber Sie missbrauchen es.“ Am 5. März 1943, war dieser Satz zum erstenmal zu hören - mitten im Krieg und das auch noch zum 25. Geburtstag der größten und erfolgreichsten deutschen Film-Produktionsgesellschaft, der Ufa.

Außerdem war es der erste richtige deutsche Farbfilm, in dem der „Hoppla-jetzt-komm-ich“-Hans diesen Satz sprach: Er hieß „Münchhausen“. Zwar war schon drei Jahre zuvor Marika Rökk in „Frauen sind doch die besseren Diplomaten“ erstmals in Farbe über die Leinwand getobt, aber so richtig ging es in Farbe erst mit „Münchhausen“ los. Das Drehbuch schrieb ein gewisser Berthold Bürger, ein Pseudonym, hinter dem sich kein Geringerer als Erich Kästner verbarg. Kästners Bücher waren noch wenige Jahre zuvor auf dem Scheiterhaufen gelandet. Nazi-Propagandachef Josef Goebbels wußte davon, zeigte sich aber in diesem Fall großzügig.

Erstklassige Schriftsteller wie Kästner wuchsen weder damals noch heute auf den Bäumen.
Ohnehin war es erstaunlich, dass der routinierte Lügner Goebbels das Thema „Münchhausen“ überhaupt zuließ. Schließlich war ja bekannt, das dieser Hieronymus Karl Friedrich Freiherr von Münchhausen der König der Lügner war, ein phantasievoller Aufschneider und Geschichtenerzähler, der es so buchstäblich zu Weltruhm gebracht hatte.

Münchhausen war ein gutsituerter Gutsbesitzer in Bodenwerder im Weserbergland, der am 11. Mai 1720 ebendort geboren wurde, zunächst als Offizier der russischen Zarin Elisabeth, der Tochter Peter des Großen, diente und schließlich im Alter von 30 Jahren in die niedersächsische Heimat zurückkehrte, um die Stammtische der Region mit seinen Geschichten heimzusuchen. Er erlebte es noch, dass 1785 ein gewisser Erich Raspe seltsamerweise zunächst eine englischsprachige und ein Jahr später Gottfried August Bürger eine deutschsprache Ausgabe seiner „Abenteuer“ herausbrachten, die dem alten Herrn durchaus nicht gefielen, obwohl sie ihn als Person der Weltliteratur unsterblich machten. Als Mensch starb der Freiherr von Münchhausen im Jahre 1797.

Aus seinem Herrenhaus wurde inzwischen das Rathaus von Bodenwerder und er selbst wurde so berühmt, dass ihn nicht nur seine Heimatstadt hemmungslos als Touristenattraktion vermarktet. Seit 1997, dem 200. Todesjahr des Lügenbarons, gibt es beispielsweise einen Münchhausenpreis für Menschen mit „besonderer Begabung in Darstellungs- und Redekunst, Phantasie und Satire“, der unter anderem an Minister a.D. Norbert Blüm, den Schriftsteller Ephraim Kishon und die Schauspielerin Evelyn Hamann ging.

In insgesamt 42 Sprachen hat man sich mit der Figur Münchhausen beschäftigt, darunter in kirgisisch, katalanisch, malaisch und Urdu, der Literatursprache der Mohammedaner in Indien. Im schweizerischen Zürich gibt es eine „Münchhausologische Sammlung“, die sich wissenschaftlich mit dem Phänomen des alten Schwadronierers auseinandersetzt.

Dabei haben sie alle abgeschrieben von einem, der bis heute unbekannt blieb: In Berlin erschien nämlich in den Jahren 1781 bis 1783 eine Anekdotensammlung über „M-h-s-n, ein Vademecum für lustige Leute“. Die Geschichte des Mannes, der auf einem halben Pferd und einer Kanonenkugel ritt und der das Geheimnis kannte, wie man sich am eigenen Zopf aus dem Sumpf ziehen kann (ein Fähigkeit, über die aktuelle Spitzenpolitiker aus aller Welt heute wohl auch gern verfügen würden), blieb ein internationaler Bestseller.

Aber Münchhausen zog sich nicht nur am eigenen Schopf aus dem Sumpf, er nahm sich auch ständig selbst auf den Arm. So angesichts der Gehängten auf der Käseinsel in der Südsee, die an den Bäumen baumelten, weil sie „ihre Freunde belogen und ihnen Plätze beschrieben hatte, die sie nie gesehen, und Dinge erzählt, die sich nie zugetragen hatten.“ Münchhausens Kommentar: „Ich fand die Strafe sehr gerecht; denn nichts ist mehr eines Reisenden Schuldigkeit, als strenge nach der Wahrheit zu berichten.“ Wie wahr ...

Mrs. (Fast)-President

2010-08-31T12:01:00.002+02:00

10. Mai

Noch gibt es ja keine Frau, die es auf den Präsidentensessel im Weißen Haus geschafft hat. Und versucht haben es auch noch nicht allzu viele. Die allererste, die ihren Hut in den Ring warf, ist längst vergessen und sie hieß Victoria Woodhull. Das war am 10. Mai 1872, als sie ihre Kandidatur bekannt gab. Sie schaffte es nicht ins Weiße Haus, im Gegenteil, sie saß sogar, als gewählt wurde, im Gefängnis, nicht ohne zuvor im Mittelpunkt einer der hässlichsten Schlammschlachten der US-Geschichte gestanden zu haben, was ja, wie jedermann weiß, eine Menge heißt.
Victoria Woodhull, das ist gleichbedeutend mit dem Kampf um die Rechte der Frauen, mit Skandalen, Rufmord, Macht, Geld, Mut und Selbstbewusstsein, mit (fast) all den Höhen und Tiefen, die ein Menschenleben zu bieten hat. Doch der Reihe nach:
Die ersten Jahre der Victoria Claflin Woodhull Martin, die am 23. September 1838 in dem kleinen Kaff Homer in Ohio geboren wurde, waren eigentlich keine schlechte Schule, was die Vorbereitung auf ein hohes politisches Amt betrifft. Schon als 15jährige lernte sie, wie man die Leute durch Hellseherei hinters Licht führt, sie betätigte sich als Schauspielerin und Prostituierte, was, ohne zynisch sein zu wollen, ja auch keine schlechte „Schule des Lebens“ ist. Da lernte sie Härte und Durchhaltevermögen, aber auch, dass man im Leben ein wenig Glück braucht.
Das sah anfangs allerdings gar nicht danach aus. Sie geriet an einen Alkoholiker namens Woodhull, von dem sie sich aber schnell wieder trennte, um mit ihrer Schwester Tennessee nach New York zu gehen. Und da zog sie das große Los: Eisenbahn-Magnat Cornelius Vanderbilt war fasziniert von der jungen Frau, zumal sie, zumindest, was die Börsenkurse betraf, erstaunlich oft richtig lag. Das war kein großes Kunststück, denn Victoria hatte eine Menge Freundinnen im horizontalen Gewerbe und die hatten häufig Kunden aus der Finanzwelt, die die intimsten Firmengeheimnisse ausplauderten. Fakt ist, dass sich Vanderbilt bei einem Börsencrash 1869 dusselig und dämlich verdiente und den Damen Woodhull schlappe 700 000 Dollar Prämien zahlte, eine seinerzeit unfassbare Summe. Aber jetzt waren sie finanziell unabhängig und konnten loslegen: Zunächst eröffneten sie die erste von Frauen geführte Broker-Firma in der Wall-Street, machten eine wöchentlich erscheinende Zeitung auf und knüpften politische Kontakte. Victoria Woodhull begann vor allem, für die Rechte der Frauen zu kämpfen.
Das war natürlich dem Establishment außerordentlich suspekt. Eine Frau mit, na ja, zumindest anrüchiger Vergangenheit schrieb sozialistische Ideen auf ihre Fahnen, wollte Gleichberechtigung, ja sogar Frauenwahlrecht, Recht auf Abtreibung und freie Liebe (Na klar!). Und dann gründet diese Ex-Nutte auch noch eine Partei. Empörend!
Zu ihrer Intimfeindin wurde ausgerechnet die Frau, die sich mit „Onkel Tom“ so unendlich um die Befreiung der Sklaven verdient gemacht hatte, Harriet Beecher Stowe. Es wurde ein regelrechtes Stutenbeißen, das seinen Höhepunkt erreichte, als Victoria Woodhull in ihrer Zeitung Harriets Bruder Henry, einen an sich geachteten Prediger, als notorischen Seitenspringer outete. Jeder wusste davon, aber niemand sprach darüber – nur die mutige Victoria. Schließlich hatte der Beecher-Clan den längeren Arm und die besseren Kontakte zur Justiz und so kam es, dass Victoria während der Wahl ins Gefängnis wanderte.
Aber die Woodhull hatte sich den Respekt ihrer Journalisten-Kollegen erworben, hatte sie doch einen für alle wichtigen Kampf um die Pressefreiheit gewonnen, was Auswirkungen bis in die heutige Zeit hat. Und sie hatte noch einmal Glück. Als 1877 der alte Zausel Vanderbilt im Alter von 82 Jahren das Zeitliche segnete, fürchteten die Erben, dass Victoria Woodhull all die kleinen und großen Geheimnisse des steinreichen Patriarchen ausplaudern könnte und erstickten alle denkbaren Versuche mit viel, viel Geld.
Victoria Woodhull, mit Anfang 40 in der Blüte ihres Lebens, hatte nun die Nase voll von Amerika und wanderte, finanziell ausgezeichnet gepolstert, nach England aus. Und da Geld bekanntlich eine unbezwingbare Anziehungskraft auf Geld hat, heiratete sie einen reichen Banker, den sie um viele Jahre überlebte. Sie genoss noch sehr lange das englische Landleben. Erst am 9. Juni 1927 starb sie im Alter von 88 Jahren reich und glücklich und weitgehend vergessen in Twekesbury in der Grafschaft Gloucestershire.

Die letzten Opfer des Krieges

2010-08-31T11:58:00.002+02:00

9. Mai

Es gibt Geschichten, die sollten immer wieder erzählt werden, weil sie so viel aussagen über die grausamen Mechanismen von Krieg und Gewalt, deren Unmenschlichkeit man sich heute, mehr als 60 Jahre, später kaum mehr vorstellen kann, die aber mahnen, so etwas nie wieder geschehen zu lassen. So wie in der Geschichte von Fritz Wehrmann und zweier seiner Kameraden, Alfred Gayl und Martin Schilling, in der Hamburg zwar nur eine Nebenrolle spielt, aber durchaus eine wichtige.
Denn hätte Fritz Wehrmann, der aus Leipzig stammte, als Junge nicht immer wieder Fahrradausflüge in den Hamburger Hafen unternommen und hätte ihn dabei nicht die Sehnsucht erfasst, zur See zu fahren, dann wäre all das, was folgte, wohl nie geschehen.
Wehrmann diente, wie seine Kameraden, gegen Ende des Krieges auf einem Schnellboot in der Geltinger Bucht, als sie am 4. Mai 1945 aus dem dänischen Rundfunk erfuhren, dass Deutschland gegenüber England kapituliert hatte. Also beschlossen die drei: Wir wollen nach Hause. Aber sie hatten Pech. Dänische Hilfspolizisten griffen sie auf und anstatt zu sagen, dass sie zu ihren Familien wollten, behaupteten sie, sich nach Kurland durchschlagen zu wollen. Vielleicht hätten sie die Wahrheit sagen sollen, damit hätten sie möglicherweise menschliches Verständnis ausgelöst, aber das ist nicht sicher. So aber kamen sie vor ein Kriegsgericht und der Chef der Schnellboote und damit oberste Gerichtsherr Kommodore Rudolf Petersen verurteilte sie zum Tode. Das war am 9. Mai 1945, also einen Tag nach der deutschen Kapitulation und einen Tag, nachdem Petersen höchstpersönlich die Reichskriegsflagge eingeholt hatte. Die drei wurden hingerichtet, die Leichen in der Ostsee versenkt.
Ihre Familien erfuhren erst viele Monate später davon.
1953 kam es zu einem Gerichtsverfahren vor dem Hamburger Landgericht. Petersen und die anderen Richter wurden wegen Totschlags und Rechtsbeugung angeklagt. Und sie wurden freigesprochen. Die Mutter Alfred Gayls nahm daraufhin sich das Leben, Anna, die Mutter von Fritz Wehrmann, kam später in ein Pflegeheim und starb in geistiger Umnachtung.
Der ehemalige Kommodore Petersen arbeitete als Handelvertreter und wurde wenige Monate nach dem Freispruch Leiter der Hanseatischen Yachtschule in Glücksburg. Außerdem arbeitete er für den Militärischen Abschirmdienst der Bundeswehr.
Er fand ein seltsamen Tod. Als dem damals 77jährigen in der Silvesternacht Jugendliche beim Öffnen der Haustür Böller ins Gesicht warfen, erschreckte ihn das so sehr, dass er am 2. Januar 1983 starb.
Klar ist, dass wir heute diese Geschichte nur mit Empörung und Abscheu beurteilen, denn wie kann man jemanden wegen eines Kriegsverbrechens verurteilen, wenn der Krieg schon vorbei ist? Und wieso kann es überhaupt ein Verbrechen sein, nach Hause zu wollen wie Fritz Wehrmann, der sich Sorgen um seine Mutter machte, da in Leipzig „der Russe“ war?
So handeln doch keine Menschen. Oder?
Petersen hätte die drei, ohne selbst irgendetwas befürchten zu müssen, mit einem einzigen Federstrich begnadigen können und hätte damit Leben gerettet. So denken wir heute. Aber dem Kommodore und allen anderen war seit Jahren immer wieder eingeimpft worden: „Auf Fahnenflucht steht der Tod!“ und danach richteten sie sich, wie Marionetten ohne Herz. Sie haben sicher viele schlaflose Nächte verbracht, die Richter und die anderen Beteiligten wie der Marinepfarrer Klaus Lohmann, der sein Leben lang darunter litt, nicht energischer gegen die drohende Exekution vorgegangen zu sein. Aber, so Lohmann, sie hätten sich alle in einer „militärischen Mühle“ befunden, in der man nur unter Zwang handelte.
Uns, die wir heute leben, reicht eine solche Erklärung für diese unfassbare Tragödie nicht aus. Und das mit Recht. Der 19jährige Alfred Gayl schrieb wenige Minuten vor seiner Hinrichtung: „Wir sind die letzten Opfer des Krieges, genau so sinnlos wie alle anderen.“

Mütter, Mütter, Mütter

2010-07-25T08:48:00.005+02:00

24. August

Sie hatten ihre Söhne fest im Griff, auch wenn diese selbst die Welt beherrschten oder noch so berühmt oder mächtig waren – die starken Mütter der Weltgeschichte. Da war zum Beispiel Maria Laetitia Bonaparte, die der Kaiser der Franzosen respektvoll Madame Mère nannte, die am 24. August 1750 geboren wurde. Oder man denke an Olympias, die Mutter Alexanders des Großen, Lady Randolph Churchill, Suzanne Valadon, die Mutter des Malers Utrillo oder auch Dolly Sinatra, ohne deren energischen Einsatz die Weltkarriere von Sohnemann Frankie wohl niemals begonnen hätte.

Die Welt zitterte vor ihm und er vor seiner Mutter: Und wenn man sie ein wenig kennen gelernt hat, die Madame Mère, dann kann man verstehen, warum dem großen Napoleon Bonaparte die Knie schlotterten, wenn er sie nur sah. Denn Laetitia Bonaparte war zänkisch, ein rechter Geizkragen, herrisch und völlig unbeugsam, wenn es um die Durchsetzung ihrer Interessen ging. Aber sie wurde eine reiche Frau und hin und wieder schrieb sie auch Weltgeschichte, als sie beispielsweise ihrem zaudernden Sohn befahl, das Exil auf der Insel Elba aufzugeben und wieder in den Kampf zu ziehen. „Du bist nicht geboren, um auf Elba zu sterben“, sagte sie. Napoleon gehorchte und erlebte sein endgültiges Waterloo.

Gegen Ende ihres Lebens wurde die Mutter der Grand Nation ein wenig bescheidener. „Napoleon war nicht unfehlbar. Napoleon war nicht der Sohn Marias, sondern der Sohn der Laetitia.“ Geschäftstüchtig jedenfalls blieb sie bis an ihr Ende. Den Todeskampf der 87jährigen durfte jeder Tourist durch eine Lücke in einer spanischen Wand miterleben. Er musste allerdings dafür einen Scudo zahlen.

Aus ähnlichem Holz war auch die Mutter des ersten Welteroberers, Alexander des Großen. Olympias, die schöne und wilde Molosserprinzessin, die vor knapp 2400 Jahren geboren wurde, war die erste wirklich erfolgreiche dieser machtbesessenen Spezies Mutter. Ohne sie wäre ihr Ehemann Philipp II. von Makedonien, ein trinkfester, manchmal grausamer, manchmal gutmütiger und schlitzohriger Raufbold, ein zweitklassiger Provinzfürst im nördlichen Griechenland geblieben. Ihrem Sohn Alexander redete Olympias ein, er sei nicht nur der Sohn des Zeus, sondern auch Nachkomme des sagenhaften Achilles, des Helden von Troja, was den zukünftigen Welteroberer bewog, sich Zeit seines Lebens Homers Ilias unter das Kopfkissen zu legen.

Dann organisierte sie den Mord an ihrem Gatten Philipp, um Alexanders Thron zu sichern und riet diesem, lieber alle möglichen Konkurrenten umzubringen, bevor sie ihm gefährlich werden konnten. Alexander gehorchte.

Leider starb der geniale Alexander schon im Alter von 33 Jahren und alle Versuche Olympias ihren kleinen Enkel zum Bewahrer von Alexanders Weltreich zu machen, scheiterten. Olympias (59) verblutete unter Steinwürfen und Knüppelschlägen der Hinterbliebenen ihrer Opfer.

Derartig blutige Ränkespiele waren nichts für „Jenny“, spätere Lady Randolph Churchill und Mutter von Winston Churchill. Sie mischte lieber Bourbon, trockenen Vermouth mit einem Schuss Angostura-Bitter und erfand so den Manhattan-Cocktail – im selben Monat übrigens, in dem sie dem späteren Premierminister das Leben schenkte.

Jenny Jerome war eine hübsche, lustige, aber auch ziemlich wilde Hummel. Wie es hieß, floss sogar Irokesenblut in ihren Adern, ein Verdacht, den Jenny durch eine tätowierte Schlange schürte, die sie an ihrem linken Handgelenk trug.

Für den kleinen Winston war Lady Churchill nicht unbedingt der Inbegriff der liebevollen und umsorgenden Mutter, dafür war sie vielleicht zu jung, so dass sich der hoffnungsvolle Churchill-Spross eher an seine Haushälterin Mrs. Everest hielt. Erst viele Jahre später besserte sich das Verhältnis von Mutter und Sohn und Jenny half dem jungen Winston Churchill so gut weiter wie sie konnte. Wie es heißt, waren die beiden allerdings eher wie Bruder und Schwester als wie Mutter und Sohn.

Ihrem Sohn helfen, das tat auch Marie Clémentine Valadon, allerdings erst, nachdem sie ihn während seiner gesamten Jugend bei der Großmutter gelassen hatte. Als der später weltberühmte Maurice Utrillo 17 Jahre alt wurde, war er jedenfalls bereits alkoholkrank. Aber als er zu malen begann, da sorgte Marie Valadon, die ihr Freund Henri Toulouse-Lautrec nur „Suzanne“ nannte, allerdings für wertvolle „Connections“. Sie war eng befreundet mit dem ansonsten sehr menschenscheuen Edgar Degas, liebte den Komponisten Eric Satie, und als „Suzanne Valadon“ auch eine der besten Malerinnen des 20. Jahrhunderts.

Zu eigenem künstlerischen Ruhm reichte es bei Dolly Sinatra nicht, obwohl sie recht gut sang, aber dafür war sie umso erfolgreicher in der Förderung ihres Sohnes. Dass man „Frankie-Boy“ am 8.9. 1935 erstmals als Teil der „Hoboken Four“ im Radio hören konnte, war das Werk seiner Mutter, die außerdem in der Seele des seinerzeit 19jährigen unauslöschliche Spuren hinterließ, wie beispielsweise die tiefenpsychologisch ebenso eindeutige wie interessante Tatsache, dass er sein Leben lang unter dem Zwang lebte, sich ständig die Hände waschen zu müssen.

Dollys Lieblingsspruch war „du elendes Miststück“ und ihre erste strategische Maßnahme war, den gesellschaftlichen Makel italienischer Herkunft mit Hilfe eines irischen Taufpaten zu mildern. Und deshalb hieß der später weltberühmte Sänger nicht Mario oder Franco sondern Francis Albert.

Dann startete sie eine politische Karriere, um sich eine Machtposition zu schaffen, die Frank helfen sollte. Sie scheffelte Geld, wo sie konnte, verdiente vor allem sehr gut mit illegalen Abtreibungen. Sie träumte davon, dass Frankie Arzt werden würde oder Ingenieur, aber dafür war er zu faul und spielte lieber Billard, als in die Schule zu gehen.

Und da sich abzeichnete, dass Frankie singen wollte und nicht im Hafen malochen, besorgte sie ihm Jobs, setzte alle ihre Kontakte ein und da in Hoboken niemand Dolly Sinatra etwa abzuschlagen wagte, gelang es ihr auch. Und als sie dann noch die Presse unter Druck setzte, über ihren Filius zu schreiben, war die Kariere gesichert.

Dolly Sinatra war unendlich stolz auf ihren weltberühmten Sohn und dieser tat Zeit seines Lebens alles, um sie nicht zu verärgern. Schließlich kostete es Dolly das Leben, dass ihr Sohn ein so großer Star war, denn die 82jährige war im Januar 1977 auf einem Flug zu einem Auftritt von „The Voice“ in Las Vegas, als die Privatmaschine in den schneebedeckten Bergen von San Bernadino abstürzte.

Natürlich könnte man noch tagelang schreiben über die Mütter berühmter Söhne, über Agrippina, die Mutter Neros oder die Heilige Monika, die Mutter des Heiligen Augustinus, über die Mutter Johannes Keplers, die als Hexe angeklagt wurde, über Rose Kennedy oder Hannah Chaplin. Das aber sind alles andere, wenn auch ähnliche Geschichten ...

Der erste auf dem elektrischen Stuhl

2010-07-11T11:04:00.005+02:00

6. August

Er hieß Wilhelm Kemmler und hatte einen Raubmord begangen. Zwei Dinge weiß die Nachwelt noch von ihm: Er war Einwanderer aus Deutschland und er war der erste, der auf dem elektrischen Stuhl starb. Das war am 6. August 1890 im Auburngefängnis im US-Bundesstaat New York. Erst zwei Jahre zuvor hatte der Arzt Dr. Alfons David Rockfell die Idee, Straftäter mit Hilfe von elektrischem Strom, wie er meinte, „sanft“ vom Leben zum Tode zu befördern.

Ob es allerdings überhaupt einer neuen Methode bedurft hätte, scheint fraglich, denn bei Hinrichtungen wirklicher oder vermeintlicher Straftäter war die Menschheit im Laufe der Jahrhunderte außerordentlich kreativ gewesen: Köpfen, Erhängen, Vierteilen, Vergiften, Erwürgen, Ertränken, Verbrennen, zu Tode Schleifen, lebendig einmauern, Rädern, Erschießen, Erschlagen und vieles anderes mehr. Der Journalist Alfred Kerr sagte einmal: „Du sollst nicht töten, sagt der Denker - nicht bloß zum Mörder auch zum Henker“.

Zwar hat sich diese Erkenntnis weltweit inzwischen weitgehend durchgesetzt - und doch gibt es noch einige Länder, darunter die USA, in denen Todesurteile erlassen und auch vollstreckt werden.

So alt wie die Diskussion um den Sinn der Todesstrafe, deren Androhung nachweislich keinen Täter von der Tat abschreckt, ist auch die Frage, wie ein Mensch, wenn es dann schon sein muss, am „humansten“ hingerichtet werden kann.

In dieser Hinsicht ist nicht die Länge des Todeskampfes entscheidend, sondern der Moment, in dem die Bewusstlosigkeit eintritt. Und genau dies übersah der französische Arzt J.I. Guillotin, als er den Henkern der Französischen Revolution die nach ihm benannte Fallbeil-Maschine als besonders schnell und sauber empfahl. Sie führt nämlich den Tod durchaus nicht sofort herbei. Solange der Sauerstoffvorrat im Blut reicht, sind die Hirnfunktionen noch intakt. So schrecklich und makaber die Vorstellung auch ist: Dies kann zwei Minuten dauern.

Beim Tod durch Erhängen ist dies anders. Dabei wird der Delinquent sofort bewusstlos, weil der Strick die großen Kopfarterien abschnürt. Der eigentliche Tod tritt erst sehr viel später durch Sauerstoffmangel im Gehirn ein - nicht etwa, wie man lange Zeit meinte, durch Bruch des Halswirbels. Dieser Irrglaube hatte über viele Jahrhunderte besonders diensteifrige Henker dazu gebracht, dem schnellen Tod nachzuhelfen, indem sie Gewichte an die Füße des zum Tode Verurteilten anbrachten oder sich selbst an ihn hängten. Neben der „Fallhöhe“ sind übrigens auch Art und Dicke des Seils oder Knotens in Sachen „humanes Hängen“ belanglos.

Die Hinrichtung auf dem elektrischen Stuhl funktioniert mit einer Schockmethode. Dabei bekommt der zum Tode Verurteilte in Intervallen heftige Stromstöße. Der erste mit 2000 Volt dauert drei Sekunden, dann folgen 57 Sekunden 500 Volt, dann wieder 2000, wieder 500 und schließlich noch einmal 2000 Volt. Dabei steigt die Körpertemperatur so stark an, dass die Gehirnflüssigkeit praktisch zu kochen beginnt. Nach spätestens zwei Minuten ist der Mensch tot. Ob der erste Schock zur Bewusstlosigkeit ausreicht, ist nicht immer sicher.Abgesehen davon sind natürlich die unendlichen Jahre, in denen vor allem in den USA ein zum Tode Verurteilter auf seine Hinrichtung warten muss und die schrecklichen Stunden vor Erwartung des sicheren Todes, Folterungen, deren Grausamkeit schon in zahlreichen Reportagen, Romanen, Filmen oder Fernsehstücken thematisiert wurde.

Der erste, der sich nachvollziehbar gegen die Todesstrafe und auch gegen die Folter aussprach und damit auf ungeheure Widerstände stieß, war übrigens ein Italiener. 1764 veröffentlichte der Rechtswissenschaftler Cesare Beccaria Marchese de Bonesano (1738 bis 1794) sein Buch „Die delitti e delle pene“ („Von den Verbrechen und den Strafen“), in dem er sich vehement gegen die sogenannte „poena talionis“ wandte, das biblische „Auge um Auge, Zahn um Zahn“. Dann müsste ja, so Beccarias Schlussfolgerung, Einbruch mit Einbruch, Betrug mit Betrug und Ehebruch mit Ehebruch vergolten werden. Sein Buch wurde in 22 Sprachen übersetzt.

Die Frage, ob der elektrische Stuhl wirklich die „humanste“ Hinrichtungsmethode ist, wenn es das überhaupt geben sollte, kann nicht endgültig beantwortet werden, allenfalls mit den zynischen Worten eines amerikanischen Scharfrichters, der auf eine entsprechende Frage sagte: „Bisher habe ich keine Klagen gehört“.

Der erste Discounter

2010-07-04T09:06:00.003+02:00

1. August

Die Geschäfte bei Kroger Grocery and Baking Co. liefen miserabel. Der Schwarze Börsenfreitag am 25. Oktober 1929 und die darauf folgende Weltwirtschaftskrise steckte den Kunden tief in den Knochen, viele hatten ihre Ersparnisse verloren und kauften einfach nichts mehr ein. Mehr als 400 der fast 4700 Filialen musste der Konzern schließen und die Umsätze sanken immer noch.

Michael Cullen, Bezirksdirektor in Süd-Illinois, hatte da eine Idee: Nicht mehr die kleinen, dunklen Läden von 50 Quadratmetern, groß sein sollten die Shops, Parkplätze vor der Tür, alles hell und freundlich und – Selbstbedienung. Cullen begann zu rechnen: Eine geschickte Mischung aus Dumping- und Normalpreisen. 300 Artikel zum Selbstkostenpreis, bei 200 Artikel fünf Prozent Verdienstspanne, 300 weitere mit 15 Prozent und 300 mit 20 Prozent.

Dadurch wäre man konkurrenzlos billiger als alle anderen Anbieter. Das alles angeboten mit knalliger Werbung und die Kunden stürmen die Läden. So dachte Cullen und schrieb dies W.H. Albers, dem Chef der Firma. Aber der reagierte gar nicht erst. Ein Vizepräsident ließ Cullen abblitzen.

Aber so schnell gab der 49jährige nicht auf. Er kündigte und ging auf die Suche nach Geldgebern. Sein Freund Harry Sokoloff, Chef eines Lebensmittelunternehmens in New York, hörte ihm zu. Sie gründeten eine eigene Firma, die „King Kullen Crocery Co.“ mit Sitz in New York City. Ihren ersten Laden eröffneten sie vor 80 Jahren, am 1.August 1930, in dem trostlosen New Yorker Vorort Jamaika. Michael Cullen machte alles so, wie er es geplant hatte. Die Anzeige erschien mit „King Kullen, der größte Preisbrecher der Welt“ und tatsächlich: Die Kunden strömten in den Laden.

Michael Cullen machte weitere Geschäfte auf, jetzt auch mit Möbeln, Drogeriewaren, Kosmetik und Haushaltsartikeln. 1932 war Cullen Chef von acht „King Kullens“, sie machten Millionenumsätze.

Im selben Jahr starb Michael Cullen und erlebte so nicht mehr, wie sein „Baby“ den Namen bekam, mit dem es seinen Siegeszug um die Welt antreten sollte. Denn 1936 hatte sich auch sein ehemaliger Chef W.H. Albers vom verkrusteten Unternehmen „Kroger`s“ getrennt, war Cullens Beispiel gefolgt und hatte in Cincinnati seinen eigenen Laden gestartet. Er gab ihm den Namen „Supermarket“.

In Deutschland wurde der erste Supermarkt erst 1950 eröffnet. Nein, es waren nicht die Brüder Albrecht, die hatten zwar schon 1948 in Essen-Schonnebeck ihren ersten Lebensmittelladen mit preiswerter Kost für die Nachkriegswestdeutschen gegründet, sondern es war ein Lebensmittelgroßhändler namens Bernhard Müller, der in Augsburg dieses Experiment wagte.

Zwar gab es bei Müller noch keine Einkaufswagen wie heute, sondern kleine Holzkistchen, aber die wichtigsten Elementen hatte Müller aus den USA abgeguckt. Kein Zweifel: Der Supermarkt revolutionierte die Lebensmittelbranche und war zweifellos ein Fortschritt – allerdings ein Fortschritt, der teuer erkauft wurde mit dem Tod der Kommunikationszentren des kleinen Mannes, den sogenannten „Tante-Emma-Läden“ im Westen und dem Konsum oder HO im Osten.

70 Jahre Bugs Bunny

2010-06-27T07:36:00.002+02:00

27. Juli

Verändert hat er sich kaum in den 70 Jahren, seit er zum ersten Mal Möhrchen-knabbernd und sprühend vor Witz und Einfallsreichtum mit einer Hauptrolle auf der Leinwand erschien: Bugs Bunny, der wohl berühmteste Hase der Welt, die einzige Comic-Figur aus der Zeit vor dem Fernsehen, die auch heute noch ganz oben in der Gunst des Publikums steht.

In einer Hitparade jedenfalls, die die US-Zeitschrift „TV Guide“ ermittelte, holte sich Bugs Bunny die Pole-Position vor einem Homer Simpson, Rocky und Bullwinkle und Beavis und Butthead. Mickey Mouse, Urahne aller Zeichentrick-Helden, landete nur auf Platz 19.

Für seinen Schöpfer Frederick Bean „Tex“ Avery, den Mann, der Bugs Bunny in dem am 27. Juli 1940 erstmals gezeigten Streifen „The Wild Hare“ (deutscher Titel „Die Hasenfalle“) das Leben schenkte, wäre dies sicher eine besondere Genugtuung gewesen, denn seinerzeit, in den 30er, 40er Jahren galt nur eines für die Konkurrenz Warner und MGM: Dem übermächtig scheinenden Walt Disney um jeden Preis Paroli zu bieten. MGM brachte „Tom und Jerry“ und da es immer besser ist, gut zu klauen, als schlecht zu erfinden, lehnte sich der für die Warner-Studios zeichnende Avery mit seinem Bugs Bunny stark an eine Figur namens Max Hare an, die 1935 in dem Disney-Trickfilm „The Tortoise and the Hare“ (Die Schildkröte und der Hase) debütierte. Aber Tex Avery war eine Feier dieses späten Triumphs nicht vergönnt. Das am 26. Februar 1908 in texanischen Taylor geborene Comic-Genie starb bereits am 28. August 1980 in Kalifornien an Lungenkrebs.

Den Oscar für seinen Bugs Bunny in „Knighty Knight Bugs“ 1958 durfte er aber erfreulicherweise noch in bester Gesundheit miterleben.Als namenloser Statist war der Weltstar unter den Hasen übrigens schon 1938 zu sehen in einem von Ben Hardaway gedrehten Streifen mit dem Titel „Porky`s Hasenjagd“. Und da Ben Hardaway den Spitznamen Bugs hatte, wurde daraus „Bug’s Bunny“ also „Bugs Hase“, oder, korrekter, „Bugs Kaninchen“, denn Bunny ist ein Kose-Wort für Rabbit und das heißt nun einmal Kaninchen. Ja, wie nun?

Hase oder Kaninchen?

Die Länge der Ohren, die schlanke, elegante Erscheinung und die Lässigkeit, mit der er sein berühmtes „Eeh, what’s Up, Doc“ zum Besten gibt, deutet einerseits darauf hin, dass es sich bei Bugs Bunny trotz seines Namens um einen Hasen handelt. Andererseits ist die weiße Brust eher ein Merkmal des Kaninchens. Aber sei’s drum, in mehr als 175 Cartoons spielte das coole Nagetier eine Hauptrolle, entrann immer wieder den aberwitzigsten Situationen und weder Schweinchen Dick noch Elmer Fudd, der ebenso gnaden- wie glücklose Jäger, Yosemite Sam, das hitzköpfige Männlein, Daffy, der eifersüchtige Konkurrent oder der tasmanische Teufel, ja noch nicht einmal Basketball-Weltstar Michael Jordan in „Space Jam“ konnten ihm je das Wasser reichen in der Gunst des Publikums.

Sein Erfolg waren trotz all des abgedrehten Chaos, für das Tex Avery stets in seinen Filmen sorgte, die witzigen Anspielungen auf andere „Kollegen“ auf der Bühne und im Konzertsaal, so wie als „Rabbitt Hood“, der vom Sheriff von Nottingham verfolgt wird, weil er Karotten aus dem Garten des Königs geklaut hat oder in einer Adaption des „Hänsel-und-Gretel“-Stoffs oder in „What’s Opera, Doc?“, in der Wagners Ring in nur sieben Minuten verwurstet wurde.

Ganz genau weiß niemand, wie es mit dem Zeichentrickfilm, den 1885 der Franzose Emile Reynaud erfand, indem er seine Figuren direkt auf Filmstreifen zeichnete, weitergehen wird. Die durch Computer beherrschte Animations-Technik, das heißt 3D-Filme wie „Toy Story“, „Ice Age“ oder „Findet Nemo“, scheinen seit Mitte der 90er Jahre die Nase weit vorn zu haben, obwohl immer noch weltweit eine Menge „klassische“ 2D-Trickfilme produziert werden.

Bugs Bunny ist noch einer aus des guten alten Zeit, einer von früher, der es wohl schwer haben wird gegen „Die Unglaublichen“ oder „Shrek“ zumal sein letzter Film „Blooper Bunny“ schon 1991 gedreht wurde, als niemand ahnen konnte, was man alles mit „Keyframes“ und „inverser Kinematik“ . anstellen kann. Aber als in die Jahre gekommener Hase interessiert man sich für so etwas ja kaum noch ...

Die Karmann-Ghia-Saga

2010-06-17T16:20:00.003+02:00

14. Juli

So war das damals, Mitte der 50er Jahre in Deutschland: Peter Alexander sang „Komm ein bisschen mit nach Italien“ und Tausende folgten seinem Rat. Sie verbrachten ihren ersten Urlaub auf dem „Teutonengrill“ an der Adria, lernten Pizza und Pasta kennen und „La Dolce Vita“. Man fuhr VW-Käfer, aber unaufhaltsam wuchs bei den „Wunderkindern“ der Wunsch nach mehr Schönheit, Eleganz und Schnittigkeit.

Vor 55 Jahren, genau am 14. Juli 1955, wurde dieser Traum Wirklichkeit: Ausgewählte Gäste durften im Kasino-Hotel Georgsmarienhütte in Osnabrück dabei sein, als das inzwischen legendäre Karmann-Ghia-Coupé erstmals in der Öffentlichkeit gezeigt wurde – eine wahre Cremeschnitte, ein Auto mit Pfiff für die ersten italienischen Momente. Das hübsche Kind hatte drei stolze Väter: Wilhelm Karmann, Chef des gleichnamigen alteingesessenen Karosseriewerks in Osnabrück, Luigi Segre, Spitzenmann der italienischen Top-Designer-Werkstatt „Carozzeria Ghia“ in Turin und Heinrich Nordhoff, Topmanager von VW.

Der „Hausfrauen-Porsche“ oder „Sekretärinnen-Ferrari“, wie der Karmann später ein wenig spöttisch genannt wurde, war zwar nicht gerade eine Rakete mit seinen 30 PS und den 115 Stundenkilometer Höchstgeschwindigkeit, aber unter dem chicen Outfit steckte ein solides Käferchassis, was eine weit verbreitete Krankheit früher Sportwagen verhinderte, nämlich, dass man zwei davon haben musste, weil einer immer in der Werkstatt war. 7500 Mark kostete die entzückende kleine, sportliche Schwester des Wolfsburger Rackers, für den man damals nur 4600 Mark bezahlen musste.

Entstanden war alles, weil Heinrich Nordhoff eine Lücke in der Produktion schließen wollte. Der Name Volkswagen sollte nicht nur für leistungsfähige Transporter und zuverlässige Kleinautos stehen, sondern es sollte auch etwas für den Autofreak geben.

Mit Karmann arbeitete der Wolfsburger Konzern bereits seit Beginn der 50er Jahre zusammen, denn aus der Osnabrücker Karosserieschmiede stammte bereits das beliebte Käfer-Cabrio und insofern war es nur logisch, dass man wegen eines „Roadsters“ Kontakt aufnahm. Schon 1950 bekamen Wilhelm Karmann und VW-Produktionschef Ludwig Böhner den Auftrag, sich um die Entwicklung eines entsprechenden Modells zu kümmern. Aber irgendwie kam man nicht so recht vorwärts. Das Käfer schien als Chassis für eine Sportkarosse total ungeeignet.

Aber Karmann hatte auf zahlreichen Autosalon Luigi Segre, den kaufmännischen Direktor der Firma Ghia kennen gelernt und sich mit ihm angefreundet. Ghia war schon damals kein unbekannter Autodesigner, man arbeitete bereits für Fiat, Alfa Romeo, Lancia, Chrysler und Renault. Aber es wurde kein offizieller Vertrag geschlossen. Der schlaue Karmann wusste natürlich, dass Ghia und sein Besitzer Mario Boano, höchstes Interesse daran haben mussten, auch einen Fuß in den deutschen Markt zu setzen.

Und so war es dann auch. Ohne, dass die VW-Spitze etwas davon erfuhr, bastelten die Turiner an dem Modell. In aller Heimlichkeit besorgte man sich in Frankreich beim VW-Importeur Charles Ladouche ein VW-Chassis, aber an der Grenze gab es riesige Probleme, weil die Italiener nicht die erforderlichen Papiere vorlegen konnten. Schließlich ging doch alles gut. Fünf Monate arbeitete Ghia unter Volldampf, dann war es geschafft. Der fertige Prototyp wurde wieder nach Frankreich zu Ladouche geschafft und Karmann vorgeführt. Der war vollauf begeistert. Aber die höchste Geheimhaltungsstufe musste aufrecht erhalten bleiben. Schließlich hatte Karmann ja noch gar keinen unterschriebenen Vertrag mit VW.

Am 16. November 1953 war es soweit: Nordhoff erschien in Halle 1 des Osnabrücker Werks, ging langsam um den Wagen herum und sagte: „Ich muss zugeben, das ist ein sehr schönes Auto. Aber es ist viel zu teuer.“ Karmann verschlug es den Atem. „Wie können Sie das sagen? Ich habe Ihnen ja noch nicht einmal gesagt, was es kostet.“ Nach Vorlage aller Unterlagen war Nordhoff dann doch überzeugt. Das VW-Karmann-Ghia-Coupé war in jeder Hinsicht konkurrenzfähig.
Und es wurde nicht lange gekleckert, sondern gleich geklotzt. Bevor die Öffentlichkeit auch nur ahnte, das dort ein neues attraktives VW-Modell auf den Markt kommen würde, bereiteten VW und Karmann die Massenproduktion vor, die bereits im Juni 1955 anlief.

Am 14. Juli, dem französischen Nationalfeiertag, wohl auch, um die Rolle von VW-Importeur Ladouche zu unterstreichen, platzte dann die Bombe. Die Presse war begeistert. Die Fachzeitschrift „auto, motor und sport“ nörgelte zwar ein bisschen herum, nannte den Wagen „Parodie eines schnellen Autos“, sagte aber auch voraus: „Es besteht kein Zweifel, dass der Erfolg kommen wird“. Und so war es dann tatsächlich. Knapp 20 Jahre später, im Juli 1974, lief der letzte Karmann-Ghia vom Band, ein weißes Cabriolet, das direkt ins Werksmuseum rollte.

Fakten über Karmann Ghia

Vom Karmann-Ghia gibt es folgende Varianten:
Typ 14 Coupé, von dem 385 803 gebaut wurden
Typ 14 Cabriolet (81 053)
Typ 34 Coupé (42 505)
und Typ TC (18 119 – nur in Brasilien gebaut, wo Karmann 1960 in Sao Bernardo do Campo eine Fabrik einweihte).
Der Karmann-Ghia blieb in den fast 20 Jahren, in denen er gebaut wurde, fast unverändert. Die Motorenleistung stieg im Laufe der Jahre von 30 auf 40 und schließlich 44 PS steigt.
Typ 34 und TC haben 50- bzw. 54-PS-Motoren.
Veränderungen gab es u.a.:
1959 größere Scheinwerfer, größere, verchromte Lufteinlässe, ausstellbare Fenster im Fond, Scheibenwaschanlage und Lichthupe
1967 Scheibenbremsen und der Tankdeckel wandert vom Kofferraum auf den Kotflügel
1972 bekommt das Auto größere Stoßstangen.
Wilhelm Karmann, 1914 geboren, starb 1998, sein Freund Luigi Segre (Jahrgang 1919) 1963 und Heinrich Nordhoff, geboren 1899, leitete VW von 1948 bis zu seinem Tod 1968.
Die Firma Karmann, ursprünglich ein Kutschbau-Unternehmen, hat heute rund 8000 Mitarbeiter.Wer heute eine Karmann-Ghia erwerben will, muss mehr zahlen als den Neupreis. Das Coupé kostet rund 5000 € und das Cabriolet rund 9000 €, was aber für hübsche Oldtimer recht moderate Preise sind.

Der Elfenbeintürmler

2010-05-23T09:50:00.001+02:00

21. Juni

Philosophie, das war etwas für Elfenbeintürmler, für weltfremde Meisterköpfe – bis Jean-Paul Sartre kam. Er stopfte Schokolade in sich hinein, ließ sich mit Scotch und Rotwein voll laufen, schluckte Drogen, lebte in wilder Ehe und war gleichzeitig ein großer Dichter, ein großer Denker, der zumindest eine Generation Nachkriegsjugend nachhaltig prägte.

Vor 105 Jahren, am 21. Juni 1905, wurde er geboren und als er am 15. April 1980 starb, hinterließ er eine trauernde Simone de Beauvoir, eine Handvoll ebenfalls trauriger Ex-Freundinnen und ein Gedankengebäude, das in die Geschichte der Philosophie als „atheistischer Existentialismus“ eingehen sollte. Für ihn, den „Voltaire des 20 Jahrhunderts“, wird der Mensch erst durch seine eigenen Handlungen definiert, zuvor ist er unbelebte Materie. Dabei ist er allein, und darf sich nicht orientieren an Traditionen, Religionen oder Ideologien.

Der Mensch, so Sartre, ist dazu verurteilt frei zu sein.

Ein Leben ohne Konventionen, tun und lassen, was man will, auf dem Weg nach San Francisco mit Blumen im Haar, das war ganz nach dem Geschmack einer Nachkriegsjugend, der die Werte der Vorfahren nach sieben Jahren Völkerschlachten und in waffenstarrendem Kalten Krieg suspekt geworden waren, die in Staat, Familie und Kirche den „Muff von 1000 Jahren“ lüften wollte, die „keinem über 30“ mehr traute, die den Provinz-Diktator Ho-Tschi-Minh auf Demonstrationen feierte, sich mit Wasserwerfern der Polizei anlegte, Zeitungswagen anzündete und Maos rotes Buch in der Tasche trug – die meisten, weil es einfach Spaß machte, die traditionellen Autoritäten zu provozieren.

Der Meister selbst sorgte immer wieder für gelegentlich recht seltsame Ausrufezeichen, Handlungen, die ihn schon seinerzeit angreifbar machten. Er trat in die KP Frankreichs ein, lobte die Sowjetunion, bejubelte ihre „führende Rolle“, war schockiert von der Niederschlagung des Aufstands 1956 in Ungarn, verließ daraufhin die KP, lehnte 1965 die Annahme des Nobelpreises ab, um seine „Leser nicht unter Druck zu setzen“, besuchte den Terroristen Andreas Baader in Stammheim und attestierte ihm, Gutes gewollt zu haben, kurz, Sartre lebte seine eigenen Gedanken aus, was manchmal recht skurrile Folgen hatte..

Aber er war der erste Philosoph, der zum Weltstar wurde.

Dazu trug auch Simone de Beauvoir bei, seine einstige Kommilitonin, die er schon 1929 kennen lernte. Sie blieben ein Leben lang ein Paar, ohne zu heiraten, denn für Sartre war die Ehe eine „lebenslange Haft ohne Bewährung“. Trotz ihrer „Familien“ mit häufig wechselnder Frauen-Besetzung war es eine bemerkenswerte und bemerkenswert stabile Freundschaft, die die beiden verband. Grundlage war totale Offenheit und das Versprechen, einander niemals zu belügen. Sie blieben übrigens ihr Leben lang beim „Sie“, wohl auch, um ihre gegenseitige Hochachtung zu dokumentieren. Sie befruchteten sich gegenseitig, tauschten Ideen aus, von denen beide profitierten. Simone de Beauvoir setzte sich an die Spitze der modernen Frauenbewegung, ihr Essay „Das andere Geschlecht“ wurde zu einem Klassiker der Emanzipation, Sartre wurde zur Galionsfigur der 68er Revolten – und manchmal auch zum erstaunlich naiven Spielball politischer Interessen.

1934 beginnt Sartre während eines Stipendiats am Institut Francais in Berlin, sich mit der Philosophie eines Nietzsche, eines Heideggers oder eines Husserls zu beschäftigen. Daraus entsteht sein erstes philosophisches Hauptwerk „Das Sein und das Nichts“. Doch Sartre ist nicht nur Philosoph, er ist auch ein großer Literat. Schon in seinem ersten Roman „Der Ekel“ leidet der Held unter einer Existenz „bis zum Verschimmeln“ und fordert eine Freiheit ohne Gott.

Ebenso überzeugend ist Sartre als Dramatiker. „Die Fliegen“, während der deutschen Besetzung von Paris uraufgeführt, ist eine Parodie der antiken Tragödie, spielt mit Begriffen wie Freiheit, Nichts, Ordnung oder Gott, ist gleichzeitig eine geschickt verhüllte Attacke gegen die deutschen Eroberer. Nach dem Krieg schreibt Sartre „Die schmutzigen Hände“, ein Stück, in dem es erneut um die Freiheit ins Nicht hinein geht, um die Existenz ohne Gott.

Sartres Credo birgt ungeheuer viel gesellschaftspolitischen Sprengstoff. Die Welt ohne Sinn und Zweck, eine unvorsehbare Aneinanderreihung von Zufällen, der Mensch als nur sich selbst verpflichtete Kreatur. Er geht über reinen Atheismus weit hinaus. Der Mensch, so sagt er, „muss sich selbst wieder finden und sich überzeugen, dass ihn nichts vor ihm selbst retten kann.“
Die Zeit ist ein wenig hinweggegangen über Jean-Paul Sartre und seine Gedanken. Die Welt ist zur Zeit einfach nicht in der Stimmung, sich mit philosophischen oder anderen Grundwerten zu beschäftigen. Aber das kann sich auch wieder ändern ...

Verbote, Verbote, Verbote

2010-05-16T16:09:00.002+02:00

13. Juni

Eine menschliche Gesellschaft ohne Regeln endet im Chaos und genau aus diesem Grund gibt es Verbote – einige sinnvoll, viele sinnlos und die einen oder anderen einigermaßen skurril. So kann man sich beispielsweise nur schwer vorstellen, was sich die amerikanische Post dabei gedacht hat, am 13. Juni 1920 zu verfügen, dass Kinder nicht in Paketen verschickt werden dürfen ...

Nachvollziehen kann man allenfalls das Hubverbot für die gesamte französische Mittelmeerküste vom 18. Juni 1955, aber warum die US-Gemeinde Riverside Liebenden vorschreibt, sich nach dem Küssen den Mund mit Rosenwasser abzuwischen und warum in London Sex insbesondere auf abgestellten Motorrädern verboten ist, entzieht sich einigermaßen gängiger Logik.

Dabei zeigt alle menschliche Erfahrung, dass es nicht allzu viel nützt, Verbote auszusprechen – im Gegenteil. Gerade in Städten wie Moskau, Shanghai, Singapur, Schwerin oder Frankfurt am Main, in denen das Spucken auf die Straße bestraft wird, hat sich gezeigt, dass gerade dadurch bei vielen Menschen der Speichelfluss angeregt wird mit allen daraus zwangsläufig folgenden Übertretungen der öffentlichen Ordnung.

Vor allem optische Verbotszeichen führen gelegentlich zu unerwünschten Resultaten. Der Psychologieprofessor Paul Pauli von der Universität Würzburg hat beispielsweise festgestellt, dass eine intakte brennende Zigarette bei Rauchern stimulierende Wirkung hat, auch, wenn man einen roten Strich durch das Objekt der Begierde zieht. Er empfahl im „Spiegel“, eher „mickrige Kippen“ abzubilden, die Raucher erheblich weniger ansprechen würden.

Denn Forscher haben inzwischen herausgefunden, dass selbst Warnungen vor gesundheitsschädlichen Produkten kauffördernd wirken, da sich der Konsument nur das merkt, was für ihn angenehm, nicht, was unangenehm ist.

Dessen völlig ungeachtet untersagt beispielsweise eine rapide steigende Zahl von Ländern das Rauchen in der Öffentlichkeit, was einige hunderttausend Holländer in ziemlich Bedrängnis bringt, denn sie wollten nach einer entsprechenden Ankündigung ihrer Regierung das Land verlassen.

Nur wohin?
In die USA gewiss nicht, dort darf man noch nicht einmal am Strand qualmen.
Und das ausgerechnet in den USA, in dem Land, das mit einem generellen Verbot die allerübelsten Erfahrungen gemacht hat. Gemeint ist natürlich das Prohibitionsgesetz aus dem Jahr 1917, das wegen der unmäßigen Sauferei in US-Saloons Ende des 19. Jahrhunderts von Damenkränzchen wie der „Vereinigung christlicher Frauen für Mäßigung“ initiiert wurde. Zunächst sah es sogar gut aus: Im ersten Jahr nach Inkrafttreten des Gesetzes sank der Alkoholkonsum um immerhin 30 Prozent, dann aber erholten sich Hersteller, Schmuggler und Konsumenten von ihrem ersten Schock. Nun wurde der Schnaps schwarz gebrannt oder über die unendlich langen Grenzen der USA geschmuggelt und in privaten Clubs hinuntergestürzt. Denn das Trinken von Alkohol war nicht verboten.

Die Verbrecherorganisationen scheffelten so viel Geld, dass sie bis heute ein nicht mehr ausrottbarer Machtfaktor wurden. Außerdem stiegen die Menschen von Bier und Wein auf harte Spirituosen um, weil diese schneller Wirkung zeigten und man sie problemloser transportieren konnte. Dem Staat fehlten außerdem die Einnahmen aus der Alkoholsteuer, dieses Geld floss nun in die Taschen der Mafia. Am 5. Dezember 1933, rechtzeitig zum Weihnachtsfest, war der Spuk vorbei, die Prohibitionsgesetze wurden aufgehoben.

Aus all dem hätte man viel lernen können, aber immer wieder, wie beispielsweise bei der Diskussion über eine Lockerung des Verbots von leichten Rauschgiften, werden diese Erkenntnisse schlichtweg ignoriert.

Wer Verbote erlässt, das ist nun einmal unvermeidbar, muss auch sicherstellen, dass sie befolgt werden. Und so sind solche Gesetze und Verordnungen, was oft übersehen wird, gigantische Arbeitsbeschaffungsmaßnahmen. Es müssen Beamte eingesetzt werden, Polizisten, Gerichte und Leute, die alles vollstrecken. Werbeagenturen und Schilderhersteller wollen ja auch verdienen,
Was, zum Beispiel, würde passieren, wenn das Parkverbot in Städten generell abgeschafft werden würde? Was täten dann all die Politessen, Parkuhr-Hersteller, Knöllchendrucker und die Punktenotierer in Flensburg?

Und was wäre, wenn deutsche Polizeiverordnungen nicht mehr untersagen würden, seine Notdurft im Freien auf städtischen Grund und Boden zu verrichten und ohne Genehmigung Giftschlangen und andere tropische Tiere zu halten?

Es wäre das reine Chaos. Und das will doch wirklich niemand.

Herr Braun und seine Röhre

2010-05-08T12:01:00.003+02:00

6. Juni

Wenn einer mit dafür verantwortlich ist, dass wir mit dem Handy telefonieren, am Computer sitzen und in den Fernseher starren, dann sollte er doch eigentlich berühmt sein. Und wenn dieser Jemand auch noch ein Weltunternehmen gründete und einen Nobelpreis erhielt, dann doch wohl erst recht, sollte man meinen. Das alles leistete Karl Ferdinand Braun und steht dennoch nicht auf der Liste der berühmtesten Deutschen.

Am 6. Juni 1850 wurde der überaus talentierte Wissenschaftler in Fulda geboren. Als er am 20. April 1918 im Haus seines Sohnes im New Yorker Stadtteil Brooklyn starb, nahm davon kaum jemand Notiz. Allerdings ging damals der Erste Weltkrieg dem Ende entgegen und die Menschen hatten andere Sorgen, aber etwas mehr Aufmerksamkeit hätte der Erfinder der „Braunschen Röhre“, aus der der wichtigste Baustein eines Fernsehgeräts, die Bildröhre, entstand, der Mann, der so ganz nebenbei die Grundlagen für die Entwicklung des Radars legte, sicher verdient gehabt.

Und es fing gleich gut an: Schon als 24jähriger hatte Braun, damals noch Lehrer am Thomas-Gymnasium in Leipzig, den Gleichrichtereffekt der Halbleiter entdeckt, auf der buchstäblich die gesamte moderne Elektronik beruht, es folgten Elektrometer und vieles andere mehr.

Wahrscheinlich war Ferdinand Braun zu bescheiden, zu zurückhaltend und zu leise, um zu einem Star zu werden wie beispielsweise Guglielmo Marconi, dem es irgendwie gelang, der Welt vorzugaukeln, er sei der alleinige Vater der drahtlosen Telegrafie und nicht dieser deutsche Tüftler, mit dem er 1909 den Nobelpreis teilen musste.

Viel von dem nämlich, was Marconi als seine eigenen Erfindungen ausgab, hatte verblüffende Ähnlichkeit mit Patenten, die Ferdinand Braun bereits besaß. Unter vier Augen soll Marconi sogar zugegeben haben, er habe sich die eine oder andere Idee „ausgeborgt“, aber Braun verzichtete darauf, ihn zu verklagen. Das tat erst die Firma „Braun-Siemens“, die aus „Professor Brauns Telegraphen GmbH“ hervorgegangen war und die im weiteren Verlauf zum Weltunternehmen „Telefunken AG“ wurde.

Aber es war zu spät. Marconi war es inzwischen gelungen, seine juristische und vor allem seine öffentliche Position so abzusichern, dass ihm Braun nichts mehr anhaben konnte. Außerdem stand er bereits als der Mann in den Geschichtsbüchern, der als erster eine Funkverbindung über den Atlantik aufbaute – indem er Brauns Erkenntnisse nutzte.

Um Missverständnisse zu vermeiden: Guglielmo Marconi hat 1895 tatsächlich die drahtlose Telegrafie erfunden und Braun kam erst drei Jahre später, übrigens auf Anregung einiger Kölner Geschäftsleute um den Schokoladenfabrikanten Ludwig Stollwerck, auf die Idee, sich mit dieser Materie überhaupt zu beschäftigen. Aber es war Braun, dessen Ideen, beispielsweise elektromagnetische Schwingungen mit einer Funkenstrecke in einem geschlossenen Schwingkreis mit einem umfänglichen Kondensator zu erzeugen und dann auf die Antenne zu übertragen, die zur überragenden praktischen Bedeutung der drahtlosen Telegrafie führte.

Typisch: Es war Braun, der als erster mit drahtloser Telegrafie ein Schiff aus Seenot rettete, den Weltruhm aber holte sich aber Marconi nach dem Untergang der „Titanic“.Der Unterschied zwischen den beiden Männern war augenfällig: Marconi, ein eleganter und spritziger Italiener, stets bereit, Kaisern und Königen seine Apparaturen vorzuführen und Braun, der zurückhaltende Professor unter anderem in Karlsruhe, Tübingen und Straßburg, der lieber im Verborgenen arbeitete. Einer seiner Assistenten, ein Russe mit Namen Mandelstam, beschrieb ihn einmal so: „Als Persönlichkeit wirkte Braun durch seine Natürlichkeit und Freundlichkeit und durch sein außerordentliches Wohlwollen ungemein anziehend.

Brauns Forschungsleistungen sichern ihm in der Wissenschaft einen hohen Ehrenplatz und alle, die das Glück hatten, mit ihm in nähere Beziehung zu treten, werden das Andenken des großen, welterfahrenen, klugen und doch so gütigen Mannes stets mit Liebe und Ehrfurcht bewahren." Es wird Zeit, sich diese Worte zu Herzen zu nehmen ...

80 Jahre Tiefkühlkost

2010-05-08T11:55:00.002+02:00

6. Juni

Der Urahn von „Käpt’n Iglo“ hieß Clarence Birdseye, zumindest, was die Erfindung der Vorfahren unserer Fischstäbchen betrifft. 1927 wurde das Patent für „Frozen Fish Fingers“ in England patentiert. Den Trick mit dem Eis hatte Birdseye den Eskimos abgeguckt.

Meist haben ja Erfinder nicht viel von ihren Patenten und werden von den Ausbeutern ihrer Ideen über den Tisch gezogen. Der New Yorker Clarence Birdseye bildet da eine erfreuliche Ausnahme: Satte 22 Millionen Dollar strich er dafür ein, dass er der Menschheit einen uralten Traum erfüllte: Frisches Gemüse, Obst, Fleisch und Fisch das ganze Jahr hindurch, praktisch ohne Einbußen an Geschmack und Vitamingehalt.

Schon knapp drei Jahre später, am 6. Juni 1930, wurde die erste professionell bearbeitete und verpackte Tiefkühlkost in 18 Einzelhandelsgeschäften in Springfield (Massachusetts) von der Firma General Food (damals noch Postum Company) angeboten, mit der Clarence Birdseye in Sachen Tiefkühlkost zusammen arbeitete. Markenname: Birds Eye Frosted Foods.

Insgesamt waren es 27 Produkte, mit denen die amerikanische Hausfrau erfreut werden sollte: Fleisch, Spinat, Erbsen, Früchte, Fisch, darunter die in diesem Teil der Welt besonders schmackhaften und beliebten Austern.

Die Methode, Nahrung schnell und bei niedrigen Temperaturen einzufrieren, hatte Birdseye seinen eingeborenen Landsleuten in Alaska abgeguckt, wo er als Biologe für die US-Regierung arbeitete. Als Fachmann erkannte er, dass die Blitzfrostung verhinderte, dass sich Eiskristalle bildeten und die Zellstruktur zerstörten. Wieder zurück in New York kaufte sich Birdseye für sieben Dollar einen Ventilator, schleppte Salzwasser heran und holte sich Eisblöcke. Dann fing er an zu tüfteln, baute gewachste Pappkartons, experimentierte mit hohem Druck und niedrigen Temperaturen, bis er 1930 sein Patent mit der Nummer 1773079 erhielt.

Rund 20 Jahre später führten rund zwei Drittel aller amerikanischen Lebensmittelgeschäft Tiefkühlkost und noch länger sollte es dauern, bis Kühlschränke mit Tiefkühlabteil zum Standart in den Küchen gehörte. Aber ein Anfang war gemacht.

Die Lebensgeschichte des Clarence Birdseye liest sich wie ein mit Klischees gespickter Roman über den „amerikanischen Traum“. Geboren wurde er am 9. Dezember 1886 im New Yorker Stadtteil Brooklyn als Sohn eines nicht besonders erfolgreichen Rechtsanwalts und der Tochter eines relativ bekannten Erfinders. Das Geld war knapp im Hause Birdseye, so dass der junge Clarence früh lernen musste, dass man seinen Lebensunterhalt verdienen musste.

Immer schon interessierte sich der Junge aus der Großstadt für alles, was in der Natur kreucht und fleucht. Seinen Spitznamen „Bugs“ (Wanze) verdiente er sich dadurch, dass er Ratten und Frösche fing und an Universitäten und den Zoo als Futter für Reptilien verkaufte.

Nach der Zeit im College verschlug es ihn nach Labrador, er wurde Pelzhändler und begann, die Eskimos zu beobachten. Diese genauen Studien waren es, die Clarence Birdseye schließlich zu einem überaus erfolgreichen Erfinder und zu einem vermögenden Mann machen sollte.
Denn er ist nicht nur der Vater der Tiefkühlkost, sondern ließ sich so wichtige Dinge einfallen wie eine Art „Wal-Bazooka“, eine Harpune, mit der Wale gekennzeichnet werden konnten, um ihre Wanderung zu erforschen oder eine Infrarotlampe oder Scheinwerfer, um Waren in Einzelhandelsgeschäften gut ausleuchten zu können oder eine elektrisch betriebene Angel.

In den letzten Jahren seines Lebens beschäftigte sich Clarence Birdseye mit Papierherstellung. Er verbrachte zwei Jahre auf einer Plantage in Peru, wo er eine Methode entwickelte, wie man Papier aus Zuckerrohr-Resten produzieren konnte und zwar in einem Bruchteil der Zeit, die man zuvor benötigt hatte. 1956 starb Clarence Birdseye im Alter von 69 Jahren an einem Herzinfarkt.

Über sich selbst sagte er einmal: „Ich halte mich für keinen besonders bemerkenswerten Menschen. In der Schule war ich nicht sehr gut, ich habe noch nicht einmal den College-Abschluss. Und ich bin auch nicht der beste Verkäufer der Welt, aber ich ziemlich neugierig, was die Welt um mich herum betrifft und diese Neugierde, verbunden mit der Bereitschaft, Risiken einzugehen waren verantwortlich für den Erfolg und die Befriedigung, die ich in meinem Leben erfahren habe.“ Das Thema zum Thema „American Dream“.

Geh'n wir mal zu Hagenbeck

2010-05-07T07:17:00.004+02:00

7. Mai

Finkenwerder Fischer, die eigentlich auf Stör auswaren, brachten sie mit, die sechs Seehunde und verkauften sie an den Fischhändler Gottfried Clas Carl Hagenbeck. Das war im Jahre des Herrn 1848. Hagenbeck ließ sie in Metallbottichen vor seinem Geschäft im Hamburger Stadtteil St. Pauli herumplanschen und siehe da, die Menschen strömten nur so herbei. „Dann kann ich ja auch Geld dafür nehmen“, dachte sich der olle Hagenbeck. Gesagt getan, es war der Beginn einer grandiosen Geschichte, die knapp 50 Jahre später, am 7. Mai 1907, historische Dimensionen annahm.

Da eröffnete der Sohn des alten Carl, Carl Hagenbeck Junior, im damals noch zum preußischen Altona gehörigen Stadtteil Stellingen auf einer Fläche von 27 Hektar den ersten Zoologischen Garten der Welt, in dem Tiere nicht hinter Gittern, sondern in Freigehegen, also in einer Umgebung leben konnten, die ihrem eigentlichen Lebensraum zumindest einigermaßen nachgebildet war. Carl Hagenbeck hatte seine Idee 1896 zum Patent angemeldet und es sollte die Welt der Zooarchitektur revolutionieren.

Schon zuvor hatte der einfallsreiche Hamburger Furore gemacht. Nachdem er als 22jähriger 1866 den väterlichen Betrieb übernommen hatte, fügte er dem Handel mit toten Meeresbewohnern dem mit lebenden Landtieren hinzu. Regelmäßig schickte er seine Tierfänger zunächst nach Afrika und dann auch nach Asien, Südamerika, an die Pole und nach Australien, um die Menagerien von Kaisern und Königen und anderen Potentaten zu beliefern.

So sendete er beispielsweise eine Herde Dammhirsche und eine Ladung Finken an William Rockefeller, den Bruder von Ölmagnat John D. Rockefeller. Das Geschäft brummte jedenfalls derartig, dass Hagenbeck umziehen musste. Er zeigte nun in einem 7000 Quadratmeter großen Garten allerlei Getier, nannte das ganze „Hagenbeck’s Thierpark“ und verdiente gut dabei. Langsam baute er den größten Tierhandel der Welt auf. In 21 Jahren, von 1866 bis 1887, verkaufte er insgesamt fast 4000 Raubtiere, 26 Nashörner und Hunderte von Elefanten, Antilopen und Giraffen.

Eines Tages brachte ihn sein Freund, der Leipziger Tiermaler Heinrich Leutemann, auf eine neue Idee: Die Tiere sollten begleitet werden von „typischen“ Eingeborenen. Die „Völkerschau“ war geboren. Als erste traf eine Lappen-Familie mit ihren Rentieren ein, dann folgten Nubier, Indianer, Kalmücken, „wilde Patagonier“ und was es sonst noch an „Exoten“ auf diesem Planeten gibt. Die führten dann vor, wie es zuging in ihrer Heimat, oder jedenfalls wie sich die begeisterten Zuschauer wünschten, wie es zugehen sollte – Kämpfe, Überfälle und Feste. Es war ein Riesenerfolg, auch wenn es dabei Opfer gab. 1880 beispielsweise kamen zwei Inuit-Familien aus Labrador, gekleidet in landesübliche Fellparkas, sie jagten Seehunde und fuhren Kajak. Leider aber waren ihre Körper machtlos gegen die ortsüblichen Viren. Alle Eskimos starben.

Aber in der Kaiserzeit sah man das alles nicht so eng, Hagenbeck ging mit seiner Völkerschauen (insgesamt waren es 54) auf Tournee und gründete 1887 natürlich auch noch einen Zirkus – das liegt ja auf der Hand - und dieser machte den Namen Hagenbeck auf dem ganzen Globus bekannt. Der „Zirkus Hagenbeck“ zeigte sich in Chicago und auf der Weltausstellung 1904 in St. Louis, in Argentinien, Japan, Indien, China, Ägypten und Spanien.

Während des Zweiten Weltkriegs wurde der inzwischen weltberühmte Zoo fast völlig zerstört, aber schnell wieder aufgebaut. Selbst am Tag der Kapitulation, am 8. Mai 1945, kamen 364 zahlende Besucher, und das bei – wie aus den Geschäftsbüchern hervorgeht – saumäßigem Wetter.

Im Jubiläumsjahr 2007 gab Hagenbeck, der einzige in Privatbesitz befindliche Großzoo der Welt, noch einmal Gas: Ein neues Troparium wurde gebaut, das am Jubiläumstag eröffnet wurde, es wurden Riffhaie angeschafft, Adlerrochen und neue Krokodile vom Nil.

Und da wollten auch die Tiere offenbar nicht nachstehen. Elefantenkuh Lai Sinh brachte pünktlich eine Tochter zur Welt, die sich, ähnlich wie Eisbärknuddel Knut in Berlin, zum absoluten Publikumsliebling entwickelte, da außerdem noch die damals vierjährige Kandy und die dreijährige Thai im Hagenbeck-Elefanten-Gehege herumtollten.

Wenn das alles kein Grund ist, sich der Aufforderung des Hamburger Volkssängers und Komponisten Richard Germer anzuschließen, der einst sang: „Geh’n wir mal zu Hagenbeck“, dann weiß ich es auch nicht ...

Das Phänomen Orson Welles

2010-05-06T06:54:00.005+02:00

6. Mai

30. Oktober 1938: Tausende versuchen aus den Städten zu fliehen, nur fort in die Berge. Die Ausfallstraßen sind verstopft, durch die verwaisten Straßen ziehen Plünderer, einige Menschen nehmen sich sogar das Leben. Und das alles nur, weil ein gewisser Orson Welles in einer fiktiven Rundfunkreportage von der Landung Außerirdischer in New York berichtet hatte. Es war der erste Coup des späteren Weltstars, der am 6. Mai 1915 in Kenosha im US-Bundesstaat Wisconsin geboren wurde.

Man mag es heute kaum glauben, dass Welles atemlose Reportage über die Landung Außerirdischer in New York und ihre Vorbereitungen zur Vernichtung der Menschheit von so vielen Menschen für bare Münze genommen wurde und dass dadurch an der gesamten Ostküste der USA eine Massenhysterie ungeheuren Ausmaßes ausgelöst wurde.

Den Hinweis, dass es sich lediglich um ein Hörspiel frei nach H.G. Wells Roman „Der Krieg der Welten“ handelte, bekamen nur noch die wenigsten mit. Alle anderen hatte die Apparate bereits in Panik verlassen und liefen ziellos durch die Straßen.

Orson Welles war mit einem Schlag ein berühmter Mann.

Er sollte noch zweimal Geschichte, in diesem Fall Filmgeschichte, schreiben. 1941 schuf er ein Meisterwerk, bei dem auch heute noch Cineasten mit der Zunge schnalzen: Mit „Citizen Kane“ erreichte der noch relativ junge Film einen seiner unbestrittenen historischen Höhepunkte. Kaum ein anderer Streifen erreichte je wieder die ästhetische Komposition der Bilder und die perfekte Nutzung der vorhandenen technischen Möglichkeiten.

Dass der Film auch finanziell ein Erfolg wurde, was bekanntlich ja nicht für jedes Kunstwerk gilt, verdankt Welles dem Umstand, dass mit ihm ein handfester Skandal verbunden war. Der allmächtige Zeitungsverleger William Randolph Hearst meinte sich in dem Pressetycoon Charles Foster Kane in Welles Film wiederzuerkennen. Vor allem die Passagen mit dem völlig talentlosen Filmsternchen Susan Alexander ärgerten den immerhin 78 Jahre alten Hearst, denn er hatte selbst gerade eine heiße Liebesgeschichte mit der ebenfalls nicht besonders erfolgreichen Schauspielerin Marion Davies.

Vielleicht fühlte sich Hearst auch ertappt, da Welles in dem Film sein Erfolgsrezept, nämlich Sensation um jeden Preis, gnadenlos enthüllt. Randolph Hearst besaß zuletzt insgesamt 38 Zeitungen und Zeitschriften inklusive eigenem Nachrichtendienst, dem „International New Service“, war also ein wirklich einflussreicher Mann. Und obwohl der Pressezar alles tat, um den Start des Film zu verhindern, ihn am liebsten in Flammen aufgehen lassen wollte, gelang es ihm erfreulicherweise nicht. „Citizen Kane“ überlebte.

Nach diesen überwältigenden Erfolgen als Rundfunkmann und Filmregisseur setzte Orson Welles 1949 noch ein Glanzlicht, das seinesgleichen sucht. Diesmal als Schauspieler. Nur zehn Minuten ist er insgesamt in Carol Reeds Meisterwerk „Der Dritte Mann“ als Penicillin-Schieber Harry Lime zu sehen und dennoch beherrscht er den ganzen Film - ebenso unvergesslich wie die Zittermusik des Anton Karas. Nichts hält die Dramatik, Tristesse und Brutalität der Schwarzmarktzeit kurz nach Ende des Zweiten Weltkriegs eindruckvoller fest als „Der dritte Mann“.

Für Welles war es der dritte Geniestreich. Es blieb sein letzter. Er drehte zwar noch zahlreiche Filme, der Schwung seiner jungen Jahre aber war dahin. Er drehte vorrangig Shakespeare-Filme, 1962 wagte er sich mit überschaubarem Erfolg an Franz Kafkas „Der Prozeß“. Er hatte große Ambitionen, die viel Geld verschlangen und kaum etwas einbrachten. Welles verdiente es sich in meist recht lustlos gespielten Nebenrollen. Nach Aussagen seines langjährigen Sekretärs Maurice Bessy waren ihm diese Rollen herzlich gleichgültig, aber sie ermöglichten ihm das Überleben.

„Jeder, der sich für den lächerlichen Beruf eines Filmemachers entscheidet, hat verdient, was ihm widerfährt“, hat Orson Welles einmal gesagt. Ihm widerfuhr Merkwürdiges: In den ersten 35 Jahren seines Lebens wurde er zum Mythos, zu einem legendären Medien-Giganten. Dann gab es einen seltsamen Bruch. Nichts lief mehr so richtig und in den zweiten 35 Jahren seines Lebens dümpelte der große Orson Welles irgendwie im Mittelmaß herum. Er starb am 10. Oktober 1985.

Der erste echte Cowboyhut

2010-05-05T07:28:00.003+02:00

5. Mai

So ein Stetson ist schon ein praktisches Ding: Wenn die Sonne herunter knallt, dann bietet er Schatten, wenn es wie aus Kübeln schüttet, schützt er vor Nässe und wenn der treue Gaul nicht direkt aus einem Fluss oder einem Bach trinken kann, dann füllt man seinen Stetson mit dem kostbaren Nass, trinkt selbst und lässt dann sein Pferd daraus schlabbern. Abends, am Lagerfeuer, da kann man mit dem Hut so viel Wind machen, dass es eine ordentliche Glut ergibt. Und das wichtigste: Man kann Kühe in die richtige Richtung dirigieren, wenn man ihn hin- und herschwenkt. Kurz: Ein Stetson ist für jeden Cowboy unersetzlich.

Bevor es ihn gab, also vor dem Jahr 1865, da trugen die Männer im Wilden Westen alles Mögliche, irgendwelche Kappen oder Kapitänsmützen, Strohhüte oder von den Mexikanern abgeguckte Sombreros. Erst als John B. Stetson auf der Bildfläche erschien, der in diesen Tagen vor 180 Jahren, genau am 5. Mai 1830, geboren wurde, da kam auch er auf die Welt, der erste echte Cowboyhut.

Dieser John Batterson Stetson, siebtes Kind in einer 14köpfigen Großfamilie in Orange im Bundesstaat New Jersey, lebte ganz im Osten der USA, also weit weg von Prärie, riesigen Rinderherden und Indianern. Aber mit Hüten hatte er schon sehr früh etwas am Hut, denn sein Vater Stephan war Hutmacher.

John B. Stetson ging es gar nicht gut in der Jugend. Er litt unter Tuberkulose und sein Arzt hatte ihm ein nur kurzes Leben vorhergesagt. Da er aber unbedingt den Wilden Westen kennen lernen wollte, bevor er starb, beschloss der junge Mann in die Rocky Mountains zu ziehen, nach Colorado, wo 1858 an Pikes Peak Gold gefunden worden war. Er stimmte ein in den Schlachtruf der Glücksritter „Pike’s Peak or bust!“ (Pike’s Peak oder Pleite!) und beobachtete mit Interesse die Mützen aus Waschbärfell, die einige Goldsucher trugen.

Dann hatte er eine Idee: Warum nicht einen Filzhut herstellen, der aus dem Unterhaar von Biberfellen besteht? Der wäre schön leicht und wasserabweisend. Und er hält warm. Gesagt, getan und es entstand ein erster, ziemlich auffälliger, weil ziemlich großer Hut mit breiter Krempe. Den trug er dann auch, erst zum Spaß, aus dem dann schnell ernst wurde, als ihm ein Cowboy ein Fünf-Dollar-Goldstück anbot und ihn kaufte.

Stetson ging zurück in den Osten und erwarb in Philadelphia eine Fabrik, in der er die ersten Hüte herstellte, die am Hutband seinen Namen trugen, legendäre Kopfbedeckungen wie den „Boss of the Plains“ oder den „Ten Gallon Hat“, dessen Name wohl eher auf einem Missverständnis beruht, denn ursprünglich nannten die Mexikaner diesen ziemlich großen Hut „un sombrero tan galan“, was soviel heißt wie ein „sehr eleganter Hut“, woraus dann „Ten Gallon“ (zehn Gallonen) wurde.

Es dauerte nicht lange und die von Stetson gegründete Firma eroberte den Hutmarkt des Landes und später auch darüber hinaus. Schon bald gehörte es zum guten Ton, einen Stetson zu tragen, die US-Kavallerie wurde damit ausgerüstet, so dass auch der unglückliche George Armstrong Custer einen Stetson trug, als er und seine Männer 1876 am Little Big Horn von Indianern massakriert wurden,

Natürlich hatte auch Buffalo Bill einen Stetson auf dem Kopf oder Annie (get your gun) Oakley, wenn sie ihre Schieß-Kunststücke veranstaltete. John Wayne trug ihn und Tom Mix, zahlreiche US-Präsidenten ließen sich gern mit ihm fotografieren und einer schaffte es sogar ins Museum: Das war der von J.R. Ewing, der nach dem Ende von „Dallas“ im „Smithsonian National Museum of American History“ in Washington landete.

John B. Stetson wurde 75 Jahre alt und starb am 18. Februar 1906.

Die „Stetson“ Hut-Fabrik ist heute in St. Joseph im Bundesstaat Missouri angesiedelt und produziert Westernhüte in Hunderten von Formen und Farben. Die Preise für diese Hüte bewegen sich zwischen bescheidenen 35 Dollar und 5000 Dollar für einen, der üppig mit Diamanten besetzt ist.

Übrigens: Das berühmte „X“, das im Innenleder eines jeden Stetson zu finden ist, ist ein Qualitätsmerkmal. Es bezeichnet den Anteil von Biberhaar. Je mehr „X“ dort stehen, um so seidiger und unverwüstlicher ist er. Der Wahlspruch der Firma, die inzwischen unter anderem auch Kosmetika und Sonnenbrillen verkauft, ist typisch amerikanisch selbstbewusst und ein ganz klein wenig überheblich: „Stetson, das ist nicht ein Hut, das ist der Hut“.

Der Vater des Judo

2010-05-04T07:45:00.005+02:00

4. Mai

Wenn man aus einer guten alten Sake-Brauer- und Samurai-Familie stammt, in denen ja bekanntermaßen lieber Harakiri gemacht wird als das Gesicht zu verlieren, wenn man aber gleichzeitig ein Hänfling ist und ständig von Klassenkameraden verprügelt wird, dann muss man sich etwas einfallen lassen. Ein gewisser Jigoro Kano, der am 28. Oktober 1860 in Mikage in der Nähe der alten japanischen Kaiserstadt Kioto geboren wurde, tat genau dies und dies mit Hilfe eines deutschen Universitätsprofessors mit Namen Erwin von Bälz. Dieser war seinerzeit als Lehrkraft an der Universität Tokio beschäftigt, wo der junge Kano Medizin studierte und war außerdem Leibarzt der japanischen Kaiserfamilie.

Dieser Erwin von Bälz war ein Sportfan. Vor allem interessierte er sich für eine Sportart mit Namen Jiu Jitsu, was wörtlich übersetzt „sanfte Kunst“ heißt, ein Kampfsport, der nicht rohe Gewalt anwendet, sondern einen Angreifer durch Nachgeben besiegt.

In der Legende um die Entstehung dieser Sportart heißt es, ein japanischer Mediziner habe bei einem heftigen Sturm beobachtet, wie schwere und starke Eichen zerbrachen, während angeblich schwache Weiden den Orkan unbeschadet überstanden.

Jiu Jitsu dient ausschließlich der Selbstverteidigung und gilt deshalb im Reich der aufgehenden Sonne als besonders ehrwürdig. Also: Erwin von Bälz brachte seinen schmächtigen Schüler Jigoro Kano auf die Idee, sich wirkungsvoll und zugleich ehrenhaft zu wehren, eine für einen Samurai-Sohn außerordentlich verlockende Aussicht, denn Jiu Jitsu wurde traditionell insbesondere von den alten japanischen Kriegern angewandt, wenn sie sich nach Verlust aller Waffen gegen ihre Gegner verteidigen mussten.

Jigoro Kano trainierte eifrig in mehreren Tokioter Jiu-Jitsu-Schulen, wurde selbst ein Meister und begann dann eigene Ideen einzubringen. Damit schlug die Geburtstunde des Judo. Einerseits feilte Kano an den Techniken, fügte vor allem sehr viel mehr Würfe hinzu, auf der anderen Seite aber gab er dem Sport auch eine geistige Komponente frei nach dem europäisch antiken Idealbild „mens sana in corpore sano“ (Gesunder Geist in gesundem Körper). Vor allem aber „entschärfte“ Kano das unter Umständen zu tödlichen Verletzungen führende Jiu-Jitsu und machte daraus eine elegante, leichtfüßige und relativ ungefährliche Sportart, in der Körper und Geist in Harmonie zusammenwirken.

1884, Jigoro Kana war gerade einmal 24 Jahre alt, gilt als das Geburtsjahr der neue Sportart Judo, bestehend aus „Ju“ mit der Bedeutung „sanft“ und „do“ was soviel heißt wie „Weg“ und womit angedeutet werden soll, dass der Weg zum Meister nie endet, dass man nie am Ende aller Weisheit, auch nicht der des Judo, ist.

Die große Stunde des Jigoro Kano kam, als eifersüchtige Konkurrenten die Effektivität der neuen Sportart anzweifelten und Judo als „Jiu Jitsu für Bücherwürmer“ bezeichneten. Es kam zu einem großen Kräftemessen. 1886 standen sich je 15 Meister der alten und der neuen Sportart gegenüber. Nicht ein einziger von Kanos Schülern verlor seinen Kampf, es gab lediglich zwei Unentschieden.

Jigoro Kano erlebte es noch, dass die ersten japanischen Meisterschaften im Judo organisiert wurden, er musste allerdings bis ins Jahr 1930 warten. 1938 reiste er nach Europa, um dort die neue Sportart vorzustellen, die erstmals während der geplanten Olympischen Spiele 1940 in Tokio gezeigt werden sollte. Kano starb am 4. Mai auf der Rückreise auf dem Schiff im Alter von 77 Jahren an einer Lungenentzündung. Und die Olympischen Spiele in Tokio mussten wegen des 1939 ausgebrochenen Weltkriegs abgesagt werden.

Und so warteten Tokio und das Judo bis ins Jahr 1964, bis beide olympisch wurden.

Jigoro Kano war ein überaus strenger Mann, dem Disziplin und Perfektion über alles ging. Seine Schüler mussten jeden Morgen um 5 Uhr aufstehen und zunächst das Haus reinigen und dann im Garten arbeiten. Kano glaubte an den Wert der Erziehung. „Nichts unter der Sonne ist wichtiger als Erziehung“, sagte er einmal, „wenn wir einen Menschen erziehen und ihn in die Gesellschaft seiner Generation entlassen, prägen wir damit 100 Generationen, die noch kommen.“ Aber er war manchmal auch ein etwas merkwürdiger Kauz. So ging er nie ohne Schirm spazieren, damit der Regen keine Macht über ihn haben sollte ...

Walter und Erich

2010-05-03T06:55:00.006+02:00

3. Mai

Fast 20 Jahre nach dem Ende der DDR und der Vereinigung der beiden deutschen Staaten kommt es einem schon fast so vor, als würden die beiden Männer, die die Geschichte des ersten und einzigen Arbeiter- und Bauernstaates auf deutschem Boden über all die Jahre bestimmten, zu ein und demselben mehr oder weniger menschlichen Wesen verschmelzen.

Und tatsächlich waren Walter Ulbricht und Erich Honecker irgendwie aus demselben Holz geschnitzt: Beide waren grenzenlos ehrgeizig, krankhaft misstrauisch und im Herzen farblose Spießbürger mit einem Hang zu kalten Grausamkeiten, wie man es oft bei dieser Spezies Homo sapiens antrifft. Schließlich wurde ihnen derselbe Fehler zum Verhängnis: Unendliche Selbstüberschätzung und die damit verbundene Freude am Kult um die eigene Person.

Am 3. Mai 1971 vollzog sich die Machtübergabe - für die Öffentlichkeit als Generationswechsel getarnt und mit der angegriffenen Gesundheit des 73jährigen Walter Ulbricht begründet. In Wirklichkeit aber war es das Ende eines gnadenlosen Machtkampfes zwischen den beiden einstigen Weggefährten, der in letzter Instanz von dem mächtigen Mann im Kreml, Leonid Breschnjew, entschieden wurde.

Dabei hatte Honecker seinem Ziehvater Ulbricht eigentlich alles zu verdanken. Seit Beginn der DDR hatten sie eine Seilschaft gebildet mit Ulbricht als Senior- und Honecker als Juniorpartner in Funktion des FDJ-Chefs. Und es hätte nicht viel gefehlt, da wäre es schon frühzeitig um beide geschehen gewesen. In der Folge des gescheiterten Aufstands vom Juni 1953 wackclte der Stuhl des 1. Parteisekretärs Walter Ulbricht bedenklich und es kam zu dramatischen Auftritten im Politbüro, die zu späteren Zeiten schier undenkbar gewesen wären.

So wird die einzige Frau im damaligen Politbüro, Elli Schmidt, mit den bemerkenswerten Worten zitiert: „Der ganze Geist, der in unserer Partei eingerissen ist, das Schnellfertige, das Unehrliche, das Wegspringen über die Menschen und ihre Sorgen, das Drohen und Prahlen - das erst hat uns so weit gebracht und daran, lieber Walter, hast du die meiste Schuld ... Wer Dir zum Munde redet und immer hübsch artig ist, der kann sich viel erlauben. Honecker, zum Beispiel, das liebe Kind“.

Aber Ulbricht rettete sich und mit ihm seinen Ziehsohn Honecker. Ob der alte Sachse jemals ahnte, wer hinter seinem Sturz 1971 stand, ist nicht endgültig geklärt, jedenfalls versuchte Ulbricht bis zuletzt, seine Macht zu erhalten. Der starke Mann der UdSSR, Leonid Breschnew, damals noch im Vollbesitz seiner Kräfte und noch nicht vom Wodka zerstört, war allerdings schon seit einiger Zeit unzufrieden mit seinem Vasallen in Ost-Berlin. Ulbricht hatte sich einige Dinge herausgenommen, die Breschnjew als Missachtung und Überheblichkeit empfunden hatte. Außerdem missbilligte er den Wunsch seines deutschen Genossen, sich möglichst vom großen roten Bruder abzunabeln und einen eigenen Weg zu gehen.

Immer wieder kam es zwischen den beiden zu Kontroversen, die im Laufe des Jahres 1970 eskalierten. Honecker hatte das alles durch geschickte Sticheleien und gezielte Indiskretionen geschürt. Aber alles schien für Erich schon verloren, als sich Ulbricht und Breschnjew nach einem Treffen der Partei- und Staatschefs des Warschauer Paktes im August 1970 wieder nähergekommen waren. Aber dann machte Walter Ulbricht doch wieder alles kaputt, indem er dem roten Zaren unmissverständlich und das vor versammelter Mannschaft mitteilte, die DDR wolle sich zwar in der Kooperation mit der Sowjetunion aber doch als echter deutscher Staat entwickeln. „Wir sind nicht Bjelorussland, wir sind kein Sowjetstaat“, rief Ulbricht unvorsichtigerweise aus. Honecker rieb sich die Hände.

Im Januar 1971 brachte er einige wichtige Mitglieder des Politbüros, unter ihnen die Herren Hager, Mittag, Sindermann und Stoph, dazu, in Moskau zu petzen. In einem langen Brief wird den russischen Genossen mitgeteilt, welche Verfehlungen Ulbricht sich leiste und dass man es für eine „internationalistische Pflicht“ halte, „das Politbüro des ZK der KPdSU über die bei uns entstandene Lage zu informieren und zu bitten, uns bei der Lösung zu helfen.“

Der Kreml handelte, Ulbricht trat zurück und Honecker war am Ziel seiner Träume. Wer an die Macht will, darf sich keine Gefühlsduseleien leisten. Binsenweisheiten sind manchmal auch stärker als Ideologien.

Philosoph des Krieges

2010-05-02T15:44:00.002+02:00

1. Juni

Sein großer Ehrgeiz war, „ein Buch zu schreiben, das nicht nach zwei oder drei jahren vergessen wäre“. Es ist ihm gelungen. 1832, wenige Monate nachdem Carl von Clausewitz im Alter von 51 Jahren an der Cholera gestorben war, brachte seine Witwe Marie jenes Buch heraus, das bis heute in der ganzen Welt als militärisches Standardwerk Nummer eins gilt: „Vom Kriege“.

Clausewitz Buch ist aber alles andere als eine Gebrauchsanweisung, wie man am besten einen Krieg gewinnt, sondern es ist eine eher philosophische Betrachtung der Wechselwirkung von militärischem und politischem Handeln. „Der Krieg ist ein Instrument der Politik, „schreibt Clausewitz, „er muss notwendig ihren Charakter tragen, er muss mit ihrem Maße messen; die Führung des Krieges in seinen Hauptumrissen ist daher die Politik selbst, welche die Feder mit dem degen vertauscht, aber darum nicht aufgehört hat, nach ihren eigenen Gesetzen zu denken.“ Und: „Die Politik hat den Krieg erzeugt; sie ist die Intelligenz, der Krieg aber bloß das Instrument, und nicht umgekehrt. Es bleibt also nur das Unterordnen des militärischen Gesichtspunktes unter den politischen möglich.“

Der Historiker Hellmut Diwald erkennt den Kern der Clausewitzschen Gedanken in der „unbedingten Zurücksetzung des rein Militärischen gegenüber dem Politischen. Das heißt: Jeder Konflikt, so ausweglos er auch zu sein scheint, wird am besten, das heißt am sinnvollsten mit Hilfe politischer Mittel gelöst, und nicht mit Hilfe militärischer. Die Kanonen waren einmal die ‘ultima ratio regis’ (‘das letzte Mittel der Könige’). Seit Clausewitz sind sie, und heute mehr denn je, die ‘ultima stultitia’ (‘die letzte Torheit’).“

So überraschend es auf den ersten Blick auch erscheint: Carl von Clausewitz, ein konservativer preußischer Militär-Philosoph wurde ein Jahrhundert später zu einem Vordenker des Kommunismus. Sowohl Lenin als aus Mao Tsetung entdeckten den Militär- und Politik-Theoretiker Clausewitz für sich, benutzten seine Gedanken so wie sie waren oder änderten sie in ihrem Sinne ab. Aus dem Clausewitzschen Satz „Der Krieg ist nichts als eine Fortsetzung des politischen Verkehrs mit Einmischung anderer Mittel“ machte Lenin: „Die Politik ist nichts anderes als die Weiterführung des Krieges mit anderen Mitteln.“

Mao eignete sich die Gedanken Clausewitz zum Teil wörtlich an. Der obige klingt bei ihm so: „Politik ist unblutiger Krieg und Krieg ist blutige Politik.“

Lenin hatte Clausewitz für sich entdeckt, als er während seines Schweizer Exils in den Briefen von Friedrich Engels an Karl Marx blätterte und darin die Engelsche Einschätzung fand, dieser Clausewitz sei „ein Stern“. Seine Gedanken schrieb er in ein kleines Notizbuch, das später zu einer Reliquie des Weltkommunismus wurde.

Aber nicht nur unter den führenden Kommunisten des 20. Jahrhunderts fand Clausewitz seine Anhänger. Reichspräsident und Generalfeldmarschall Paul von Hindenburg urteilte beispielsweise: „Es gibt ein Buch ‘Vom Kriege’ das nie veraltet“ und Thomas Edward Lawrence, der legendäre „Lawrence von Arabien“ lobte: „Clausewitz war allen geistig so überlegen und sein Buch so logisch und mitreißend, dass ich mir unbewusst seine Schlussfolgerungen zu eigen machte.“

Carl von Clausewitz wurde am 1. Juni 1780 in Burg bei Magdeburg geboren und starb am 16. November 1831. Schon im Alter von 12 Jahren trat er in ein preußisches Infantrieregiement ein, mit 13 wurde er Fähnrich, mit 15 Leutnant. Er besucht die Allgemeine Kriegsschule in Berlin und wird zu einem der engsten Mitarbeiter der berühmten preußischen Militärs Scharnhorst und Gneisenau.

1812 wechselt er aus Protest gegen den preußische Pakt mit Napoleon in das russische Heer ein und wird zum entscheidenden Mann der Konvention von Tauroggen, in der sich das preußische Hilfscorps im Russland-Feldzug Napoleons für neutral erklärte. Diese Konvention bildet den Anfang einer Anti-Napoleon-Allianz, die schließlich zum Sturz des „Kaisers der Franzosen“ führte. Er gilt, so Hellmut Diwald „als der größte militärische Denker des Zeitalters und der bedeutendste Philosoph des Krieges, den die Geschichte kennt.“

Frau Goethe

2010-05-02T15:38:00.002+02:00

1. Juni

Nach 18 Jahren wilder Ehe im wahrsten Sinne des Wortes heiratete Deutschlands Dichterfürst endlich. Am 19.10. 1806 (manche Quellen nennen den 14.10., weil dies als eigentlich vorgesehenes Datum schon in die Eheringe eingraviert war), führte Goethe seine Christiane vor den Traualtar.

Einige schüttelten den Kopf oder, je nach Temperament, zuckten mit den Schultern oder kochten vor Wut. „Was hat sie, was ich nicht habe?“, fragten sich all die anderen, die viel Klügeren, viel Schöneren, Edleren, Jüngeren und Witzigeren im munteren Liebesleben des Johann Wolfgang von Goethe, aber nein, der Olympier nahm ausgerechnet die inzwischen 41jährige Christiane Vulpius, ehemalige Arbeiterin in einer Fabrik, in der Kunstblumen für Hüte hergestellt wurden. Am 1. Juni 1765 wurde sie geboren.

Ja, was hatte sie?

Goethe sagt, „um Lektüre kümmerte sie sich nicht viel und taugte ebenso wenig zum Briefe schreiben“, aber dazu brauchte der größte deutsche Dichter aller Zeiten schließlich auch niemanden, das konnte er selbst.

Christiane schenkte ihm nicht nur alle Liebe, deren sie fähig war, hing nicht nur an seinen Lippen, auch wenn sie nicht immer alles verstand, was er sagte, sorgte dafür, dass es ihm in jeder Beziehung gut ging, ignorierte weitgehend seine ewigen Frauengeschichten, gönnte ihm seine langen Reisen, schenkte ihm sein einziges überlebendes Kind, seinen geliebten Sohn August, und blieb, trotz zahlreicher Fehlgeburten und sonstiger Kümmernisse, immer fröhlich und gut gelaunt. Sie war geschickt und mutig, liebte das Theater über alles und sie gab Goethe nur wenig Grund zur Eifersucht, unter der der Gigant paradoxerweise zu leiden pflegte.

Kurz: Frau Goethe war ganz und gar unanstrengend – wenn man einmal davon absieht, dass Christiane dem Herrn Geheimrat in einer Beziehung überlegen war: Sie konnte saufen wie ein Loch und war dann immer ziemlich albern. Mit zunehmendem Alter machte sich dies Laster dann auch auf den Hüften bemerkbar, aber gut, niemand ist perfekt, und schließlich trug es ihr der Vor-Denker und Vor-Dichter der Deutschen mit der ihm eigenen Selbstgefälligkeit nicht nach.

Er hat sie wohl auch wirklich geliebt und sogar den Bruch mit seiner guten Freundin Charlotte von Stein in Kauf genommen, der erst viele Jahre später wieder gekittet wurde.
Obwohl außereheliche Beziehungen in jenen Jahren überhaupt nichts Besonderes waren, ließ die Weimarer sogenannte gute Gesellschaft den Dichter aber immer wieder spüren, dass diese Christiane Vulpius einfach nicht standesgemäß war, so dass Goethe fast schon betteln musste, um auch für sie einmal eine Einladung zu erhalten.

Das ging aber erst, als die beiden geheiratet hatten. Johanna Schopenhauer, die vermögende Mutter des großen Philosophen Arthur Schopenhauer, durchbrach als erste den Vulpius-Boykott, indem sie sagte, wenn Goethe sie für wert halte, sie zur Frau zu nehmen, dürfe man ihr eine Tasse Tee nicht verweigern.

Nur knapp zehn Jahre waren Johann Wolfgang und Johanna Christiane Sophie von Goethe verheiratet, da traf sie ein Schlaganfall. Wenige Monate später folgte ein äußerst schmerzhaftes Nierenversagen, so dass Goethes Ehefrau am 1. Juni 1816 starb. Das war fünf Tage nach ihrem 51. Geburtstag. Goethe verfiel in tiefe Apathie, in sein Tagebuch schrieb er, in ihm herrsche „Leere und Totenstille“. Erst als der ziemlich unbegabte Sohn August ein Jahr nach dem Tod seiner Mutter mit seiner Frau Ottilie beim alternden Geheimrat einzog und bald darauf die ersten Enkelkinder durch sein Haus tobten, überwand Goethe seine tiefe Trauer.

Der Dichter des Faust war 66 Jahre alt, als Christiane starb, hatte noch fast 16 Jahre zu leben und er verbrachte sie durchaus nicht einsam und zurückgezogen. 1821 beispielsweise begegnete der 72jährige in Marienbad der 17jährigen Ulrike von Levetzow und verliebte sich so sehr in sie, dass der alte Zausel sogar zwei Jahre später um ihre Hand anhielt – allerdings vergeblich.
Hinter einem großen Mann steht immer eine kluge Frau, so weiß der Volksmund. Das ist nicht immer und ausschließlich richtig. Im Falle Johann Wolfgang von Goethe war es ein einfacher, fröhlicher und liebenswerter Mensch mit Namen Christiane Vulpius.

Rettung aus Seenot

2010-05-02T15:30:00.003+02:00

29. Mai

Wenn die Sehnsucht nach Meer übermächtig wird und die Menschen davon träumen, zur See zu fahren, und wenn sie es dann auch tun, dann folgt meist die Erkenntnis, dass dies nicht gänzlich ungefährlich ist. Und so gilt es, eine Einrichtung zu feiern, die am 29. Mai 1865 gegründet wurde, die „Deutsche Gesellschaft zur Rettung Schiffbrüchiger“. Und die kann eine stolze Bilanz vorweisen: Mehr als 65 000 Menschen entrissen die mutigen Männer dem nassen Tod, die Einwohnerzahl einer Stadt wie Lüneburg.

Dabei war es durchaus keine Selbstverständlichkeit, in Seenot geratenen Menschen zur Hilfe eilen zu dürfen, denn seit Alters her war es das verbürgte Recht eines jeden, der direkt am Meer lebte, sich alles anzueignen, was die See an Land spülte. Ein Drittel bekam der Finder, ein Drittel der Eigentümer des Strandstücks und ein Drittel der Landesherr. Und wenn es sich richtig lohnte, konnten selbst ansonsten brave Küstenbewohner zu Strandräubern und sogar zu Mördern werden. „Strandrecht“ hieß das.

Aber Mitte des 19. Jahrhunderts häuften sich die Schiffsunglücke, vor allem der gewaltige Ausmaße annehmende Schiffsverkehr über den Atlantik sorgte für immer mehr Katastrophen.
Am 13. September 1858 geriet die „Austria“, ein Schiff der Hamburger Reederei HAPAG, vor Neufundland in Brand. 449 Menschen fanden den Tod, nur 89 überlebten. Bereits im November 1854 wurde ein weiteres dieser Schiffe, die „Johanne“, Opfer eines schweren Herbststurmes vor Spiekeroog. Und obwohl dies praktisch in Sichtweite der Küste geschah, ertranken 84 Auswanderer. Rund 50 Schiffe holte sich der „blanke Hans“ seinerzeit im Jahr. Es musste also etwas geschehen.

Es war ein 27jähriger Ex-Matrose namens Adolph Bermpohl, der sich in der „Vegesacker Wochenschrift“ leidenschaftlich für ein Seenot-Rettungssystem nach englischem und holländischem einsetzte. Sein Appell wurde von anderen Zeitungen übernommen, er fand schnell Mitstreiter und überall schossen Rettungsstationen buchstäblich aus dem Boden.
Schließlich bekam ein gewisser Dr. Arwed Emminghaus alle Interessen unter einen Hut. Das Ergebnis ist die Gründung der DGzRS in Kiel.

Aber da der erste Vorsitzende, Konsul Hermann Henrich Meier, Bremer war, wurde die neue Gesellschaft dann doch an der Weser angesiedelt. Von Anfang an war klar, dass man nicht von staatlicher Hilfe abhängig sein wollte. Bis heute finanzieren sich die deutschen Seenotretter ausschließlich aus Spendengeldern.

Die anfänglichen Unkenrufe, man werde keine ausreichende Anzahl kühner Männer finden, die bereit sein würden, für ihre in Not geratenen Mitmenschen Kopf und Kragen zu riskieren, bewahrheiteten sich nicht. Immer wieder fanden sich meerwasserfeste Seebären, die sich zunächst in relativ einfachen Ruderbooten, später in Motorbooten und heute in wahren High-Tec-Wunder-Seenotrettungskreuzern mit Beiboot hinauswagten. Und oft genug riskierten sie dabei nicht nur ihr Leben, sondern sie verloren es. Insgesamt verfügt die DGzRS heute über 59 Rettungsschiffe und 185 Angestellte. Hinzu kommen noch mehr als 700 ehrenamtliche Helfer und rund 330 000 Menschen, die als Spender registriert sind.

Schlauchboot in Seenot
Bei den rund 1400 Menschen, die Jahr für Jahr gerettet werden, handelt es sich nicht nur um Besatzungen großer Schiffe. Immer wieder geraten vor allem Fischkutter, aber auch leichtsinnige Segler oder Schlauchbootfahrer in Seenot, ebenso wie einsame Wattwanderer, die die herannahende Flut unterschätzen.

War es früher noch ein Problem, die nächste Seenotrettungsstation zu alarmieren, so hat das Handy dies jetzt gelöst. Einfach die Telefonnumer 0421/536870 oder die Mobilfunknummer 124124 anrufen und schon meldet sich die Seenotrettungszentrale. Und was sagt man dann? Früher üblich war „SOS“, eine im Morsealphabet recht praktische Buchstabenfolge (und nicht, wie oft angenommen wird, die Abkürzung für „Save ours souls“- Rettet unsere Seelen), aber das ist ein wenig antiquiert. Wer auf der Höhe der Zeit ist, ruft „Mayday“ ins Telefon, was ja an sich schon merkwürdig ist, denn warum soll man „Maitag“ schreien, wenn man in Not ist? Nein, „Mayday“ ist nur eine englische Verballhornung des französischen „m’aidez!“ (helfen Sie mir).
Aber das nur am Rande.

Viele wichtiger ist, dass die DGzRS stets in Geldnot ist, die 32 Zentimeter kleinen Rettungsbötchen in den Kneipen und Kiosken, füllen sich immer zögerlicher. Deshalb hier die Spendennummer: Kontonummer 1072016 bei der Sparkasse Bremen (BLZ 290 50 101).

Der Gründer des FBI

2010-05-02T08:04:00.003+02:00

2. Mai

Die Frage „Was haben Napoleons Großneffe und der Gründer der amerikanischen Bundespolizei FBI gemeinsam?“ würde wahrscheinlich in einer der zahlreichen TV-Quizshows als „zu schwer“ eingestuft. Obwohl die Antwort einfach ist, denn es war ein und dieselbe Person. Aber wer weiß schon, dass es der Enkel von Napoleons jüngstem Bruder Jérôme war, ein Mann namens Charles Joseph Bonaparte, der als Justizminister der USA am 26. Juli 1908 die damals noch „Bureau of Investigation“ genannte Institution ins Leben rief? Der Name, den fast jeder mit dem Begriff „FBI“ verbindet, ist natürlich der von J. Edgar Hoover, der übernahm die Bundesbehörde aber erst 1924, organisierte sie völlig um und leitete sie bis zu seinem Tod am 2. Mai 1972.

Von seinem Großvater Jérôme, der als König von Westfalen den Spitznamen „König Lustig“ trug, hatte Charles Joseph Bonaparte nur recht wenig. Seine Großmutter, die Amerikanerin Elizabeth „Betsy“ Patterson, war allerdings auch nur sehr kurz mit Jérôme Bonaparte verheiratet.

Charles Joseph war eher ein bärbeißiger, unwirscher und meist schlechtgelaunter Mann. Der Evening Herald aus seiner Heimatstadt Baltimore beschrieb ihn einmal als ein „Wesen, ähnlich dem Hund von Baskerville, mit feurigen Augen, hängender Zunge, Wolfszähnen, und nur glücklich, wenn er das Oberste zuunterst kehren kann."

Dass der letzte Bonaparte, der in der Geschichte der Welt eine Rolle gespielt hat, wenn auch nur eine kleine, nicht gerade ein Sympathieträger war, beweist eine Geschichte, die der Amerikaner David Stacton in seiner Biografie „Die Bonapartes“ erzählt:

Als ihn US-Präsident Theodor Roosevelt zum Marineminister machte, baute er sich vor seinen Untergebenen auf und sagte: „Ich hoffe, dass wir alle gut miteinander auskommen. Wenn das nicht der Fall sein sollte, werde wohl ich Sie entlassen müssen, da ja nicht ich von Ihnen entlassen werden kann.“

Für einen Justizminister, der vor gerade einmal 100 Jahren im Amt war, hatte der Baltimore-Bonaparte recht eigenwillige Ansichten. So meinte er einmal zum Thema Lynchjustiz, dass nach seiner Meinung nur sehr wenige Menschen unschuldig gelyncht würden. Und dass auch jene, die das jeweilige Verbrechen nicht begangen hätten, für das man sie gelyncht habe, nur sehr selten anständige Mitglieder der menschlichen Gesellschaft gewesen seien.

Sein ganzer beruflicher Ehrgeiz war es, die Macht der großen US-Konzerne zu knacken, wozu ein Instrument nötig war, das über die Grenzen der Bundesstaaten hinaus Jagd auf das „Big Business“ machen konnte. Das „Bureau of Investigations“ war geboren. Wie es so seine Art war, fand er klare, wenn auch gewöhnungsbedürftige Worte, was er von den großen Wirtschaftunternehmen seines Landes hielt. Er nannte sie „große, starke, gierige in Geld wühlende Tiere aus der Kategorie der Schweine.“

Der Mann aus der Familie des Kaisers der Franzosen war ein strenger Mann, meist strenger anderen gegenüber als sich selbst. So war er zwar Mitglied der Vereinigung der Ritter der Mäßigkeit und Vizepräsident der Gesellschaft zur Unterdrückung des Lasters, besaß auf der anderen Seite aber auch einige Häuser mit äußerst zweifelhaften Ruf, die dafür sorgten, dass sich das Vermögen, das seine als äußerst geizig geltende Großmutter Betsy angehäuft hatte, ständig vergrößerte.

Charles Joseph Bonaparte blieb kinderlos, was angesichts einer Einstellung wie „Kinder nehmen Küsse viel lieber an als Disziplin und den Armen ist Suppe lieber als Arbeit“ eigentlich ein großes Glück ist. Er war es schließlich auch, der dafür verantwortlich war, dass wir Nachgeborenen um das Vergnügen gebracht wurden, anstatt einer „Havanna“ eine „Bonaparte“ zu rauchen. Als ihm nämlich eine amerikanische Zigarrenfirma ein Angebot machte, seinen berühmten Namen zu nutzen, lehnte er ab.
Der Großneffe Napoleons wurde am 6. Juni 1851 in Baltimore geboren, wo er fast genau 70 Jahre später, am 28. Juni 1921, dann auch zur großen Erleichterung seiner Umwelt starb.

Der Tag der Arbeiter

2010-05-01T07:49:00.004+02:00

1. Mai

Über alles betrachtet, ist der 1. Mai eher ein erfreulicher Tag: Der Winter ist meist vorbei, in südlichen Landesteilen Deutschlands werden Maibäume aufgerichtet, wobei die Füße von einer durchtanzten Nacht in den Wonnemonat leicht schmerzen, die Hexen kehren auf ihren Besen in ihren Stützpunkt auf dem Brocken zurück, die Bayern, die ja bekanntlich für jede Extrawurst zu haben sind, feiern zusätzlich den Festtag ihrer „Patrona Bavariae“, in Helsinki versammeln sich die Menschen zum „Vappu-Picknick“ im Kaivopuisto-Park und dann ist da ja auch noch der „Tag der Arbeit“.

Auch das ist eigentlich ein allerseits willkommenes Ereignis, denn ausgerechnet an diesem Tag herrscht süßes Nichtstun. Einige Unentwegte allerdings beschwören in meist spärlich besuchten Veranstaltungen die Solidarität der Werktätigen und hohe Gewerkschaftsfunktionäre beschimpfen in den Kurznachrichten der Tagesschau den Klassenfeind.

Der Anlass für diesen in vielen Ländern der Welt gefeierten „Tag der Arbeit“ war ein schreckliches Ereignis: Es war am 1. Mai 1886, als in Chicago die Menschen begannen, auf die Straße zu gehen. Sie wollten nicht mehr 12 Stunden am Tag arbeiten, sondern nur noch acht. Diese sicher nicht unberechtigte, wenn auch aus damaliger Sicht recht drastische Forderung wollte man mit einem Generalstreik durchsetzen. An vielen Stellen der Stadt versammelten sich Arbeiter zu Protestveranstaltungen – so auch am 3. Mai vor der Firma McCormick, in der normalerweise Erntemaschinen hergestellt wurden.

Die Verantwortlichen im Büro des Bürgermeisters und in der Führungsetage der Polizei witterten Aufruhr. Sie forderten die Menschen auf, nach Hause zu gehen. Die weigerten sich, die Lage eskalierte, man wurde handgreiflich und am Schluss waren mindestens zwei Arbeiter tot und viele verletzt.

Es war ein Schock und so fanden sich nur 200 (der offiziellen Sprachregelung folgend) „Anarchisten“ auf dem Haymarket ein, um gegen das Massaker zu protestieren. Gegen zehn Uhr am Abend des 4. Mai war die Versammlung schon fast beendet, als 176 Polizisten unter der Führung eines Inspektors John Bonfield erschienen.

Plötzlich explodierte eine Bombe mitten unter den Ordnungshütern.
Sofort fielen Schüsse, die Polizei feuerte in die Menge, wahrscheinlich wurde auch zurückgeschossen. Die Bilanz jedenfalls war erschütternd: Ein Polizist war sofort tot, sieben weitere starben später an Schussverletzungen, die allerdings, wie man kleinlaut zugeben musste, in fast allen Fällen durch Polizeiwaffen verursacht wurden. Wie viele Demonstranten den Tod fanden oder verletzt wurden, konnte nie festgestellt werden, da die Opfer so schnell wie möglich von den Streikenden fortgetragen wurden. Es war ein blutiges Chaos.

In den nächsten Tagen machte die Polizei Jagd auf alle stadtbekannten „Unruhestifter“. 31 wurden festgenommen, gegen acht wurde Anklage erhoben, vier wurden nach einem skandalösen Verfahren, bei dem das Urteil von vornherein feststand, gehängt, einer beging in der Zelle Selbstmord und die anderen wurden zu lebenslanger Haft verurteilt.

Fünf von ihnen waren deutschstämmige Einwanderer, auch der Anführer, der von einem Wagen aus und später dann auch im Gerichtssaal flammende Reden gehalten hatte. Der Mann hieß August Spies, war Journalist und kam „aus der Heimat von Karl Marx und Friedrich Engels“, wie die Medien süffisant feststellten. Ob einer der Angeklagten die Bombe warf, wurde von dem Gericht nicht geklärt, dass sie aber durch ihre Gesinnung Mittäter waren, war für die breite amerikanische Öffentlichkeit eine klare Sache. Im bürgerlichen Mittelklasse-Amerika war man sich einig, dass die Arbeiter ihre Probleme selbst verursacht hätten, eine Haltung, die von den Medien immer und immer wieder transportiert wurde.

Es sollte noch bis zum November 1893 dauern, bis offiziell, und zwar vom Gouverneur von Illinois, John Peter Altgeld, festgestellt wurde, dass keiner der Angeklagten mit dem Fall in Verbindung gebracht werden konnte und dass die Geschworenen parteiisch ausgewählt wurden. Er begnadigte die überlebenden „Verdächtigten“, was John F. Kennedy viele Jahre später „Ein leuchtendes Beispiel für Zivilcourage“ nannte, bei den Zeitgenossen aber ohne jede Begeisterung aufgenommen wurde. Altgeld, der auch deutscher Abstimmung war, vergab damit auch jede Chance wiedergewählt zu werden.

Zwei Jahre nach dem „Haymarket Riots“ erklärte die „Zweite Internationale“ in Paris den 1. Mai zum „Kampftag der Arbeiterbewegung“. Am 1. Mai 1890, wurde er zum ersten Mal gefeiert.
Nach dem Ende des Ersten Weltkriegs wurde der „Tag der Arbeit“ in Deutschland erstmals, allerdings nur für das Jahr 1919, eingeführt. 1933 erinnerten sich die Nationalsozialisten wieder an den 1. Mai und verboten prompt, nur einen Tag später, die Gewerkschaften und stürmten ihre Häuser. 1934 wurde er dann ein von Hakenkreuzen beherrschter „Nationaler Feiertag“.

Nach dem Krieg gab es ihn in Deutschland weiter, im Westen von Zeit zu Zeit von Ausschreitungen begleitet und im Osten als „Internationaler Kampf- und Feiertag der Werktätigen für Frieden und Sozialismus“ mit Vorbeimarsch an der Tribüne, prall gefüllt mit Politbüro und Ehrengästen und geschmückt mit einer roten Mainelke. Inzwischen ist der 1. Mai in vielen Ländern der Welt ein Feiertag - nur nicht in den USA, dort feiert man den „Labor Day“ im September, um den „Krawallmachern von Chicago“ kein Denkmal zu setzen.

Der Skandal-Maler

2010-04-30T07:41:00.003+02:00

30. April

Das Nackte war für ihn das „erste und das letzte Wort der Kunst.“ Für diese Erkenntnis und für das, was er in dieser Erkenntnis schuf, musste der franzöische Maler Edouard Manet sein Leben lang kämpfen, musste Widerstände und Hass besiegen. Am 15. Mai 1863 erreichte die Diskussion um Manet seinen Höhepunkt, als sein später weltberühmtes Gemälde „Frühstück im Freien“ von Kaiser Napoleon III. aufs schärfste kritisiert worden war.

Napoleon hatte eine Ausstellung besucht, in der die von den offiziellen Salons ausgeschlossenen Maler ihrer Bilder zeigten, den sogenannten „Salon der Zurückgewiesenen“, den „Salon des Refusés“. Der Kaiser hatte lange vor dem Gemälde gestanden und es, wie es schien, wohlwollend betrachtet. Dann drehte er sich um und sagte kein einziges Wort. Schon begann das offizielle Paris, ebenfalls Gefallen an Manets unbekleideten Damen zu finden, als dann doch noch das kaiserliche „Todesurteil“ fiel. Das Bild verletze das Schamgefühl, verlautete es knapp und unmissverständlich aus Kreisen seiner Majestät.

Mit seiner Kritik an Manet und dessen Kunstauffassung blieb der Kaiser nicht allein. Sein ehemaliger Lehrer Thomas Couture verurteilte praktisch alles, was Manet je malte in Bausch und Bogen . So eines Tages, als Manet ihn gebeten hatte, sich das Bild „Der Absynthtrinker“ anzusehen und dann diesen Kommentar erntete: „Mein lieber Freund, hier gibt es nur einen Absynthtrinker, und das ist der Maler, der einen solchen Blödsinn zusammenbringen konnte.“

Mit seinem Kollegen Gustave Courbet lieferte sich Manet folgendes Wortduell, als sie Manets „Olympia“ betrachteten. Courbet: „Das ist falsch, ist nicht gestaltet: Eine Spielkarte, eine Pique-Dame nach dem Bad.“ Manet: „Und Ihr Ideal, Monsieur Courbet, ist die Billardkugel.“

Manet hatte es satt, sich mit der prüden und bigotten Pariser Gesellschaft weiter abzugeben und gründete seinen eigenen Salon mit dem Ergebnis, dass über keinen anderen Künstler seiner Zeit so viel geredet wurde, wie über ihn. Allerdings wurden im breiten Publikum eher Witze über ihn gerissen, als ernsthaft diskutiert.

Manet war keinen Augenblick im Zweifel darüber, dass sein „Frühstück im Freien“ eine Provokation war. Eine nackte Frau und zwei vollständig bekleidete Männer und dass auch noch erkennbar Zeitgenossen und keineswegs Teil einer antiken Mythologie, Manet war klar, dass man sich darüber das Maul zerreißen würde.

Manets Bild löste eine Revolution in der Kunst aus und blieb bis heute trotz aller Skandale ein herausragendes Werk. Es ist, wenn man so will, nicht nur Beginn des Impressionismus, sondern der Beginn der Moderne in der Malerei überhaupt. Eigentlich wird ja sein Fast-Namensvetter Claude Monet als der Vater des Impressionismus bezeichnet, hatte dieser 1872 seinem Gemälde den Namen „Impression-Soleil levant“ gegeben und im Gegensatz zu Manet an der als Geburtsstunde des Impressionismus geltenden „Ausstellung Nadar“ teilgenommen, aber das „Frühstück im Freien“ ist immerhin fast zehn Jahre älter.

Übrigens wäre Manet um ein Haar gar kein Maler geworden. Seine Eltern wollten, dass er die Rechte studierte, er wollte lieber zur See fahren, bestand aber die Aufnahmeprüfung in der Seefahrtsschule nicht. „Er kann weder singen noch philosophieren,“ schrieb später sein Freund Émile Zola, „er weiß, wie man malt, und das ist alles.“

Das sahen aber, weiß Gott, nicht alle so, vor allem nicht die etablierten Kritiker, die ihn weiter verfolgten. Zuspruch bekam der inzwischen an den Beinen schwer erkrankte Meister vor allem von Kollegen. So schrieb ihm Auguste Renoir: „Sie sind ein begnadeter Streiter, frei von Hass auf irgend jemand, wie ein alter Galier. Ich liebe Sie wegen ihres Frohsinns, der Sie auch in einem Meer von Ungerechtigkeiten nicht im Stich läßt.“

Am Ende seines Lebens gab es dann doch noch die verdiente Ehrung: Sein Freund Antoine Proust, seinerzeit Kultusminister, setzte durch, dass er Ritter der Ehrenlegion wurde. Am 30. April 1883 starb der große Edouard Manet. Er wurde nur 51 Jahre alt. Seine Kunst machte ihn unsterblich, so dass für alle Zeiten der Satz gilt, den ihm seine Freunde, ins Grab nachriefen: Manet et manebit - er bleibt und wird bleiben ...

Die wahre Geschichte der Bounty

2010-04-29T07:01:00.004+02:00

29. April

Die besten Geschichten, so sagt der Volksmund, schreibt das Leben. Und wenn es für diesen Satz überhaupt eines Beweises bedarf, so lieferte ihn ein Vorfall, der am 29. April 1789, begann und den alle Welt als die „Meuterei auf der Bounty“ kennt. Bis heute fesseln die Ereignisse um den angeblich so grausamen Kapitän William Bligh und den angeblich so heldenhaften 2. Offizier und Meuterer Fletcher Christan die Gemüter, noch immer erscheinen jede Menge Bücher zu diesem Thema, denen es aber bisher nicht gelang, die herkömmliche Sicht der Ereignisse wesentlich zu verändern – wenn sie dies überhaupt vorhatten.

Und so geht ein großer Teil der Weltbevölkerung nach wie vor davon aus, dass es so war wie in dem Hollywood-Streifen von 1935, in dem ein grausamer Charles Laughton und ein Strahlemann mit Namen Clark Gable im ersten „Bounty“-Film weismachen wollten, dass der Kapitän ein Monstrum war, dass er seine Männer quälte, wo er nur konnte, bis der große Held Fletcher Christian die geknechtete Mannschaft rettete. Und es war auch nicht anders, als 1962 Marlon Brando und Trevor Howard die Hauptrollen spielten und auch nicht 1984, als Mel Gibson und Anthony Hopkins die beiden Protagonisten gaben, wobei sich der letzte Film noch am ehesten an den wirklichen Ereignissen orientierte.

Der eigentliche Grund für diese haarsträubende Geschichtsklitterung war, dass die Familie Fletcher Christians, vor allem sein älterer Bruder Edward, über viel Einfluss verfügte und geschickt die Mär vom bösen Kapitän verbreitete – und das zufällig genau in einer Zeit, in der die Französische Revolution und der beginnende Kampf um die Sklavenbefreiung ohnehin für eine schlechte Presse für alle Reichen und Mächtigen sorgten.

Da konnte Bligh vor Gericht siegen und sagen und schreiben was er wollte, zumal er, wie die renommierte Autorin Caroline Alexander vor erst fünf Jahren schrieb, nicht begreifen wollte, dass er „gegen eine Macht ankämpfte, die stärker war, als jeder Feind auf See – gegen die Macht einer guten Story.“ Denn eines ist einfach unbestreitbar: William Bligh war mit Sicherheit kein neurotischer Menschenschinder, sondern ein für damalige Verhältnisse eher humaner Schiffsführer, einer, der auch mal für frische Luft in den Mannschaftsunterkünften sorgte und auf ausgewogene Ernährung seiner Leute achtete. Der historische Christian hingegen war eher ein raffgieriger Rüpel, der es eigentlich nur wagte, gegen seinen Kapitän zu meutern, weil ihm die Folgen eines nächtlichen Saufgelages den Mut dazu gaben und weil es einigen seiner Kumpel gut in den Kram passte, noch ein bisschen in der Südsee zu dümpeln, anstatt sich auf den harten Seeweg zurück nach England zu begeben.

Aber schon oft hat Hollywood es mit historischen Tatsachen nicht so furchtbar ernst genommen. Kino ist ja schließlich auch kein Geschichtsunterricht, sondern im Namen der Unterhaltung wird dann schon mal gern an historischen Tatsachen herumgeklittert. In diesem Fall allerdings wäre das gar nicht nötig gewesen, denn die bisher belegte wahre Geschichte ist mindestens so aufregend.

Und die geht so:

Die Regierung ihrer britischen Majestät hatte es sich nämlich in den Kopf gesetzt, den Untertanen auf der Karibikinsel Jamaika etwas Gutes zu tun. Der gerade erst fertiggestellte neue Segler „Bethia“ wurde gekauft und in „Bounty“ umbenannt, was so viel heißt wie „milde Gabe“. Die „Bounty“ sollte nach Tahiti segeln, dort Setzlinge des Brotfruchtbaums laden und nach Jamaika bringen. Die Früchte des Brotfruchtbaum werden immerhin bis zu zwei Kilogramm schwer und sind wegen ihres großen Zucker- und Stärkeanteils sehr nahrhaft. Außerdem ist das gelblichbraune Holz des Brotfruchtbaumes ein fabelhafter Rohstoff für die damals unter anderem durch Thomas Chippendale zu Weltruhm gelangte englische Möbeltischlerei.

Einen Tag vor Heiligabend im Jahr 1787 ging die Reise im englischen Spithead los, aber das Unternehmen stand unter keinem gute Stern. Der erste Fehler war schon gemacht worden, als man William Bligh zwar das Kommando des Unternehmens übertrug, ihm aber aus Kostengründen nicht den Titel des Kapitäns verlieh. Er wurde lediglich aus Höflichkeit so genannt. Das hatte sicher Einfluss auf die mangelhafte Disziplin. Außerdem waren, wie sonst üblich, keine Marinesoldaten an Bord.

Dieser William Bligh hatte schon einiges hinter sich im Leben, so war er unter anderem als Augenzeuge dabei, als der große Entdecker James Cook und vier Marinesoldaten am 14. Februar 1779 auf Hawaii bei einem Streit mit Eingeborenen massakriert wurden. Bligh hatte 1776 im Alter von 21 Jahren als Navigator auf Cooks „Resolution“ angeheuert und sich durch sein Talent genaue Seekarten anzufertigen, schnell einen guten Namen machte.

Wegen ungünstiger Winde wählte Bligh, statt westlich um Cap Hoorn herumzusegeln, die Ostroute um das Kap der Guten Hoffnung und um Indien herum, was die Zeitpläne ziemlich durcheinander brachte. Jedenfalls dauerte es fast ein ganzes Jahr, bis die „Bounty“ Tahiti erreichte.

Dort kamen 1100 Setzlinge an Bord und Bligh beschloss, auch diesmal nicht die Südamerika-Route zu wählen, sondern er segelte denselben Kurs zurück nach Westen, zunächst in Richtung Australien. Das Ereignis, das den späteren Vizeadmiral und Gouverneur von New South Wales in Australien weltberühmt machen sollte, ereignete sich dann südlich von Tofua, einem Teil der Tongainseln, als sich ein Teil seiner Mannschaft unter Führung Fletcher Christians gegen ihn erhob und er zusammen mit 18 Getreuen auf einer winzigen nur mit Segeln ausgerüsteten Barkasse aufs Meer hinausgejagt wurde.

Irgendwie schaffte es der talentierte Navigator mit Hilfe eines Sextanten und einer Taschenuhr, 41 Tage später die knapp 6000 Kilometer entfernte Insel Timor in Indonesien zu erreichen.
Als Bligh und seine Männer schließlich nach London zurückkehrten, wurden die Meuterer umgehend vor Gericht angeklagt. Einige wurden tatsächlich noch auf Tahiti erwischt, drei wurden später in Portsmouth gehängt, ihr Anführer Fletcher Christian aber tauchte mit einer Handvoll Kumpane und in Begleitung einiger Tahitianerinnen ab. Er segelte zum abgelegenen Eiland Pitcairn, wo er sich niederließ.

Heute noch sollen dort einige der Nachkommen der Meuterer leben. 1957 fand man in der Nähe einige Überreste der „Bounty“, darunter den Anker.

Fletcher Christian entging dennoch seinem Schicksal nicht. Im September 1783 starb er in einem blutigen Massaker, das sich die Meuterer untereinander lieferten. Nur vier der 15 Männer überlebten. Seit 1838 ist Pitcairn übrigens englische Kolonie, so dass es wenigsten einen Gewinner bei der unglückseligen „Meuterei auf der Bounty“ gegeben hat – das Vereinigte Königreich von Großbritannien und Nordirland - und natürlich Hollywood.

Der Lichtenberg des runden Leders

2010-04-28T07:28:00.003+02:00

28. April

Er war der Meister der ultimativen Fußball-Weisheiten, der Lichtenberg des runden Leders, ohne ihn wüßten wir nicht, dass der nächste Gegner der schwerste, dass nach dem Spiel vor dem Spiel ist und dass es 90 Minuten dauert. Gern überraschte der „Chef“ seine Schützlinge mit so lapidaren Wahrheiten wie „Tor ist Tor“ und „flach schießen, hoch gewinnen.“.
Am 28. April 1977 starb der Feldherr des deutschen Fussballs, Josef „Sepp“ Herberger, im Alter von 80 Jahren an den Folgen eines Herzinfarkts. Der, wie Meinungsumfragen ergaben, nach Bundeskanzler Konrad Adenauer bekannteste Deutsche der Nachkriegszeit, prägte wie kein anderer den deutschen Fussball.

Am 10. Oktober 1936 übernahm Herberger den Posten des „Reichstrainers“, nachdem sein Vorgänger Otto Nerz vom enttäuschten Adolf Hitler in die Wüste geschickt worden war. Bei den Olympischen Spielen in Berlin, Hitlers Prunk- und Protzauftritt vor der staunenden Welt, hatte nämlich die deutsche Nationalmannschaft peinlicherweise den Sieg einer italienischen Studentenauswahl überlassen müssen.

Es waren schwere Zeiten, auch für den Fussball. Hitler mischte sich in alles ein. So befahl er, aus der deutschen und der österreichischen Nationalmannschaft eine „großdeutsche“ zu formen. Herberger gehorchte. Bald stellten sich auch Erfolge ein, aber der Krieg machte alles zunichte. Obwohl die Deutschen 1950 genug damit zu tun hatten, ihr Land wieder aufzubauen, wurde wieder Fußball gespielt und irgend jemand kam auf die Idee, den damals 53 Jahre alten Mannheimer, der zwar unter Hitler gedient hatte, der aber alles andere als ein Nazi war, zum ersten Bundestrainer zu berufen.

Wenige Monate später saß „Seppl“, wie er sich selbst nannte, zum erstenmal bei einem Länderspiel auf der Bank, dem ersten nach dem 2. Weltkrieg. 1:0-Sieg gegen die Schweiz, die als erstes Land den internationalen Boykott gegen Fußballspiele mit deutschen Mannschaften trotz deftiger Geldstrafen durchbrochen hatte. Deutschland war ein geächtetes Land - auch im Fußball.

Und dann 1954 die große Sensation, das „Wunder von Bern“, der Wiederaufstieg in die Belle Etage des Weltfussballs: Deutschland wird durch einen 3:2-Sieg über den haushohen Favoriten Ungarn zum ersten Mal Weltmeister.

Der Vater des Sieges, darüber ist man sich unter Experten einig: Trainer-Fuchs Sepp Herberger.

Er hatte sein „Männer“ perfekt eingestellt. Und er hatte mit Fritz Walter einen genialen verlängerten Arm auf dem Platz, einen begnadeten Kapitän und eine Mannschaft, die sich buchstäblich zerriss. Die Namen des soliden Torhüter Toni Turek, der bulligen Abwehrspieler Jupp Posipal, Werner Kohlmeyer und Werner Liebrich, der zwei leichtfüssigen „Läufer“, wie man es damals nannte, Karl Mai und Horst Eckel, des feinen Mittelfeld-Techniker Hans Schäfer und des durchschlagskräftigen Sturms mit Max Morlock, „Boss“ Helmut Rahn und Fritz Bruder Ottmar kannte bald jedes Kind.

Deutschland war zurück auf der Landkarte - mit äußerster Skepsis von der Welt beobachtet. Man wartete geradezu darauf, dass die deutsche Großmannssucht wieder auftauchen würde und man wurde nicht enttäuscht. DFB-Präsident Peco Bauwens, hingerissen vom Erfolg im Wankdorf-Stadion, konnte sich chauvinistische Töne nicht verkneifen. Das Ausland nahm es mit hochgezogenen Augenbrauen zur Kenntnis. Deutschland gegen den Rest der Welt.

Aber die Wogen glätten sich bald wieder, vor allem ein Verdienst des immer bescheidenen Trainers Sepp Herberger und seiner sympathischen Mannschaft.
Viele Experten glaubten, dass der sensationelle deutsche Titelgewinn von 1954 eine Eintagsfliege war. Aber sie irrten. Unter Herbergers Regie wurde das Nationalteam unter Wert geschlagener 4. in Schweden. Am Schluss seiner Laufbahn setzte Herberger zu sehr auf Sicherheitsfussball und - scheiterte.

1964 verabschiedeten ihn 70 000 Menschen im Niedersachsenstadion von Hannover mit einem donnernden „Hipp, Hipp, Hurra!“Fast 30 Jahre lang war „Muggele“ Herberger, wie er auch genannt wurde, der Dompteur der deutschen Vorzeige-Kicker, eine Leistung, die wohl nie mehr erreicht werden wird. - auch, wenn man Jogi Löw ja einiges an Beharrungsvermögen zutrauen muss.

Wer war Beethovens Elise?

2010-04-27T07:04:00.004+02:00

27. April

Es gehört zu den bekanntesten Musikstücken aller Zeiten, es sind aber noch lange nicht alle Rätsel gelöst, obwohl „Für Elise“, wie Ludwig van Beethoven sein Klavierstück in a-Moll nannte und es heute vor 200 Jahren, am 27. April 1810, mit der Widmung versah „zur Erinnerung an L.v. Bthvn.“
Denn niemand weiß bis heute ganz genau, wer diese Frau war.

Der Musikwissenschaftler Max Unger vermutete, das sein Kollege Ludwig Nohl, der viele Jahre nach Beethovens Tod (1865) das bis dahin verschollene Autograph entdeckt hatte, bei der Übertragung einen Fehler machte und dass es eigentlich nicht „Elise“ gewidmete war, sondern „Therese“, womit seine Schülerin Therese Malfatti von Rohrenbach zu Detta gemeint gewesen wäre.

Beethoven, ein großer Freund schöner Frauen, hatte die Kaufmanns-Tochter und Cousine eines damals berühmten Arztes offenbar heiraten wollen, denn er machte ihr einen Heiratsantrag und ließ sich im Mai 1810 seinen Taufschein schicken, den man damals zur Hochzeit benötigte.
Aber die Angebetete entschied sich, wie so viele Frauen im Leben des großen Komponisten, anders.

Unger begründet seine These vor allem damit, dass Therese Malfatti tatsächlich viele Jahre lang das Original (das kurz nach der Entdeckung spurlos verschwand) besessen haben soll.

Nun könnte allerdings die „Für-Elise“-Geschichte ganz anders gewesen sein, wie der Mailänder Musikwissenschaftler Luca Chiantore vermutet. Nach seiner Überzeugung stammt das Stück gar nicht von Beethoven, sondern von Nohl, der sich lediglich von Beethoven inspirieren ließ. Selbst wenn dies so wäre, wäre dies nach Meinung der „Welt“ nicht besonders schlimm, denn dadurch werde der Status als beliebtestes Musikstück der Deutschen wohl nicht erschüttert. „Höchstens vom Flohwalzer“, schreibt die Zeitung, „aber von dem weiß auch niemand, von wem er stammt.“

Nach Meinung des Berliner Experten Klaus Martin Kopitz war die „Elise“ eine ganz andere Frau, zwar auch eine seiner Schülerinnen, aber nicht Therese Malfatti. Seit Jahren untersucht der Wissenschaftler Berichte von Beethovens Zeitgenossen und fand heraus, dass es sich bei „Elise“ um Elisabeth Röckel handeln muss, eine seinerzeit 17jährige spätere Opernsängerin, die sich wenige Tage vor Beethovens Tod eine Locke von seinem Haar abschnitt, die noch heute im Beethoven-Haus in Bonn zu besichtigen ist.

Da, so könnte man argumentieren, stimmt ja immerhin der Name überein. Und außerdem kannten sich Therese Malfatti und Elisabeth Röckel.

Aber es könnte auch ganz anders gewesen sein, denn genau in jener Zeit, im Frühjahr 1810, war Beethoven sehr häufig zu Gast im Haus des Musikmäzen Franz Brentano, dessen Frau Antonie kränkelte. Dann schlich Beethoven in ihr Zimmer und spielte etwas auf dem Klavier, bevor er ohne ein Wort zu sagen wieder ging.

Eines Tages, als er gerade Goethes Gedicht „Kennst du das Land ...“ musikalisch interpretierte, legten sich während des Spiels zwei Hände auf seine Schulter und als er sich umdrehte, sah er eine junge, hübsche Frau, die ihm zulächelte. Es war Bettina Brentano, die Schwester von Franz und Clemens Brentano, der damals schon die Volksliedsammlung „Des Knaben Wunderhorn“ herausgegeben hatte und dadurch berühmt geworden war.

Bettina Brentano, die spätere Bettina von Arnim, wurde eine der bedeutendsten Schriftstellerinnen der Romantik und schilderte diese Begegnung in einem ihrer Bücher. Außerdem war sie eine Freundin des Dichterfürsten Johann Wolfgang von Goethe, dem sie in Briefen so von Beethoven vorschwärmte, dass dieser sich mit ihm treffen wollte, was dann im Juli 1812 im böhmischen Badeort Teplitz tatsächlich geschah.

Aber wieso soll Bettina Brentano „Elise“ gewesen sein? Bettina klingt ja eigentlich wenig nach „Elise“. Schon, aber Bettina Brentano, die auch „Bettine“ genannt wurde, hieß eigentlich Elisabeth Catharina Ludovica Magdalena mit Vornamen und dann würde die Widmung wieder Sinn machen, oder? Wie auch immer, die Forschung in Sachen „Für Elise“ ist noch lange nicht abgeschlossen, aber das mit „Bagatelle“ bezeichnete Stück hört man immer wieder gern – zur Not auch als Klingelton fürs Handy ...

Mr. Wunnebar

2010-04-26T07:12:00.002+02:00

26. April

Sein „Wunnebar“ war legendär und einige der Sprüche aus seiner Sendung erlangten Kultstatus: „Der Kandidat hat 99 Punkte“, beispielsweise, oder „Kimme, Korn, ran“ oder auch „Peter, den Bolzen“. Am 4. Dezember 1964 feierte der Holländer Lou van Burg mit „Der Goldene Schuss“ Fernsehpremiere und schrieb damit gleichzeitig Geschichte. Diese an sich ziemlich anspruchslose Unterhaltungssendung war nämlich die erste interaktive Show des noch relativ neuen Mediums, obwohl man damals noch gar nicht wusste, was unter „interaktiv“ zu verstehen war.

Zum erstenmal konnten die Zuschauer nämlich an den Geräten mitspielen, sie dirigierten per Telefon eine auf einer Fernsehkamera befestigte Armbrust und versuchten, ein dünnes Seil zu durchschießen, an dem ein Geldsack hing. Wer das schaffte, wurde „Tele-Tell“ und durfte den Inhalt des Sacks einstreichen..

Inzwischen gehören Sendungen, an denen sich die Zuschauer beteiligen können, zum TV-Alltag. Meist geschieht dies durch für den Sender außerordentlich lukrative Telefonanrufe, mit denen Kandidaten für die nächsten Folgen rein- oder rausgewählt werden („Big Brother“, „Deutschland sucht den Superstar“, „Ich bin ein Star, holt mich hier raus“). Die erste Sendung, in der Zuschauer „abstimmen“ konnten, war „Wünsch Dir was“ mit Dietmar Schönherr und Vivi Bach, als die Zuschauer unter anderem gebeten wurden, die Klospülung zu bedienen und so einer Stadt oder Region zum Sieg verhalfen. Der „Tele-Dialog“ (TED), erstmals auf der Funkausstellung 1979 eingesetzt, wird heute durchschnittlich zweimal pro Woche benutzt bei einer Kapazität von 13 000 Anrufen pro Minute.

„Onkel Lou“, wie der fröhliche, wenn auch leicht ölige Entertainer mit dem Menjou-Bärtchen von seinem Publikum genannt wurde, war der Mittelpunkt von „Der Goldene Schuss“. Er fegte energiegeladen und stets gut gelaunt über die Mattscheibe, wobei es ihn überhaupt nicht störte, dass sein Deutsch eher mangelhaft war, woran natürlich immer wieder herumgemäkelt wurde. In einem Zuschauerbrief an die Zeitschrift „HörZu“ wurde sogar vorgeschlagen, einem, der absichtlich so falsch Deutsch spreche, die Gage in falschen D-Mark auszuzahlen.

Unterstützt wurde diese Kritik übrigens einigermaßen überraschend von Lous Kollegen Rudi Carrell, der 1966 einem Reporter sagte „ich finde es unverschämt, im Deutschen Fernsehen schlechtes Deutsch zu sprechen, in Holland würde ja auch keiner schlechtem Holländisch zuhören.“

Den meisten Menschen aber machte dies nichts aus. „Der Goldene Schuss“ war offenbar so spannend (oder die Alternativen so dürftig), dass bis zu 74 Prozent der Zuschauer vor den Fernsehern hockten. Vielleicht aber liebten sie auch die Rituale: Lou van Burg betritt die Bühne, ruft eifrig winkend: „Hallo Freunde“ und der ganze Saal antwortet mit „Hallo Lou.“ Dann hebt Orchesterleiter Max Greger den Taktstock und Lou singt: „Der goldene Schuss heißt unser Spiel, dass Sie sich freuen, das ist mein Ziel.“ Neben den mehr oder weniger goldenen Schüssen gab es auch viel Musik, viele später erfolgreiche Künstler gaben im „Goldenen Schuss“ ihr Debüt, beispielsweise die Bee Gees.

Übrigens versuchte die ARD 1978 das erfolgreiche „Goldene-Schuss“-Konzept wieder zum Leben zu erwecken, nur diesmal, indem eine Ballmaschine einen prominenten Torwart überlisten sollte. Aber es wurde ein „Rohrkrepierer“ (HörZu) und ein „Schuss in den Ofen“ („stern“). Nach zwei Folgen war Schluss.

Schlechte Einschaltquoten waren es jedenfalls nicht, worüber „Onkel Lou“ letztlich stolperte. Im Juli 1967 warf ihn das Zweite Deutsche Fernsehen hochkantig raus. Offizieller Grund: Wegen seines „belebten Privatlebens“.

Lou war seinerzeit noch verheiratet, hatte aber seit längerem ein Verhältnis mit der Chansonsängerin Angéle Durand. Diese war aus Antwerpen und galt als „femme fatale“ mit jenem gewissen Olala, ein Eindruck, der erstens durch ihren Auftritt in Onkel Lous „Goldenem Schuss“ mit „Ich bin eine tolle Frau aus der Tingel-Tangel-Schau“ geschürt wurde und zweitens durch das schnell sich bewahrheitende Gerücht, der agile Holländer und die flotte Belgierin fänden sich mehr als sympathisch.

Als dann auch noch öffentlich wurde, dass der gute Onkel Lou außer der Reihe seine Assistentin Marianne geschwängert hatte, zogen die ZDF-Verantwortlichen im prüden Nachkriegsdeutschland die Reißleine. Später trennte sich van Burg von Angéle Durant, heiratete seine Marianne und hatte noch zwei Kinder mit ihr, aber für die TV-Karriere kam die Bereinigung des Privatlebens zu spät.

Die Armbrust-Show übernahm der etwas hüftsteife als Schweizer aber einschlägig berufene Vico Torriani. Lou van Burg erhielt zwar 120 000 Mark Abfindung, das aber reichte nicht allzu lange. Er musste sich aus den Tantiemen seiner Schlagererfolge (vor allem „Freunde für Leben“, deutsche Version von „Down by the Riverside“) und mit Auftritten in Supermärkten, auf Werbeveranstaltungen und Butterfahrten über Wasser halten und mit kleineren Rollen. 1973 erlebte er noch einen kleinen Überraschungserfolg in einer Filmrolle als alternder Playboy im Rosa-von-Praunheims Kultstreifen „Berliner Bettwurst“.

Erst 1976 hatte das ZDF offenbar alles vergeben und vergessen und holte ihn für „Wir machen Musik“ wieder auf den Bildschirm zurück. Lou van Burg, (mit bürgerlichem Namen Louis van Weerdenburg), geboren am 25. August 1917 in Den Haag, starb am 26. April 1986 in München an Leukämie, einer Krankheit, unter der er jahrelang gelitten hatte.

Eine starke Frau

2010-04-25T10:39:00.002+02:00

21. Mai

Die Engländerin an sich gilt als energisch, mutig und unbeugsam. Man denke nur an Margaret Thatcher. Die Eiserne Lady des Biedermeier heißt Elizabeth Fry. Am 21. Mai 1780 wurde sie geboren und sie schaffte es, die Welt zu verändern. Jedenfalls ein wenig. Vor allem in den Gefängnissen herrschten unfassbare Zustände, was die englische Öffentlichkeit allenfalls am Rande interessierte - bis dann Elizabeth Fry kam eine Rede vor dem House of Commons halten durfte – als erste Frau (neben der Queen versteht sich).

Soziales Engagement lag Elizabeth Fry im Blut, denn auch ihre Mutter Catherine, als Mitglied der vermögenden Barclay-Banker-Familie und Ehefrau eines reichen Fabrikanten nicht darauf angewiesen, für ihr eigenes Brot zu sorgen, kümmerte sich um Arme und Kranke, schon, weil es ihr Glauben vorschrieb, denn die Frys waren Quäker.

Außerdem war es sehr schick für die jungen Leute der englischen High Society, für die Ideale der Französischen Revolution zu schwärmen, was die junge Elizabeth, die von ihren Freunden Betsy genannt wurde, unter anderem dadurch dokumentierte, dass sie mit einer Trikolore am Hut durch die heimatliche Grafschaft Norwich galoppierte.

Auf die Idee, sich um die englischen Gefängnissen zu kümmern, brachte Elizabeth ein Freund der Familie, der über die Verhältnisse im Frauengefängnis von Newgate schockiert war. Elizabeth wollte es genau wissen. Es war der Beginn eines lebenslangen leidenschaftlichen Engagements. Ihr Heimatland dankte es ihr, indem es ihr Porträt auf die Rückseite der Fünf-Pfund-Note druckt.

In der Tat ist es kaum zu glauben, was die junge Elizabeth in Newgate sah: Mehr als 300 Frauen, einige mit Kindern, hockten auf dem nackten Boden von zwei riesigen Zellen, mussten dort ohne jegliche Intimsphäre alles verrichten, was zum Leben gehört. Einige waren verurteilt, andere warteten noch auf die Verhandlung. Elizabeth handelte sofort. Und dank ihres und des Einflusses ihrer Familie setzte sie durch, dass die Frauen ordentliche Kleidung bekamen, dass eine Schule eingerichtet wurde und eine kleine Kapelle eröffnet wurde.

Natürlich traf es sich gut, dass ihr Schwager ein gewisser Thomas Fowell Buxton war, ein engagierter Kämpfer gegen die Sklaverei und Abgeordneter im Parlament. Aber es gab dennoch große Widerstände zu überwinden. Die Mehrheit der Angeordneten fand es eigentlich ganz in Ordnung, wie es im Knast zuging. Und als Elizabeth dann auch noch anfing, sich für die Abschaffung der Todesstrafe einzusetzen, schlug ihr ein eisiger Wind entgegen. Für Sozialromantik dieser Art hatte nicht viel Verständnis.
Und die Presse machte auch mobil. Elizabeth Fry wurde beschimpft, sie würde ihre Familie und ihr Heim vernachlässigen, nur um sich wichtig zu machen und sie würde sich in Dinge einmischen, die Frauen von Natur aus nichts angingen.

Und dann ging Elizabeths Ehemann Joseph auch noch pleite. Es wurden Gerüchte verbreitet, Joseph Fry hätte sich an Spendengeldern vergriffen, was zwar aus der Luft gegriffen war, Elizabeths Reputation aber schwer ankratzte. Aber sie ließ sich nicht beeindrucken, im Gegenteil. 1840 gründete sie eine Schule für Krankenschwestern, von denen einige an der Seite der später weltberühmten Florence Nightingale am Krimkrieg teilnahmen.

Als Elizabeth Fry am 12. Oktober 1845 starb, versammelten sich mehr als eintausend Menschen, um ihre Trauer auszudrücken, obwohl dies bei Quäkern eigentlich nicht üblich ist. Ihre letzten Worte waren: „Ich bin gerettet“.

Lawrence von Arabien

2010-04-25T10:36:00.002+02:00

19. Mai

„Wer einmal lügt, dem glaubt man nicht, auch wenn er mal die Wahrheit spricht“. Auf der Suche nach den Gründen, warum der Nahe Osten zum Pulverfass wurde, warum es sinnlos scheint, Vermittlungsversuche zu unternehmen, findet sich in der guten deutschen Volksweisheit eine verblüffend einfache Erklärung. Denn es ist noch nicht einmal einhundert Jahre her, als die stolzen, freien und gutgläubigen Stämme der arabischen Halbinsel nach einem großen Sieg über die türkische Besatzungsmacht namentlich von Frankreich und England an der Nase herumgeführt und um die Früchte ihres Kampfes schlichtweg betrogen wurden.

Die Hauptrolle in diesem Drama spielte ein junger Mann, der am 15. August 1888 in Tremadoc in Wales geborene Thomas Edward Lawrence, der als „Lawrence von Arabien“ in die Geschichtsbücher eingehen sollte. Von jüngster Kindheit an war dieser Lawrence ein lebender Widerspruch: Auf der einen Seite Träumer, Eigenbrötler und geistiger Tüftler auf der anderen Seite ein furchtloser Abenteurer, der als Student allein und zu Fuß durch Syrien un Palästina reiste und so die Charaktereigenschaften der Araber kennen und lieben lernte.

1914, in dem Jahr, in dem Erste Weltkrieg ausbrechen sollte, begann Lawrence als wissenschaftlicher Hilfsarbeiter an den Ausgrabungen des Britischen Museums in der alten Hethiterstadt Karkemisch am Oberen Euphrat teilzunehmen. Dies war in Wahrheit eine getarnte Geheimdienstaktion, die hauptsächlich dazu diente, die Halbinsel Sinai heimlich zu vermessen. Ob Lawrence davon wusste, ist nicht überliefert, fest steht aber, dass er als Experte für Land und Leute vom britischen Heeresminister Lord Kitchener nach Kairo in den Nachrichtendienst geschickt wurde und den Rang eines Leutnants erhielt.

Lawrence hatte keine Ahnung von militärischen Dingen, er hatte nicht gedient, geschweige denn Taktik und Strategie von Feldzügen erlernt und dennoch betraute man ihn mit keiner geringeren Aufgabe, als einen Aufstand der Araber anzuzetteln und sie, getarnt als einer der ihren, gegen die Türken zu führen.

Der Erfolg war verblüffend. Zusammen mit seinem Freund, dem jungen Emir Faisal, dem Sohn des Scherifen von Mekka, den Lawrence zuvor eher zufällig kennengelernt hatte, brachte er den Türken mit ihrem schwerfälligen Militärapparat durch geschickte Partisanenoperationen eine Niederlage nach der anderen bei.

Schon am 1. Oktober 1918 marschierte der Engländer, umjubelt von der Bevölkerung, zusammen mit Faisal, der später als Faisal I. erster König des Irak wurde, noch vor den englischen Truppen in Damaskus ein. Aber dieser Tag des großen Triumphes war auch der Beginn des Leidensweges des T.E.Lawrence, denn er wusste: Die Engländer hatten den Arabern ein Großarabisches Reich für den Fall des Sieges versprochen und hatten zugleich in einem Geheimabkommen mit Frankreich den Nahen Osten in ein französisches und ein britisches Herrschaftsgebiet aufgeteilt.

Dies hatte Lawrence seinen Freunden, den Arabern, verschwiegen und fühlte sich deswegen hundeelend. Also versuchte er mit aller Kraft, die europäischen Großmächte zu überzeugen, doch ihre Zusage gegenüber den Arabern einzuhalten.

Während der Friedenverhandlung in Versailles, bei denen Lawrence als Berater Faisals auftrat, hielt er eine fesselnde Rede, die die Delegierten zwar mitriss, aber an den Tatsachen nichts änderte. Frankreich bestand darauf, seine Kolonien zu beziehen, England erlaubte immerhin die Bildung der beiden Königreiche Irak und Jordanien und „begnügte“ sich mit Palästina.

Für Thomas Edward Lawrence war das unerträglich. Er zog sich aus allem zurück und schrieb ein Buch „Die Sieben Säulen der Weisheit“, in dem er seine Erinnerungen auf seine sensible Art bündelte. Es wurde ein Welterfolg und Grundlage des berühmten Films „Lawrence von Arabien“. Dessen Uraufführung 1962 erlebte er nicht. Er starb schon am 19. Mai 1935 bei einem Motorradunfall, angeblich, weil er spielenden Kindern auswich. Aber es gab auch Gerüchte, dass der britische Geheimdienst seine Hände im Spiel hatte. Der dementierte natürlich heftig. Aber wie war das noch? Wer einmal lügt ...

Aerobicmania

2010-04-25T07:18:00.005+02:00

25. April

Jeder Sportler kennt das: Training kann furchtbar langweilig sein. Runde um Runde auf der Aschenbahn, 50 Meter hin und 50 Meter her im Schwimmbecken und Gymnastik bis zum Abwinken. Und dann kommt eine gutgebaute 44jährige daher, ein doppelt mit dem Oscar ausgezeichneter Hollywood-Star, und zeigt, dass es auch anderes geht: Witzige Übungen zu schmissiger Pop-Musik, strahlende Gesichter, kein Jota Fett und so fit wie ein Astronaut vor dem Abflug zum Mond.

Am 25. April 1982 brachte Jane Fonda ihr „Aerobic“-Video heraus und löste damit einen weltweiten Boom aus. Sogar in der, was Spaß betrifft, bekanntermaßen zurückhaltenden DDR verschloss man sich nicht dem internationalen Trend, nannte das Ganze aber „Pop-Gymnastik“.

Es war wie so oft bei erfolgreichen Coups: Es war der richtige Schritt zur richtigen Zeit. In Westdeutschland herrschte Aufbruchstimmung nach der erfolgreichen Wende des Helmut Kohl, man war ohnehin auf dem Weg zur Spaßgesellschaft (u.a. mit der Hymne „Ich will Spaß“ von Markus oder „Da Da Da“ von Trio), in der Soap-Opera „Dallas“ zeigten Pam und Sue Ellen, wie toll es sein muss, schön, reich und schlank zu sein, die ersten noch ziemlich primitiven Computerspiele kamen auf den Markt und die ersten Videotheken schossen aus dem Boden. Nun konnte jedermann zu jederzeit jeden Film ausleihen oder kaufen.

Und da man ja jetzt ohnehin einen Videorekorder hatte, konnte es ja auch nicht schaden, bei Jane Fonda oder ihrer Landsfrau Sydne Rome, die fast gleichzeitig auf den Zug aufgesprungen war, mitzumachen. Auch die Fitness-Center begannen zu boomen, da nun erstmals Frauen in den zuvor fast ausschließlich von Männern benutzten „Mucki-Bunden“ auftauchten und die deutschen Turnvereine registrierten Zuläufe, sobald sie anstatt traditionell biederer Hausfrauengymnastik Aerobic-Kurse anboten. Aerobic entwickelte sich zur Massenbewegung.

Natürlich waren die beiden Amerikanerinnen Fonda und Rome nicht die Erfinderinnen von Aerobic, dies war ein gewisser Kenneth H. Cooper, ein ehemaliger Major der US Air Force und renommierter und engagierter Sportmediziner. Dr. Kenneth Cooper war unter anderem damit bekannt geworden, dass er einen einfachen, aber äußerst wirksamen Fitness-Test entwickelt hatte. Dabei müssen die Probanden auf einer ebenen Strecke genau 12 Minuten laufen und zwar so schnell, wie sie können und/oder sich zutrauen. Das Hinterhältige dabei ist, dass es sehr schwer ist, das richtige Tempo zu finden, da der zurückgelegte Weg irgendwo zwischen einer Mittel- und einer Langstrecke liegt, also die Gefahr besteht, zu schnell oder zu langsam loszulaufen.

Wer unter 30 Jahre alt ist und in diesen 12 Minuten 2800 oder mehr Meter schafft, muss sich über seinen Fitnesszustand keine Gedanken machen, gut sind auch noch mehr als 2500 Meter, 2200 sind recht ordentlich und 1800 Meter sind durchschnittlich. Alles, was darunter ist, ist bedenklich. Wer zwischen 30 und 40 ist, darf 150 Meter abziehen, über 40jährige 300 Meter und über 50jährige 400 Meter. Der „Cooper-Test“ hat sich inzwischen so gut durchgesetzt, dass er beispielsweise bei der Bundeswehr, bei Schulnoten und auch bei der Beurteilung von Fußballschiedsrichtern eingesetzt wird. Und dieser Dr. Cooper war es, der den Boom auslöste, in dem er ein Buch schrieb mit dem Titel „Bewegungstraining“ (im amerikanischen Original „Aerobics“).

Mitte der 80er Jahre wurde es dann aber kritisch. In den Medien wurde darüber berichtet, dass man sich bei Aerobic-Übungen unter Umständen ziemlich schwer verletzen kann, ja sogar über Todesfälle durch Überanstrengung wurde berichtet. Und da Fitness nun mal Fitness ist und Aerobic und Jogging oberflächlich betrachtet dasselbe sind, war 1984 der überraschende Tod von Jim Fixx, dem Gründervater aller Jogger auch für die Aerobic-Gemeinde ein Schock. Der 52jährige war nach seinem täglichen Lauf mit einem Herzinfarkt zusammengebrochen, was als Beweis herhielt, wie gefährlich Fitness-Training sei. Dass in Fixx’ Familie Herzkrankheiten sehr verbreitet waren (sein Vater starb mit 35), wurde dabei meist unterschlagen.
Anfang der 90er Jahre aber erholten sich sowohl Jogging als auch Aerobic von diesen Tiefschlägen. Inzwischen steht fest: Wer vernünftig trainiert (am besten in Zusammenarbeit mit seinem Hausarzt) kann mit Aerobic eine Menge für seine Gesundheit tun. Und Spaß macht es außerdem ...

Die Konservendosen-Story

2010-04-24T07:42:00.004+02:00

24. April

In einem Zeitalter, in dem es überhaupt nichts Besonderes ist, Lebensmittel praktisch ohne Zeitlimit zu konservieren, kann man sich nur schwer vorstellen, welche Probleme vor allem die Verpflegung von Armeen in der Vergangenheit machte.

Auf See, da gab es Hartbrot und getrockneten Kabeljau, aber wie konnte man eine Landarmee versorgen, wenn nicht durch gnadenloses Ausplündern der eroberten Gebiete? Es war einmal wieder Napoleon, der sich dieses Themas in gewohnt energischer Form annahm. 12 000 Goldfrancs wollte er springen lassen für eine gute Idee.

Der Pariser Zuckerbäcker Francois Nicolas Appert, der am 17. November 1749, geboren wurde, holte sich den Preis, indem er Nahrung in gut verschlossenen Glasgefäße in riesigen Kupferkesseln kochte. Das tat er im Jahre 1804. Die Goldfrancs ausbezahlt bekam er aber erst im Jahre 1810, nachdem die französische Marine umfangreiche Tests einigermaßen erfolgreich abgeschlossen hatte, trotz des Nachteils, der sich daraus ergab, dass die Behälter aus Glas waren und somit bei Seegang leicht zerbrachen.

Die Preisvergabe war an die Bedingung verknüpft, dass Appert ein Kochbuch schreiben musste, in dem er seine Erfindung beschreiben sollte. Er tat es und es erschien sogar auf deutsch unter dem einprägsamen Namen: „Die Kunst alle animalischen und vegetabilischen Substanzen nähmlich alle Gattungen Fleisch, Geflügel, Wildpret, Fische, Zugemüse, Kuchen - Arzneygewächse, Früchte, Sulzen, Säfte; ferner Bier, Kaffeh, Thee u.s.w. in voller Frische, Schmackhaftigkeit und eigenthümlicher Würze mehrere Jahre zu erhalten.“

In jenem Jahr 1810, genau am 24. April, zog dann auch der Erzfeind Napoleons nach: Da meldete der britische Kaufmann Peter Durand seine Erfindung einer Konservendose an, die die Versorgung der Royal Navy sichern sollte. Seine Dose bestand aus Weißblech und wurde durch ein kleines Loch gefüllt, das dann mit einem Deckel verlötet wurde. Durand verkaufte sein Patent für 1000 Pfund an die Londoner Fabrik Donkin, Hall & Gamble, die schon bald darauf Tausende von Dosen an das britische Versorgungsamt lieferte.

Gelegentlich wurden die Durand-Dosen auch zivil eingesetzt, wie bei der Polar-Expedition des Engländers Sir William Parry. Aber die Büchse, die mit Kalbfleisch gefüllt war, bestand aus Eisenblech und wog leer ein knappes Pfund. Sie trug die Aufschrift: „Mit Hammer und Meißel rund um den Deckel öffnen“.

Seltsamerweise hatten sich nämlich die Herren Konservendosen-Erfinder überhaupt nicht um das Problem gekümmert, wie man die Dinger öffnen könne. Sie erwarteten einfach, dass den hungrigen Soldaten, Seeleuten oder Forschern schon etwas in die Hände fallen würde, mit denen man ans Eingemachte herankam. Meistens waren es Messer oder Beile oder auch Sägen. Eine Legende besagt, dass ursprünglich das Bajonette nur erfunden wurde, um damit Dosen zu öffnen.

Und so dauerte es bis ins Jahr 1858, bis ein gewisser Ezra J. Warner aus Waterbury in Connecticut ein Werkzeug erfand, halb Sichel, halb Bajonette, das als erster Dosenöffner der Weltgeschichte gelten kann. Aber er war unhandlich und gefährlich, wie der amerikanische Forscher Charles Panati meint: „Zum Öffnen musste man mit seiner großen, gekrümmten Klinge den Dosendeckel durchbohren und diesen mit kräftigen Druckbewegungen den Rand entlang aufschneiden. Ein Ausrutscher konnte böse Folgen haben.“

Warners Erfindung wäre ein totaler Flop geworden, wenn nicht beide verfeindeten Armeen der Nord- und der Südstaaten im amerikanischen Bürgerkrieg 1861 den Öffner als Ausrüstungsstück der Soldaten eingesetzt hätten.

Die ultimative Dosenöffner-Technologie, wie wir sie heute noch kennen, entwickelte der Amerikaner William W. Lyman, der seine Erfindung, ein Schneidrad, das an der Kante der Dose entlang läuft, 1870 zum Patent anmeldete. Erst 1925 wurde die Technik noch einmal ein wenig verändert. Die US-Firma Star Can Opener fügte ein gezacktes Rädchen hinzu, so dass sich die Dose nunmehr gegen das Schneidrad drehte. Aber das waren nur noch Feinheiten ...

Die erfolgreichste TV-Serie des Jahrhunderts

2010-04-23T06:46:00.004+02:00

23. April

Auf der Suche nach der international erfolgreichsten Fernsehserie des 20. Jahrhunderts erlebt man schon eine kleine Überraschung. Es ist nicht etwa „Star Treck“ oder „Dallas“ oder gar „Kojak“ oder „Lassie“, es ist „Baywatch“, die meist eher belächelte Rettungsschwimmer-Seifenoper aus Kalifornien oder Hawaii, je nachdem in welcher der insgesamt elf Staffeln man sich gerade befindet.

In 144 Länder wurde die Bikini-Badehosen-Parade schon verkauft, es kann vorkommen, dass rund eine Milliarde Menschen gleichzeitig beobachten, wie David Hasselhoff und Kollegen sich ihr Schwimmkissen schnappen, sportlich elegant den heißen Sand durchqueren, sich in das tiefblaue Meer stürzen, um zu retten, was noch zu retten ist, in Intrigen verstrickt werden, sich lieben und hassen, nachgucken, ob irgendwo ein Hai schwimmt, Erdbeben überleben, Serienkiller in letzter Sekunden von weiteren Untaten abhalten, sich entweder küssen oder Mund-zu-Mund-Beatmen, je nachdem und schließlich feststellen, dass alles wieder gut ist. Also: Genau so wie im richtigen Leben.

Los ging es mit der die Beach-Soap am 23. April 1989 und es war, gelinde gesagt, ein totaler Flop. Nach der ersten Staffel winkte die Major-Fernsehstation NBC müde ab und kippte die Serie. Aber, wie es sich für einen kernigen, wenn auch schon mit knapp 40 etwas älteren Rettungsschwimmer und ehemaligen Knight-Rider gehört, gab Hauptdarsteller David Hasselhoff nicht auf. Er übernahm die Produktion selbst, was gut passte, denn er besaß damals bereits eine eigene Firma, die er sehr selbstbewusst „All American Television“ genannt hatte.

Auf 243 Folgen brachten es die wohlproportionierten Strandläufer bis dann im Jahre 2001 Schluss war und das ganze mit dem Spielfilm „Baywatch – Hochzeit auf Hawaii“ gedeckelt wurde. In Deutschland, wo Hasselhoff schon immer beliebt war, übernahm die ARD bereits Ende August 1990 die Serie, wobei sicher eine Rolle spielte, dass Hasselhoff in den Monaten zuvor mit „Looking for freedom“ zufällig die passende Begleitmusik zur Wiedervereinigung geträllert und damit einen Riesenhit gelandet hatte.

Das war sicher auch ein Grund, warum der damals übermächtige deutsche Medienmogul Leo Kirch 1991 mit einer erheblichen Finanzspritze in die Serie einstieg und sie durch gezielte internationale Vermarktung über Wasser hielt. In den USA hielt sich übrigens der Erfolg der Serie auch nach Übernahme durch Hasselhoff in Grenzen. Sie wurde immer mal wieder von dem einen oder anderen Sender ausgestrahlt, prägte aber nicht die Fernsehlandschaft wie in anderen Ländern.

Natürlich lebt die Serie von den Pin-up-Szenen, in denen minutenlang wie in Musik-Videoclips knapp bekleidete, im Idealfall mit gefährlichem Tiefgang ausgestattete Playmates wie Pamela Anderson in Zeitlupe über den Bildschirm schweben, begleitet von muskelbepackten, braungebrannten Tarzan-Epigonen, die fast immer auf dem Weg sind, irgendjemand doch noch aus dem Wasser zu ziehen. Dabei handelt es sich auffällig oft um stark übergewichtige, sehr kleine, manchmal auch behinderte Menschen, was von Hasselhoff eigentlich gut gemeint war, weil er sich für Behinderte glaubhaft engagiert, aber gerade im Gegensatz zu den kratzstrotzenden Protagonisten eher peinlich wirkt.

Das lockte natürlich Witzbolde an. In Amerika leidlich erfolgreich war „Son of the Beach“ (Sohn des Strandes zugleich ein Wortspiel für Son of a bitch – Sohn einer Hündin), in dem ein kahlköpfiger völlig außer Form befindlicher Hauptdarsteller sich exakt so benimmt wie Hasselhoffs Mitch Buchannon und in dem die „Rettungsschwimmer“ Parodien von Arnold Schwarzenegger, Ex-Football-Star O.J. Simpson und eines bekannten Pornodarstellers sind.

Das Vorbild für „Baywatch“, allerdings mit vermutlich etwas durchschnittlicher gebauten Mitarbeitern, ist die Rettungsschwimmer Staffel der Feuerwehr von Los Angeles County, in der einer der Ideengeber der Serie, Gregory J. Bonann, selbst Erfahrungen als Lebensretter sammelte, ebenso wie der Schauspieler Michael Newman, der zunächst als Berater und namenloser Nebendarsteller auftauchte, weil er nie angesprochen wurde. Insgesamt aber erschien der vermeintliche Statist fast so oft wie Hasselhoff (der es auf 208 Episoden brachte) auf dem Bildschirm, so dass sich die Produzenten entschlossen, ihm dann doch einen Namen zu verpassen. Sie nannten ihn „Newman“ oder auch „Newmie“.

Übrigens: An dem vom „Baywatch“-Vorbild „Los-Angeles-County-Lifeguard-Service“ überwachte Strand von San Pedro bis Malibu arbeiten in der Saison 650 freie und 132 festangestellte Rettungsschwimmer. Es ist der größte nicht-ehrenamtliche Rettungsschwimmerdienst der Welt.

Käthe Kollwitz - die Frau, die den Krieg hasste

2010-04-22T07:15:00.003+02:00

22. April

Sie hasste den Krieg und das Schicksal tat alles, sie immer wieder daran zu erinnern. Am 23. Oktober 1914 starb ihr Sohn Peter auf einem Schlachtfeld bei Dixmuiden in Flandern, kurz nach Beginn des Ersten Weltkriegs. Und Weltkrieg II nahm ihr den Enkel. Er fiel am 22. September 1942 in Russland. Und ihr selbst war es nicht vergönnte, das so lang ersehnte Ende des von den Nazis angezettelten barbarischen Gemetzels noch zu erleben.

Käthe Kollwitz starb wenige Tage vor Kriegsende am 22. April 1945.

Die geniale Künstlerin, die so endrucksvoll das Leid dieser Welt darstellen konnte und so flammend dagegen protestierte, wurde 77 Jahre alt. Der Museumsdirektor und Kunstexperte Fritz Schmalenbach sagte einmal: „Diese Frau hat etwas sehr Einfaches gefühlt und etwas sehr Einfaches gewollt. Die Not der Armen, und über die Not der Armen hinaus überhaupt menschliche Not, hat ihr ans Herz gegriffen, und sie hat es bei dem Mitleiden nicht bewenden lassen, sondern helfen wollen; helfen mit der Waffe, die ihr verliehen war, dem Zeichenstift.“

Die Mächtigen ihrer Zeit aber waren alles andere als ergriffen von der urwüchsigen Kraft ihrer Werke, von der kaum auslotbaren Tiefe der Emotionen, die sie auslösen, sondern sie fühlten sich provoziert und attackiert. So empörte sich die deutsche Kaiserin Auguste Viktoria im Jahre 1906 über ein Plakat von Käthe Kollwitz für die Deutsche Heimwerkerausstellung. Majestät bemängelte, die Frau da auf dem Plakat sehe ihr „zu abgearbeitet“ aus. Sie ordnete an, dass es von allen Litfasssäulen verschwinden sollte.

Dass auch die Nazis nicht ihre Freunde wurden, versteht sich von selbst. Zwar waren ihre Werke nicht, wie die vieler anderer großer Künstler, Teil der Ausstellung „entarteter Kunst“, aber man wollte sie dennoch nicht. „So sieht Gott sei Dank keine deutsche Mutter aus, wie Käthe Kollwitz sie gezeichnet hat“, spottete das NS-Parteiorgan „Völkischer Beobachter“ noch bevor die Künstlerin ein faktisches Ausstellungsverbot traf. Ihre Werke wurden aus allen Sammlungen entfernt. Käthe Kollwitz galt als Kommunistin, wie jeder, der seinerzeit durch soziales Engagement und durch Nähe zu Arbeiterorganisationen auffiel. Und wer gegen den Krieg war, der war den Nazis ohnehin suspekt.

Ihr klares Eintreten gegen alle Durchhalteparolen zu Ende des Ersten Weltkriegs mit Sätzen wie „es ist genug gestorben“ und „Saatfrüchte sollen nicht vermahlen werden“ (was später anlässlich des Todes ihres Enkels auch Titel einer ihrer besten Lithografien werden sollte), ihre Arbeit für die Internationale Arbeiter-Hilfe, während der das weltberühmte Plakat „Nie wieder Krieg“ entstand und der von ihr unterzeichnete Appell vor den Wahlen 1933, in dem es hieß, es müssten alle Kräfte zusammengefasst werden, die in der Ablehnung des Faschismus einig seien, hatte den Nazis überhaupt nicht gefallen.

Mit unterschrieben hatte auch Käthes Ehemann Dr. Karl Kollwitz, Kassenarzt am Prenzlauer Berg im Norden Berlins. Im August 1933 wurden dem 70jährigen durch ein Urteil der Kassenärztlichen Vereinigung wegen „kommunistischer Tätigkeit“ die Behandlung aller Kassenpatienten untersagt. Karl Kollwitz starb 1940. Er und Käthe waren 49 Jahre verheiratet.

Lebensgefährlich wurde es für die Künstlerin, als 1936 in der sowjetischen Parteizeitung „Iswestija“ ein Artikel erschien, in dem propagandistisch überzogen über das Elend berichtet wurde, in dem Käthe Kollwitz leben müsste. Die Künstlerin hatte keine Ahnung, woher all die Informationen stammten, aber es las sich so, als sei sie die Quelle gewesen. Prompt erschien die Gestapo und drohte mit Verhaftung. Erschüttert schrieb Käthe Kollwitz in ihr Tagebuch, ihr Mann und sie würden eher Selbstmord begehen, als ins KZ zu gehen.

Trotz des Terrors arbeitete Käthe Kollwitz unermüdlich weiter an ihren Werken – wie ihr ganzes Leben lang. Als 28jährige hatte die gebürtige Königsbergerin ihre erste Ausstellung und erregte mit dem Zyklus „Ein Weberaufstand“ so viel Aufmerksamkeit, dass sie an der Großen Berliner Kunstausstellung teilnehmen durfte. Zu dem Werk angeregt worden war Käthe Kollwitz, nachdem sie an der Uraufführung von Gerhart Hauptmanns Drama „Die Weber“ teilgenommen hatte. Sie lernte auch den Dichter kennen, woraus eine lebenslange Freundschaft erwuchs.

1901 begann sie mit der Arbeit an dem Zyklus „Bauernkrieg“. Ein Jahr verbrachte sie in Paris und traf dort Auguste Rodin, dessen bildhauerische Arbeit sie tief beeindruckte.Unmittelbar nach Peters Tod begann Käthe Kollwitz damit, das Mahnmal „Die Eltern“ zu fertigen, das 1932 auf dem Soldatenfriedhof in Roggevelde bei Dixmuiden aufgestellt wurde. 1919 schaffte sie es, als erste Frau Professorin an der Preußischen Akademie der Künste zu werden. Weitere große Werke entstanden wie die Holzschnittfolge „Der Krieg“, Bronzeplastiken wie die des trauernden Elterpaares in der Kirchenruine von St. Alban und das Grabrelief Levy auf dem jüdischen Friedhof in Böcklemünd.Eine vergrößerte Kopie ihrer Pietà, die Skulptur „Mutter mit totem Sohn“, steht, übrigens auf Wunsch des damaligen Bundeskanzlers Helmut Kohl, in der „zentralen Gedenkstätte der Bundesrepublik Deutschland“ in der Neuen Wache in Berlin.

Das Lebensende der Käthe Kollwitz wurde geprägt von einer Reihe schwerer Schicksalsschläge. Nach dem Tod von Mann und Enkel und wegen der heftigen Luftangriffe auf Berlin flüchtete sie zunächst nach Nordhausen in Thüringen. 1943 zerstörten Bomben ihre Wohnung in Berlin, wo sie seit 1891 gelebt hatte. Dabei wurden unersetzliche Drucke und Druckplatten vernichtet. 1944 siedelte Käthe Kollwitz auf Einladung von Prinz Ernst Heinrich von Sachsen nach Schloss Moritzburg bei Dresden um, wo sie knapp ein Jahr später starb.

Dort, im Rüdenhof, ist inzwischen eine Käthe-Kollwitz-Gedenkstätte entstanden, wie auch Museen in Berlin und in Köln. Zahlreiche Straßen und Schulen wurden nach ihr benannt, so dass Hoffnung besteht, dass der große Kampf der Käthe Kollwitz gegen Krieg, Armut und soziale Unterdrückung nicht ganz umsonst gewesen ist ...

Der geniale Mark Twain

2010-04-21T07:27:00.003+02:00

21. April

„Die gesamte amerikanische Literatur stammt von einem Buch von Mark Twain, genannt Huckleberry Finn. Vorher gab es nichts. Seitdem gab es nichts, was dem gleichkommt.“ Diese bemerkenswerte Aussage stammt von einem Nobelpreisträger, von Ernest Hemingway, und illustriert eindrucksvoll die Rolle von Mark Twain in der amerikanischen und in der Weltliteratur. Mark Twain starb vor 100 Jahren, am 21. April 1910, und es ist mehr als erstaunlich, was er innerhalb jener 75 Jahre, in denen er auf dieser Welt war, alles schuf - nicht nur mengenmäßig sondern vor allem was die schier unbegreifliche Bandbreite seiner Werke betrifft.

Mark Twain war der Schöpfer unvergänglicher Jugendliteratur, weil es ihm gelang, mit „Huckleberry Finn und Tom Sawyer“ die Phantasien, Gedanken, Träume, aber auch Ängste junger Menschen zu erobern und sie immer wieder neu zu fesseln.

Mark Twain schrieb als Reporter Klatschgeschichten aus den Saloons von Virgina City in Nevada und wurde (noch unter dem Namen mit dem er geboren wurde – Samuel Clemens) ein wichtiger Chronist des „Wilden Westen“.

Mark Twain schrieb hinreißende Reiseberichte, darunter Bücher über den Nahen Osten und Europa mit einer unerreichten Kritik an der „schrecklichen deutschen Sprache“. Mark Twain übersetzte den „Struwwelpeter“ und er war politischer Kommentator und Kriegsberichterstatter.

Mark Twain war eine unerschöpfliche Quelle für scharfzüngige, häufig bissige Kommentare wie „es wäre nicht gut, wenn wir alle dasselbe dächten; nur weil es verschiedene Meinungen gibt, gibt es Pferderennen“ oder „es gibt nur ein Problem, das schwieriger ist, als Freunde zu gewinnen: sie wieder loszuwerden oder „die Welt steckt voller Ungerechtigkeiten: Ein Schurke darf sich jede Anständigkeit herausnehmen, ein anständiger Mensch aber auch nicht die kleinste Schurkerei.“

Mark Twain schrieb einen Kriminalroman „Knallkopf Wilson“ (Originaltitel: Pudd’nhead Wilson) über einen Juristen, der hobbymäßig Fingerabdrücke sammelt und er schickte 30 Jahre lang an die erste und einzige Frau, die er jemals liebte, wunderbare Briefe voller Wärme und Zärtlichkeit.

Mark Twain schrieb sogar einen Nachruf auf einen der Hunde, die Joshua Norton, dem selbsternannten und ziemlich überkandidelten „Kaiser von Amerika“, gehörten.Viel von dem, was Mark Twain niederschrieb, war Teil seines Lebens, das am 30. November 1835 kurz nachdem der Halleysche Komet aufgetaucht war begann und das bei dessen Wiederkunft endete.

Mark Twain war ein Kind der Südstaaten rund um den Mississippi, auf dem er als Lotse versuchte die Untiefen zu entdecken und ihnen auszuweichen, was ihm im Leben nicht immer gelang. Der Mississippi schenkte ihm seinen Künstler-Namen, denn Samuel Langhorne Clemens hörte immer wieder wie die Männer an Bord die Wassertiefe ausriefen, darunter auch „Mark Twain“ (Marke zwei – rund 3,60 Meter).

Er versuchte in Nevada Silber zu schürfen, macht ein kleines Vermögen ausgerechnet mit der Biografie des Nordstaaten-Bürgerkriegsgenerals und späteren Präsidenten Ulysses S. Grant und er wurde es als passionierter Prozesshansel wieder los und indem er viel Geld in eine Schriftsetz-Maschine investierte, die nicht funktionierte.

Das Privatleben des Mark Twain ist die Geschichte einer ungewöhnlichen Liebe. Er heiratete 1870 Olivia Langdon, seine „liebe kleine Schwerkraft“, seine „Livy“, eine Frau, die mit 16 auf dem Eis stürzte und seitdem teilweise gelähmt war, um die er sich rührend kümmerte und die aus ihm, dem trinkfesten und zigarrenqualmenden Raubein mit Hang zu deftigen und hart an die Grenze zur Obzönität reichenden Sprüchen einen Gentleman machte, der in der „feinen“ Gesellschaft der Ostküste und als Nachbar von Harriet Beecher Stowe, der Autorin von „Onkel Toms Hütte“ bestehen konnte. Als sie 1904 in Florenz starb und ihn die letzten Jahre seines Lebens allein ließ, da verbitterte er.

Mark Twain wurde noch zynischer, er stellte wütend eine „Hassliste“ auf, in der er die Namen aller seiner Feinde notierte und freute sich eigentlich nur, wenn ihm sein Freund Andrew Carnegie ein Fässchen Whisky schickte. Mag sein, dass er zu jener Zeit auch an einen seiner zahlreichen Sinnsprüche denken musste: „Es ist doch idiotisch, sieben oder acht Monate an einem Roman zu schreiben, wenn man in jedem Buchladen für zwei Dollar einen kaufen kann.“

Stalins Erzfeind

2010-04-20T07:04:00.003+02:00

20. April

In der Politik geht es überraschend oft so zu wie im richtigen Leben. Und Beweggründe wie Eifersucht, Hass, Scham und Angst sind demzufolge häufig auch Motive für Mord – den privaten und den von Staats wegen. Geradezu ein Musterbeispiel dafür ist ein Ereignis in Coyoacan, einem Vorort der mexikanischen Hauptstadt Mexico-City, am 20. April 1940, als ein 63jähriger Mann von einem 27jährigen mit einem Eispickel erschlagen wurde.

Das Opfer war weltberühmt, Leib Dawidowitsch Bronstein, besser bekannt unter seinem kommunistischen Kampfnamen Leo Trotzki. Der Täter nannte sich Frank Jacson aus Kanada oder auch Jacques Mornard aus Belgien, in Wirklichkeit hieß er Jaime Ramón Mercader del Rio Hernánde oder verkürzt Ramón Mercador und stammte aus Barcelona. Er war aber nur ein Handlanger, der eigentliche Täter saß im Kreml: Yussup Ben Wissarion Dschugaschwili – Josef Stalin.

Abgesehen davon, dass sich die beiden Ikonen der sozialistischen Weltrevolution persönlich nicht mochten, der Ukrainer Trotzki und der Georgier Stalin, so gab es eine ganze Reihe Gründe für unversöhnlichen Hass. Vor allem Stalin, inzwischen durch gnadenlosen Terror und der Beseitigung Millionen möglicher Widersacher unumschränkter Diktator im sowjetischen Riesenreichs, hatte allen Grund, den alten Weggefährten zu fürchten.

Denn nach wie vor bestanden prinzipielle Unterschiede in der Ideologie. Trotzki glaubte daran, dass die russische Oktoberrevolution lediglich die Initialzündung für eine unweigerlich kommende Weltrevolution sein würde, Stalin hingegen wollte die Revolution im eigenen Lande, das heißt, in der Sowjetunion sichern. Und: Der Zweite Weltkrieg hatte gerade begonnen, Stalin hatte sich aus taktischen Gründen mit den Nazis verbündet, ein politisch äußerst riskantes Unternehmen, das im kommunistischen Lager auf viel Widerstand stieß, Widerstand, der sich möglicherweise hinter Leo Trotzki gesammelt hätte.

Der wahre Grund aber war: Trotzki wusste zuviel. Er war dabei, wie es wirklich war, als die Sowjetunion geboren wurde, er war es, der an der Seite Lenins stand und nicht Stalin, der seinerzeit noch zweitklassige Funktionäre. Trotzki baute die Rote Armee auf, nicht Stalin und nicht Trotzki sondern Stalin war dafür verantwortlich, dass 1920 das von der Roten Armee schon fast eroberte Polen noch einmal davon kam. Trotzki war damals zwar Oberbefehlshaber, Stalin hatte aber gegen Trotzkis ausdrücklichen Befehl mit seiner Südwestarmee nicht dabei geholfen Warschau zu erobern, sondern er ließ auf eigene Faust und schließlich vergeblich Lemberg belagern. Für die Polen war die unerwartete Wende im Krieg gegen den übermächtigen Nachbarn „das Wunder an der Weichsel“, für die Sowjets eine militärische und propagandistische Katastrophe.

Es änderte zwar alles nichts am Aufstieg des Mannes aus dem Kaukasus, aber es war ein schwarzer Fleck auf seiner Weste. Stalin setzte sich 1922 im Machtkampf um die Nachfolge des kranken Lenin durch und als er ab 1927 praktisch Alleinherrscher wurde, beseitigte er nach und nach alle Mitwisser. Der Oberbefehlshaber der Südwestarmee, Marschall Tuchatschewski, beispielsweise, wurde 1936 hingerichtet, Trozki zunächst entmacht und 1929 des Landes verwiesen. Aber der schwarze Fleck war immer noch da. 1938 ließ Stalin unter seinem Namen eine „Geschichte der KPdSU“ schreiben, ein für alle, die Bescheid wussten, peinliches Machwerk, denn Stalin verpasste sich selbst sämtliche nur denkbaren erfolgreichen Hauptrollen beim Aufbau der Sowjetunion.

Trotzki, inzwischen nach Stationen in der Türkei, Frankreich und Norwegen in Mexiko gelandet, wetterte gegen den „roten Zaren“ wo er nur konnte, beschimpfte ihn wegen der offensichtlichen Geschichtsklitterung und machte Front gegen die Säuberungsaktionen in seiner ehemaligen Heimat und vor allem gegen die Moskauer Schauprozesse. Er verhöhnte Stalin und selbst die Ermordung seines Sohnes in Paris brachte Trotzki nicht zum Schweigen.

Stalin schaltete den Geheimdienst ein. Zunächst gab es einen regelrechten militärischen Angriff auf Trotzki am Rand von Mexico-City. Zwei Dutzend schwer bewaffnete Männer stürmten im Mai 1940 das Haus. Das Schlafzimmer, in dem sich Trotzki, seine Frau und der elf Jahre alte Enkel aufhielten, wurde buchstäblich in Stücke geschossen. Die drei überlebten.

Ein Vierteljahr später aber griff Plan B.

Ramón Mercador, ein fanatischer Stalin-Anhänger, brachte Leo Trotzki um. Der Mörder saß übrigens 20 Jahre Haft ab, reiste als freier Mann nach Kuba, Prag und Moskau und starb erst 1978 in Havanna – an Krebs, ein Vierteljahrhundert nach seinem großen Idol im Kreml.

Fürstliche Halbwelt

2010-04-19T07:21:00.005+02:00

19. April

Als am 19. April 1956 Rainer III. von Monaco in der St.Charles-Kathedrale in Monte Carlo der Hollywood-Schönheit Grace Kelly vor 1200 Hochzeitsgästen aus 25 Ländern das Ja-Wort gab, da war das Interesse der Öffentlichkeit so groß, dass gleich ein neuer, inzwischen allerdings ziemlich in Verruf geratener Berufsstand geboren wurde - jener der Paparazzi. Der Überlieferung nach verkleideten sie sich als Kellner, schliefen auf Bäumen, versteckten sich im Schrank und versuchten sogar als Nonne an den Fürsten und seine Leinwand-Königin heranzukommen.

Das Einschleichen als geistliches Personal hat allerdings Tradition in Monaco, denn schon im Jahr 1297 verschaffte sich eine Handvoll Räuber als Bettelmönche verkleidet Eintritt in die örtliche Festung und übernahm das Kommando. Ihr Anführer stammte aus dem Genueser Adel und hieß Grimaldi, ebenso wie nicht ganz zufällig Rainer III.. Man ginge sicher zu weit, wenn man dem seit 1949 regierenden und am 6. April 2005 verstorbenen Fürsten diese kriminelle Vergangenheit anlasten würde, die ist nach mehr als 700 Jahren sicher verjährt, aber dennoch hat auch er es nie geschafft, den Hauch von Halbwelt loszuwerden, der sein winziges Land stets umweht. Es wird interessant sein zu sehen, ob dies seinem Sohn Albert gelingt.

Selbst die Hochzeit mit Grace Kelly soll, zumindest am Anfang, als ein großer PR-Coup für Monaco und Monte Carlo geplant worden sein, basierend auf einer Idee des griechischen Großreeders Aristoteles Onassis (der allerdings eine Verbindung mit Marilyn Monroe favorisiert hatte). Sie entwickelte sich dann wohl doch zu einer Liebesgeschichte.

Darüber, wie und wo sich Rainer und Grace kennenlernten, gibt es zahlreiche Legenden und Halbwahrheiten. Die am meisten verbreitete Geschichte ist, dass Rainer sich bei den Dreharbeiten des Thrillers „Über den Dächern von Nizza“ (mit Cary Grant) Hals über Kopf in die frischgebackene Oscar-Preisträgerin verliebte, eine andere behauptet, der Fotograf Pierre Galante hätte die beiden miteinander bekannt gemacht, als Grace Kelly an der Seite von Gruselaltmeister Alfred Hitchcock 1955 die Filmfestspiele in Cannes besuchte, um den Film „Bei Anruf Mord“ vorzustellen.

Ihre Hochzeit erreichte jedenfalls das erhoffte Ziel: Endlich waren die Scheinwerfer und Blitzlichter der Welt nicht auf Nizza oder Cannes, sondern auf Monte Carlo gerichtet. Bis heute allerdings ist das monegassische Herrscherhaus die Geister, die sie damals rief, nicht mehr losgeworden. Unablässig erschienen in den bunten Blättern dieser Welt häufig erfundene Geschichten über den armen, alten, kranken Rainer, die Liebschaften, Schwangerschaften, Hochzeiten und Scheidungen der Prinzessinnen Caroline (Jahrgang 1957) und Stephanie (1965), die allerdings die unerträgliche Leichtigkeit des Seins gelegentlich wirklich ein wenig übertrieben haben und über den braven Albert, dessen größte Leidenschaft das Bobfahren ist.

Zu Lebzeiten der Fürstin Gracia Patricia stand sie natürlich im Mittelpunkt des Interesses, die schöne, kühle Blonde mit der angeborenen Vornehmheit und ihr Tod am 14. September 1982, als sie in ihrem Rover 3500 auf der Kleinen Corniche aus der Kurve getragen wurde und gegen eine Mauer prallte, trieb die Auflagen zahlreicher Zeitungen und Zeitschriften zu danach nie mehr erreichten Rekordhöhen.

Schon damals tauchte der Verdacht auf, dass irgendwie die Mafia bei diesen Unfall die schmutzigen Hände im Spiel hatte, ein Verdacht, der angesichts der engen Verbindung, die zwischen der sogenannten großen mit der sogenannten Unterwelt in Monte Carlo immer schon bestanden, auf der Hand liegt. Die Existenz der weltberühmten Spielbank, die Steueroase Monaco und die Tatsache, dass auf jeweils 330 Einwohner des Zwergstaates eine Bank kommt, sind einfach zu verlockend in Zeiten, in denen es immer schwieriger wird, sein unrechtmäßig oder rechtmäßig erworbenes aber möglichst nicht zu versteuerndes Einkommen zu waschen. So sollen von den rund 500 000 Unternehmen, die in Russland von der Mafia kontrolliert werden, Milliardensumme vor allem nach Monaco transferiert werden, unter tatkräftiger Mithilfe einiger, natürlich nicht aller, in Monte Carlo ansässiger Banken.

Die Fürstliche Familie und die Aktivitäten einiger der anderen rund 33 000 Einwohner Monacos sind eben immer wieder gut für spektakuläre Schlagzeilen. Daran hat sich auch unter Albert nicht viel geändert.

Der wahre Cowboyhut

2010-04-18T12:15:00.002+02:00

5. Mai

So ein Stetson ist schon ein praktisches Ding: Wenn die Sonne herunter knallt, dann bietet er Schatten, wenn es wie aus Kübeln schüttet, schützt er vor Nässe und wenn der treue Gaul nicht direkt aus einem Fluss oder einem Bach trinken kann, dann füllt man seinen Stetson mit dem kostbaren Nass, trinkt selbst und lässt dann sein Pferd daraus schlabbern. Abends, am Lagerfeuer, da kann man mit dem Hut so viel Wind machen, dass es eine ordentliche Glut ergibt. Und das wichtigste: Man kann Kühe in die richtige Richtung dirigieren, wenn man ihn hin- und herschwenkt. Kurz: Ein Stetson ist für jeden Cowboy unersetzlich.

Bevor es ihn gab, also vor dem Jahr 1865, da trugen die Männer im Wilden Westen alles Mögliche, irgendwelche Kappen oder Kapitänsmützen, Strohhüte oder von den Mexikanern abgeguckte Sombreros. Erst als John B. Stetson auf der Bildfläche erschien, der am 5. Mai 1830 geboren wurde, da kam auch er auf die Welt, der erste echte Cowboyhut.

Dieser John Batterson Stetson, siebtes Kind in einer 14köpfigen Großfamilie in Orange im Bundesstaat New Jersey, lebte ganz im Osten der USA, also weit weg von Prärie, riesigen Rinderherden und Indianern. Aber mit Hüten hatte er schon sehr früh etwas am Hut, denn sein Vater Stephan war Hutmacher.

John B. Stetson ging es gar nicht gut in der Jugend. Er litt unter Tuberkulose und sein Arzt hatte ihm ein nur kurzes Leben vorhergesagt. Da er aber unbedingt den Wilden Westen kennen lernen wollte, bevor er starb, beschloss der junge Mann in die Rocky Mountains zu ziehen, nach Colorado, wo 1858 an Pikes Peak Gold gefunden worden war. Er stimmte ein in den Schlachtruf der Glücksritter „Pike’s Peak or bust!“ (Pike’s Peak oder Pleite!) und beobachtete mit Interesse die Mützen aus Waschbärfell, die einige Goldsucher trugen.

Dann hatte er eine Idee: Warum nicht einen Filzhut herstellen, der aus dem Unterhaar von Biberfellen besteht? Der wäre schön leicht und wasserabweisend. Und er hält warm. Gesagt, getan und es entstand ein erster, ziemlich auffälliger, weil ziemlich großer Hut mit breiter Krempe. Den trug er dann auch, erst zum Spaß, aus dem dann schnell ernst wurde, als ihm ein Cowboy ein Fünf-Dollar-Goldstück anbot und ihn kaufte.

Stetson ging zurück in den Osten und erwarb in Philadelphia eine Fabrik, in der er die ersten Hüte herstellte, die am Hutband seinen Namen trugen, legendäre Kopfbedeckungen wie den „Boss of the Plains“ oder den „Ten Gallon Hat“, dessen Name wohl eher auf einem Missverständnis beruht, denn ursprünglich nannten die Mexikaner diesen ziemlich großen Hut „un sombrero tan galan“, was soviel heißt wie ein „sehr eleganter Hut“, woraus dann „Ten Gallon“ (zehn Gallonen) wurde.

Es dauerte nicht lange und die von Stetson gegründete Firma eroberte den Hutmarkt des Landes und später auch darüber hinaus. Schon bald gehörte es zum guten Ton, einen Stetson zu tragen, die US-Kavallerie wurde damit ausgerüstet, so dass auch der unglückliche George Armstrong Custer einen Stetson trug, als er und seine Männer 1876 am Little Big Horn von Indianern massakriert wurden.

Natürlich hatte auch Buffalo Bill einen Stetson auf dem Kopf oder Annie (get your gun) Oakley, wenn sie ihre Schieß-Kunststücke veranstaltete. John Wayne trug ihn und Tom Mix, zahlreiche US-Präsidenten ließen sich gern mit ihm fotografieren und einer schaffte es sogar ins Museum: Das war der von J.R. Ewing, der nach dem Ende von „Dallas“ im „Smithsonian National Museum of American History“ in Washington landete.

John B. Stetson wurde 75 Jahre alt und starb am 18. Februar 1906.

Die „Stetson“ Hut-Fabrik ist heute in St. Joseph im Bundesstaat Missouri angesiedelt und produziert Westernhüte in Hunderten von Formen und Farben. Die Preise für diese Hüte bewegen sich zwischen bescheidenen 35 Dollar und 5000 Dollar für einen, der üppig mit Diamanten besetzt ist.

Übrigens: Das berühmte „X“, das im Innenleder eines jeden Stetson zu finden ist, ist ein Qualitätsmerkmal. Es bezeichnet den Anteil von Biberhaar. Je mehr „X“ dort stehen, um so seidiger und unverwüstlicher ist er. Der Wahlspruch der Firma, die inzwischen unter anderem auch Kosmetika und Sonnenbrillen verkauft, ist typisch amerikanisch selbstbewusst und ein ganz klein wenig überheblich: „Stetson, das ist nicht ein Hut, das ist der Hut“.

Der Star des Rummelplatzes

2010-04-18T11:54:00.001+02:00

17. Mai

Es ging schon sehr viel gemächlicher zu als heute, damals, als sich das allererste Karussell dieser Welt im Kreise drehte. Am 17. Mai 1620 war das, auf einem Rummelplatz im osmanischen Phillipopel, heute besser bekannt unter dem Namen Plovdiv in Bulgarien. Bewegt wurde es nicht von einem Motor, sondern von Pferden.

Wobei „Pferde“ genau das richtige Stichwort ist, um zu erklären, wie alles entstand. Ursprünglich hatten nämlich die Kreuzritter mit großem Interesse die Reiterspiele ihrer türkischen oder arabischen Kollegen verfolgt. Denen machte es beispielsweise riesigen Spaß, sich kleine mit Duftwasser gefühlte Tonkugeln zuzuwerfen, die gefangen werden mussten. Wer dass nicht schaffte, roch zwangsläufig tagelang mehr oder weniger gut.

Andere „Urväter“ des Karussells gab es schon vor 1500 Jahren in Byzanz, in Mexiko und Indien. Solche und ähnliche Reiterspiele waren es, aus denen sich die Idee des Karussells entwickelte. Man trat (wie heute noch in ländlichen Gebieten oder bei nostalgischen Burgspielen) gegeneinander an, indem die Herren Ritter versuchten, mit einer Lanze einen kleinen an einem Band hängenden Ring aufzuspießen.

So spaßig das auch klingt, oft wurde daraus bitterer Ernst, sozusagen ein „kleiner Krieg“, was im spanischen „Carosella“ und bei den Italienern „Garosello“ heißt, und somit ein hübscher Name für das immer beliebter werdende Jahrmarktvergnügen gefunden war.

Irgendwann kam irgendjemand auf die Idee, dieses Ringstechen schon frühzeitig zu üben, indem der ritterliche Nachwuchs auf Holzpferde gesetzt wurde, die von Lakaien, Mulis oder Pferden im Kreis gezogen wurden. Aber das fanden nicht nur die jungen Prinzen lustig, sondern im Laufe der Zeit auch ihre Schwesterchen und noch später das gemeine Volk. Das Karussell begann seinen Siegeszug auf den Jahrmärkten der Welt.

Jahrhunderte lang blieb es das Hauptvergnügen auf dem guten alten Karussell, einen neben dem Gerät hängenden Ring zu ergreifen. Wem das gelang, wurde mit einer Freifahrt belohnt. Das änderte sich Ende des 19. Jahrhunderts, als der Engländer Frederick Savage die Erfindung der Dampfmaschine als Antrieb für Karussells nutzte. Das machte sie sehr viel leistungsfähiger, so dass die Holzpferde nach und nach durch Feuerwehrautos, Motorräder, Straßenbahnen oder Schiffchen ersetzt wurden und damit auch der alte Brauch des Ringstechens auf der Strecke blieb. Schade eigentlich ...

Der ewige Schelm

2010-04-18T11:34:00.002+02:00

17. Mai

Ob er je gelebt hat, weiß niemand, aber wann und wo er gestorben ist, dafür gibt es einen Beleg: den Grabstein in der Möllner Nicolaikirche, auf dem eine Eule und ein Spiegel zu sehen ist und die Inschrift: „Disen Stein sol nieman erhaben. Hie stat Ulenspiegel begraben. Anno domini MCCCL jar.” Und so gilt der 17. Mai 1350 als Todestag des alten Schalks. Ein Seil, an dem sein Sarg hinabgelassen wurde, soll dabei gerissen sein, so dass er die Ewigkeit senkrecht verbringt.

Typisch Eulenspiegel ist man versucht zu sagen, denn Zeit seines (realen oder nur erfundenen) Lebens war dieser Eulenspiegel ein Witzbold, der seinen Zeitgenossen mit allerlei Possen auf die Nerven ging. Wenn er alles bewusst falsch verstand, um einen seiner berüchtigten Scherze los zu werden, beispielsweise nicht in den „Henep“ („Hanf“) schiss, sondern in den „Senep“ (Senf), wenn er Brotbrocken aneinander band und begeistert zuschaute, wie das verzweifelte Federvieh darum kämpfte, wenn er den Wagen schmierte, wie ihm aufgetragen wurde, aber vor allem auf den Sitzen, wenn er heimlich eines von zwei gebratenen Hähnchen verspeiste und der einäugigen Köchin sagte, sie müsse nur das andere Auge aufmachen, dann wären es wieder zwei und wenn er schon als Kind hinter seinem Vater auf dem Pferd ritt und allen Leuten den Allerwertesten zeigte.

Mag sein, dass er so zu seinem Namen kam, denn Eulenspiegel heißt im mittelniederdeutschen Uhlenspegel, wobei „uhlen“ „wischen“ heißt und „spegel“ „Hintern“ und somit „ul’n spegel“ eine ähnliche Bedeurung hat wie jener berühmte Satz, den der Herr Geheimrat Goethe seinen Götz von Berlichingen sagen lässt ...

Es waren halt derbe Zeiten, damals in der ersten Hälfte des 14. Jahrhunderts, die Scherze, über die man lachte, waren alles andere als feinsinnig, es wurden eher die niedrigen Instinkte bedient wie Schadenfreude, Bosheit und Rachsucht.

Und das war der Ur-Eulenspiegel in der Tat: Er war boshaft und rachsüchtig und hatte nur ein einziges Ziel, nämlich die Lacher auf seiner Seite zu haben. Er war eben nicht der eher harmlose bäuerliche sympathische Possenreißer, der seiner Zeit mit hübschen und intelligenten Einfällen einen Spiegel vorhielt. Auch jede Art von hintergründiger Sozialkritik an Bürgertum und Adel, die ihm später Teile der Literaturwissenschaft zubilligten, sucht man im alten Eulenspiegel vergebens. Seine Scherze sind meist sehr direkt und häufig Fäkalien-orientiert. Um 1510 erschien das erste Buch mit dem Titel „Ein kurtzweilig Lesen von Dyl Ulenspiegel, geboren uß dem Land zu Brunßwick, wie er sein leben volbracht hat ...“.

Als Autor gilt der Braunschweiger Zollschreiber und Amtsvogt Hermann Bote, sicher ist das allerdings nicht, ganz im Gegensatz zur Tatsache, dass die Geschichten um den Schelmen aus Kneitingen bei Schöppenstedt sehr schnell zu einem mittelalterlichen Beststeller entwickelten. Schon bald gab es zahlreiche neue Fassungen und schon im 16. Jahrhundert wurde „Till Eulenspiegel“ in fast alle Kultursprachen Europas übersetzt.

Häufig wurden die Motive aus dem Leben des Till Eulenspiegel in den vergangenen mehr als 600 Jahren Gegenstand von Dichtung und Musik. 1867 beispielsweise erschien Charles de Costers Roman „Geschichte von Ulenspiegel und Lamme Goedzak in Flandern und anderswo“ oder 1895 schuf Richard Strauss die sinfonische Dichtung „Till Eulenspiegels lustige Streiche“.

Auch finden sich anderen Kulturkreise ähnlich angelegte Figuren des volkstümlichen Spaßmachers wie in der Ukraine den jüdischen „Hersch Ostropoler“ oder „Hodscha Nasreddin“ in der Türkei.Wer sich in Norddeutschland auf die Spurensuche nach Till Eulenspiegel begeben will, hat eine Menge Möglichkeiten.

In Schöppenstedt in der Nähe seines angeblichen Geburtsortes Kneitlingen gibt es ein Till Eulenspiegel-Museum, das rund 8 000 Menschen jährlich besuchen, in Magdeburg wurde eine Straße nach ihm benannt (Till-Eulenspiegel-Ring) und die „Eulenspiegelstadt“ Mölln hält einen städtischen Bediensteten vor, der im Bedarfsfall von Reisegruppen gebucht werden kann. Auch in Mölln gibt es übrigens ein Eulenspiegelmuseum und seit 1950 wird der berühmte Schalk mit einem „Eulenspiegel“-Brunnen geehrt.

Pionierin der Lüfte

2010-04-18T11:28:00.002+02:00

15. Mai

Flughäfen werden nach Präsidenten benannt, nach Malern, Stadtteilen, Vorbesitzern und Dichtern oder auch – nach einer Stewardess. Das gilt jedenfalls für Cresco im US-Bundesstaat Iowa, dem Ort, wo am 22.September 1904 eine gewisse Ellen Church geboren wurde, eine Frau, die ein bemerkenswertes Stück Luftfahrt-Geschichte geschrieben hat. Es war am 15. Mai 1930, als die damals 25jährige zwischen Oakland und Chicago einem neuen Beruf das Leben schenkte. Sie war die erste Stewardess.

Eigentlich war Ellen Church Krankenschwester, aber sie träumte davon, Pilotin zu werden. Aber daran war vor einem Menschenalter überhaupt nicht zu denken, so dass sie sich etwas Neues einfallen lassen musste. Am 23. Februar 1930 platzte sie in das Büro eines gewissen Steve Stimpson von der Firma „Boeing Air Transport“ und schlug ihm vor, sie und vielleicht später auch andere Kolleginnen auf Flügen mitzunehmen, um den Passagieren die Reise so angenehm wie möglich zu gestalten.Ganz neu war die Idee zwar nicht, in England gab es bereits bei „Daimler Airways“ sogenannte „Cabin Boys“, die den Passagieren hilfreich zur Seite standen. Auch in den USA wurden bereits besonders schlanke und damit leichte junge Männer eingesetzt, aber eben nur Männer, grundsätzlich keine Frauen.

Ellen Churchs Vorstoß änderte alles. Zunächst stellte Boeing versuchsweise acht Stewardessen mit einem Drei-Monats-Vertrag ein (für 125 Dollar im Monat) und schickte sie gemeinsam mit Ellen und 15 Passagieren an Bord einer Boeing 80A am 15. Mai 1930 um 8 Uhr morgens auf die Reise. Die Passagiere waren begeistert von den, wie sie später hießen „Original Eight“. Damit standen sie allerdings in krassem Gegensatz zu den Piloten, die es zunächst ablehnten, sich auch noch um das „hilflose“ weibliche Personal kümmern zu müssen. Auch die Frauen der Piloten machten Front und schrieben flammende Brief an die Konzernleitung, sie möge diesen Unsinn doch unterlassen, zumal die neuen Frauen an Bord auch noch unverheiratet sein mussten.

Aber der anfängliche Kleinkrieg zwischen Cockpit und Kabine war schnell beendet. Die Piloten merkten, wie angenehm es ist, jemanden an Bord zu haben, der sich um nörgelnde Passagieren, schreiende Babys und Flugangst-Hasen kümmert, der Drinks serviert und Snacks verteilt, ein Job, den heute mehr als 300 000 Frauen – und Männer – in aller Welt erledigen.

Am Anfang waren die Aufgaben der Stewardessen sogar noch vielfältiger: Sie mussten auch schon mal das Flugzeug auftanken oder mithelfen, das Gerät in den Hangar zu schiebenAber es sollte noch ein paar Jahre, genau bis 1936, dauern, bis Stewardessen Standart an Bord von Flugzeugen wurden. Erst nach Einführung der DC 3 wurden die weiblichen Helfer wegen der größeren Zahl der Passagiere unverzichtbar.

Ellen Church
Ellen Churchs Karriere als Stewardess dauerte nur 18 Monate, dann beendete sie ein Autounfall. Aber es begann eine neue. Ihr wurde die Entwicklung einer Logistik für den neuen Job übertragen und sie arbeitete so effektiv und selbständig, dass sie auch als einer der ersten Managerinnen der Wirtschaftsgeschichte gilt.

1942, kurz nachdem die USA in den Zweiten Weltkrieg eingriffen, ging Ellen Church wieder an Bord. Sie wurde in Militärflugzeugen in Afrika, England, Frankreich und Italien eingesetzt, bekam als eine von sehr wenigen Frauen hohe Airforce-Orden und galt als „Florence Nightingale der Lüfte“. Nach dem Krieg, 1952, wechselte Ellen Church ins Management eines großen Krankenhauses, des Terre Haute Union Hospital in Indiana. Elf Monate vor ihrem Tod heiratete Ellen Church einen Bankdirektor namens Leonard Marshall. Am 27. August 1965 starb sie an den Folgen eines Reitunfalls.

United Airlines, die Fluglinie, die als erste planmäßig Stewardessen beschäftigte, ehrt die Pionierin, indem sie einen achtstöckigen Flügel ihres „Stewardess-Management-Centers“ in der Nähe des Chicagoer O’Hare-Airports „Ellen Church Marshall Memorial“ nannte.Cresco, Ellen Churchs Heimatort, hat übrigens noch einen weltberühmten Mitbürger: Es ist Norman Borlaug, der 1970 den Friedens-Nobelpreis erhielt. Borlaug löste die „Grüne Revolution“ aus, indem er eine neue Weizensorte züchtete, die Entwicklungsländern dabei hilft, ihre Bevölkerung besser zu ernähren. Aber das ist eine andere Geschichte ...

Die Spionin die keine war

2010-04-18T11:23:00.002+02:00

13. Mai

Sie war die wohl berühmteste Spionin der Welt. Nur: Verraten hat sie nicht ein einziges Geheimnis, keinen Aufmarschplan, keine Wunderwaffe. Sie knackte keinen Code und liquidierte keinen Feind. Die Geheimtinte, die man ihr gab, hat sie nie zu ihrem eigentlichen Zweck benutzt. Und dennoch wurde sie zu einem Mythos und dennoch wurde Margaretha Geertruida Zelle, genannt Mata Hari, am 15. Oktober 1917 bei Morgengrauen im heutigen Pariser Stadtteil Vincennes von einer Abteilung Zuaven erschossen.

Passenderweise trugen diese zwölf Soldaten, eine aus Algerien stammende Infanterietruppe der französischen Armee, malerische orientalische Uniformen, wie in der Schlussszene eines verfilmten Kitschromans. Eine Augenbinde lehnte Mata Hari ab, den Strick, mit dem sie eigentlich an ihren Todespfahl gefesselt werden sollte, band sie sich um die Hüften.Nur eines der Gewehre war scharf geladen, niemand wusste, welches es war.

Der amerikanische Journalist Henry G. Wales schildert den Augenblick des Todes von Mata Hari so: „Sie starb nicht wie eine Schauspielerin. Sie warf nicht ihre Hände nach oben oder fiel nicht nach vorn oder hinten, sie fiel in sich zusammen. Langsam, fast träge sank sie auf ihre Knie, den Kopf erhoben, ohne, dass sich ihr Gesichtsausdruck veränderte. Dann fiel sie zurück und lag bewegungslos auf dem Rücken. Ein Offizier trat an sie heran, zog einen Revolver und schoss ihr in den Kopf. Mata Hari war jetzt sicher tot.“

Zynisch, wie das Schicksal manchmal ist, erfüllte sich in jenen Minuten der Lebenstraum der 41 Jahre alten Frau, denn sie wollte immer berühmt sein und verehrt, im Mittelpunkt stehen, von allen umschwärmt. In ihrem kurzen Leben war ihr das nur selten vergönnt. Sicher, sie war von ihrem ersten Auftritt als Nackttänzerin am 13. Mai 1905 an, als Nackttänzerin eine Sensation, aber eher von der Sorte, wie man sie auf Jahrmärkten antrifft. Zugegeben, sie wohnte in den teuersten Hotels, kaufte Kleider, Schuhe, Schmuck, sie konnte dies alles meist aber nur bezahlen, weil irgendein Verehrer die Brieftasche öffnete.

Und von diesen Verehrern gab es viele. Mata Hari, was auf javanesisch „Auge des Morgens“ heißt, führte ein unstetes Leben. Mit 21 heiratete sie einen holländischen Kolonialoffizier, ging mit ihm nach Java. Ihre beiden Kinder verlor sie. Sohn Norman starb an Gift, das ihm ein eifersüchtiger Hausangestellter einflößte, Tochter Jeanne-Louise wurde nach der Scheidung ihrem Mann zugesprochen. Ruhelos tingelte Mata Hari von Paris nach Madrid, Berlin, Wien und Mailand. Immer wieder suchte sie Anerkennung als ernsthafte Künstlerin, wurde aber meist belächelt, ausgenutzt und gedemütigt.

Schließlich wurde der deutsche Geheimdienst auf die junge, hübsche Frau aufmerksam. Und da sie wieder einmal Geld brauchte, ließ sie sich anwerben. Mata Hari war nun die Agentin H 21 des Deutschen Reiches.Geliebt hat sie wohl nur einmal in ihrem Leben: Einen fast 20 Jahre jüngeren russischen Offizier. Und als dieser durch eine Granate und Giftgas schwer verwundet wurde, versuchte sie zu ihm zu kommen. Den Passierschein bezahlte sie damit, dass sie sich auch dem französischen Geheimdienst verschrieb.

Mata Hari war jetzt Doppelagentin, leider aber eine ohne jede Ausbildung und ohne Erfahrung, so dass Holländer und Engländer ihre Rolle schnell durchschauten. Auch die Deutschen erkannten schnell, dass die Holländerin auch für die Franzosen arbeitete. Man versorgte sie mit gezielten Falschinformationen, worauf Paris allerdings nicht hereinfiel, da man auch dort inzwischen mühelos herausgefunden hatte, dass sie deutsche Agentin war.Dann beging sie einen schlimmen Fehler: Sie versuchte, ihre Freiheit wiederzuerlangen, indem sie wahrheitsgemäß ihre Bekanntschaft mit dem Chef der französischen Spionageabwehr, George Ladoux, in einem Verhör ausplauderte. Der bestritt alles und war fast gezwungen, Mata Hari vor Gericht zu stellen. Das geschah dann und es wurde ein kurzer Prozess gemacht, der mit Rechtstaatlichkeit nicht das Geringste zu tun hatte. Schließlich war Krieg.

Das Leben der Mata Hari ist inzwischen schon oft erzählt worden, in Filmen, Romanen und Biografien. Es waren einige geschmacklose Machwerke dabei und nur selten wurde bei all diesen Versuchen klar, was dieses Leben wirklich war: Eine schreckliche und tieftraurige Geschichte ...

August und Constantia

2010-04-18T11:16:00.001+02:00

12. Mai

Es gibt eine hübsche Geschichte aus längst vergangenen Zeiten im vergangenen Jahrhundert, als die Elbbrücke in Dresden, die Alt- und Neustadt verbindet, noch Dimitroff-Brücke hieß. Damals war eine oft gestellte Frage, warum diese Brücke wohl so hieße. „Das stammt aus den Zeiten von August dem Starken“, so antworteten die Elbstädter augenzwinkernd. „Da fuhr der Kurfürst in seiner Kutsche über die Brücke und immer, wenn er ein hübsches Mädchen sah, befahl er ‘die mit druff’ und ‘die mit druff’.“ Die korrekte Antwort wäre natürlich, dass man zu DDR-Zeiten den bulgarischen Kommunisten Georgi Dimitroff ehren wollte, dem anlässlich des Reichstagsbrandes der Prozess gemacht worden war, der aber freigesprochen wurde.

Aber das ist eine andere Geschichte, hier geht es um August, den Starken. Er wurde am 12. Mai 1670 geboren und starb fast 63 Jahre später, am 1. Februar 1733 in Warschau. In Warschau? Ja, und das war kein Zufall. Denn Friedrich August I. Kurfürst von Sachsen war auch König von Polen - zeitweise nur, aber zum Zeitpunkt seines Todes war er es.

August träumte davon, aus seiner sächsischen Hauptstadt ein zweites Versailles zu machen und das ist ihm auch ziemlich gut gelungen. Immerhin entstanden in seiner Regierungszeit, sie begann 1694 und endete erst 39 Jahre später, Bauten wie der Zwinger, das Taschenbergpalais und das Holländische Palais, er verantwortete die Grundsteinlegung für die neue Frauenkirche, ließ das Wasser- und das Bergpalais in Schloss Pillnitz errichten und ordnete bauliche Veränderungen der Moritzburg an. August stellte einem gewissen Johann Friedrich Böttger ein Laboratorium auf den Brühlschen Terrassen zur Verfügung mit dem erfreulichen Ergebnis, dass diesem die Herstellung des ersten weißen europäischen Porzellans gelang. Er legte damit den Grundstock für die Meißener Porzellanmanufaktur, die bis heute Weltgeltung hat.

Das ist eine hübsche Lebensleistungen für einen, der von der Geschichtsschreibung durchgängig als prunksüchtiger und eher dümmlicher Sexprotz eingestuft wurde. Für den Historiker Paul Haake (1873 - 1950), den bekanntesten August-Forscher, war der sächsische Kurfürst beispielsweise ein „zu ausdauernder Arbeit unfähiger, von Begierde zu Genuss taumelnder und im Genuss vor Begierde verschmachtender sittlicher Schwächling, der andern kein Vorbild der Opferwilligkeit und des Verzichts sein konnte“.

Paul Haake scheint kein Freund August des Starken gewesen zu sein.

Aber es gab auch andere Meinungen: Preußens Soldatenkönig Friedrich Wilhelm I. beispielsweise, der August den größten Fürsten nannte, der jemals regierte (auch vielleicht ein wenig übertrieben).

Die Hamburger Schriftstellerin Gabriele Hoffmann hat sich in ihrem 1984 erschienen Buch „Constantia von Cosel und August der Starke - Die Geschichte einer Mätresse“ bemüht, das in Schieflage geratene Bild des sächsischen Potentaten zurechtzurücken. Und wahrscheinlich ist es ja auch so, dass man über den Menschen August den Starken kaum mehr erfahren kann als durch diese durch und durch seltsame Geschichte seiner Liebe zu dieser Frau.

Neun Jahre lang trug er sie auf Händen, überschüttete sie mit wertvollen Geschenken, übertrug ihr das Schloss Pillnitz und das Taschenbergpalais, dann sperrte er sie ein und hielt sie in strenger Haft in der Festung Stolpen, wo sie die letzten 49 Jahre ihres Lebens verbrachte.

Das Urteil der Autorin Gabriele Hoffmann: „August, Kurfürst von Sachsen und König von Polen, war ein lebensfroher und tatkräftiger Mann. Er führte die Kabinettsregierung ein, schuf den ersten Rechnungshof in Deutschland, baute das stehende Heer aus, trieb Wirtschaft und Handel voran. August wurde der strahlendste Fürst seiner Epoche, sein Hof der glanzvollste unter den Höfen der Reichsfürsten. Er führte lange Jahre seines Lebens Krieg und hinterließ dennoch mehr Geld in der Kasse, als er vorgefunden hatte. Sachsen war bei seinem Tod eines der wohlhabendsten Länder des Reiches.“

In einer Zeit, in der es scheint, dass sich Menschen wieder mehr für Geschichte interessieren, würde es nicht wundern, wenn irgendjemand auf die Idee käme, die Liebesstory von Constantia und August eines Tages sagen wir im Auftrag des Mitteldeutschen Rundfunks zu verfilmen. Fest steht, dass es eine starke Geschichte mit einer starken Frau und einem starken August ist ...

Verleumdungsopfer Lukrezia Borgia

2010-04-18T07:22:00.003+02:00

18. April

Wir sind in Rom vor 500 Jahren. Die Borgias regieren die Stadt. Der 70jährige Rodrigo, der eigentlich Borja heißt und Spanier ist, hat sich als Papst den Namen Alexander VI. ausgesucht, weil er sich für ebenso unüberwindlich hält wie sein mazedonischer Namensgeber. Da ist sein Sohn Cesare (25), der dafür berühmt ist, dass er ein Hufeisen gerade biegen und einem Stier mit einem Hieb den Kopf abschlagen kann und da ist noch Cesares Schwester Lukrezia mit ihrem dicken blonden Haar, das so schwer ist, dass ihr ständig der Kopf weh tut - Lukrezia Borgia, geboren am 18. April 1480, mit deren Namen seit Jahrhunderten alle nur erdenklichen üblen Charaktereigenschaften verbunden sind: Herrschsüchtig, skrupellos und männerverschlingend, eine talentierte Mörderin und Geliebte von Vater und Bruder.
Es war anders.
Mit 13 musste die kleine Lukrezia auf Befehl ihres Vaters den Fürsten von Pesaro, Giovanni Sforza, heiraten. Die Provinz ödete sie an und der Gatte verschaffte ihr wenig Abwechslung, nicht, weil er nicht wollte, sondern weil er nicht konnte. Gut, dass Impotenz im seinerzeit gültigen Kirchenrecht der einzige Grund war, eine Ehe zu annullieren. Aber der entlarvte Giovanni wollte das so nicht auf sich sitzen lassen und verbreitete unter anderem das Gerücht, Lukrezia habe ein Verhältnis mit ihrem Vater, was begeistert von allen Lästerzungen in Rom und im verfeindeten Neapel aufgegriffen, ausgeschmückt und weitergetragen wurde. Lukrezia ertrug das alles und resignierte, ohne zu protestieren und so wurde aus dem bitterbösen Gerede langsam im Laufe der Jahrhunderte die von aller Welt geglaubte Wahrheit.
Ehemann Nummer zwei hingegen war ein Glücksgriff. Lukrezia verliebte sich in Alfonso, Herzog von Bisceglia. Aber dieser verstand sich nicht gut mit Schwager Cesare, der folglich Leute ins Haus schickte, die Alfonso ein Kissen lange genug aufs Gesicht drückten und Lukrezia frühzeitig zur Witwe machten. Sie war untröstlich, nach einigen Wochen aber verzieh sie ihrem Bruder, was neue Gerüchte nährte.
Die Leidenszeit war aber nun vorbei. Sie zog nach Ferrara, um dort einen weiteren Alfonso, des Herzogs Sohn, zu heiraten. Lukrezia wurde fünfmalige Mutter, trat dem Franziskanerorden bei, tat Gutes, lernte spanisch, griechisch und französisch, zog einige der besten Köpfe ihrer Zeit an ihren Hof und wenn ihr Gatte auf Dienstreise ging, vertrat sie ihn mit Klugheit und Geschick.
Das war die wirkliche Lukrezia Borgia. Sie erlag auch nicht einem Becher Gift, den sie selbst mischte und verwechselte. Am 14. Juni 1519 erlitt sie eine Totgeburt. Zehn Tage später war auch sie tot – nur 39 Jahre alt.

Die Borgia

Sie waren eigentlich nur zu dritt, die Familie Borgia und somit alles andere als eine Dynastie. Dennoch prägten Papst Alexander VI. und seine Kinder (!?) Cesare und Lukrezia ganz wesentlich unser Bild von der italienischen Renaissance. Zwar war auch schon Calixtus III. aus dem aus Spanien stammenden Geschlecht kurz (1455 bis 58) Papst, aber die „Borgia-Zeit“ begann erst 1492 mit Alexander. Nach seinem Tod 1503 war sie auch schon wieder vorbei. Dieser Papst und sein Sohn Cesare (übrigens Vorbild für Machiavellis „Principe“) waren in der Tat anders als die sanfte Lukrezia skrupellose und brutale Machtmenschen.
Sie waren zwar hochintelligent und geschickt, aber auch sicher keine Kinder von Traurigkeit und an ihren Händen klebte eine Menge Blut. Aber das war auf der Schwelle vom Mittelalter zur Neuzeit in Kreisen der Reichen und der Mächtigen eher der Normalfall. Eine literarische Umsetzung des „Borgia-Stoffes“ ist übrigens, trotz einiger Bemühungen (u.a. „Sturm-und-Drang“-Dichter Friedrich Maximilian Klinger, Victor Hugo und C.F. Meyer) bisher nicht gelungen.

Der Bär aus Kursk

2010-04-17T07:07:00.003+02:00

17. April

Parteitage der allmächtigen Kommunistischen Partei waren zu Zeiten der Sowjetunion gähnend langweilige bis ins letzte Detail vorausgeplante Routineveranstaltungen. Ganz anders war das allerdings am 25. Februar 1956, als ein gewisser Nikita Sergejewitsch Chruschtschow auf dem XX. Parteitag der KPdSU in einer Geheimrede mit seinem Vorgänger Josef W. Dschugaschwili abrechnete, dem Mann, der sich Stalin nannte.

Stalin galt seinerzeit als Halbgott und obwohl es kaum eine Familie gab, die nicht durch seine Säuberungen, Massenverhaftungen, Deportationen, Verbannungen und Ermordungen betroffen war, wagte das auch nach seinem Tod niemand offen auszusprechen - bis auf den kleinen, dicken am 17. April 1894 geborenen Bär aus Kalinowka bei Kursk südlich von Moskau an der Grenze zur Ukraine.

Chruschtschow galt als vorsichtiger Taktiker und eher als tapsig, aber er war ein schlauer Bursche. Hatte er doch in der unmittelbaren Umgebung Stalins überlebt, was ein Kunststück war. In seinen Memoiren schildert er mit angeborenem Mutterwitz die Zeit mit Stalin, das Kuschen, das Taktieren, die Angst, die Intrigen. So schreibt er, dass Stalin ständig Angst gehabt hatte, vergiftet zu werden. „Oh, hier ist das Gänseklein, Nikita, haben Sie es schon probiert“, sagte er beispielsweise und Chruschtschow musste als Vorkoster tätig werden. Nur Geheimdienstchef Berija verschonte er, weil der sich fast ausschließlich von Gras ernährte, „wie man das in Mittelasien tut. Manchmal stopfte er sich das Grünzeug mit den Fingern in den Mund“, fährt Chruschtschow fort.

Die Erniedrigung der Menschen in seiner Umgebung habe Stalin immer als amüsant empfunden. Einmal musste Chruschtschow sogar vor aller Augen den ukrainischen Volkstanz Gropok tanzen. Er bekam es einigermaßen hin. Hinterher sagte der spätere Staatspräsident Anastas Mikojan zu ihm: „Wenn Stalin sagt: tanze, dann tanzt ein kluger Mann.“

Aber Chruschtschow war nicht nur klug, er war auch ungewöhnlich schlagfertig. Dies zeigt ein kleiner Zwischenfall am Ende seiner Geheimrede von 1956. Er bekam einen Zettel zugesteckt, auf dem stand: „Was tatest Du, als Stalin diese Verbrechen beging?“ Chruschtschow las den Zettel vor und sagte ruhig: „Ich bitte den Fragesteller aufzustehen.“ Niemand stand auf. „Das“, sagte Chruschtschow, „ist genau, was ich getan habe.“

Mit diesem ungewöhnlichen Auftritt begann Chruschtschows rasanter Aufstieg zum Kreml-Chef und zu einem der mächtigsten Männer der Welt. Als er Partei- und später Parteichef war, drohte der Welt mehr als einmal die Umwandlung des Kalten in einen heißen Krieg: Da war die Niederschlagung des Aufstands in Polen, der Abschuss eines US-Spionageflugzeugs über der Sowjetunion, was den gelernten Maschinenschlosser zu einem legendären Aufritt vor den Vereinten Nationen veranlasste. Er zog den Schuh aus und trommelte wütend auf sein Rednerpult, was übrigens den damaligen Bundeskanzler Konrad Adenauer auf die Idee brachte, in kleiner Journalistenrunde dasselbe zu machen und dabei zu sagen: „Dat kann isch auch.“

Chruschtschow begleitete wohlwollend den Bau der Berliner Mauer und begann einen, obwohl er eigentlich ein Zeitalter der „friedlichen Koexistenz“ mit den USA angekündigt hatte, dramatischen Machtkampf mit dem amerikanischen Präsidenten in der Kuba-Krise aus der John F. Kennedy als moralischer Sieger hervorging.

Wenn das, was Chruschtschow in seinen Memoiren schreibt, der Wahrheit entspricht, war Kennedy allerdings zu seiner energischen Haltung durch das amerikanische Militär gezwungen worden. Kennedys Bruder Robert, Justizminister und Unterhändler in der Kuba-Krise, hatte dem sowjetischen Botschafter Dobrynin verraten, die Regierung Kennedy stände unter starkem Druck der Militärs, gegen Kuba mit Gewalt vorzugehen. „Obwohl der Präsident selbst sehr dagegen ist, um Kuba einen Krieg zu beginnen, könnte gegen seinen Willen eine unabänderliche Kette von Ereignissen eintreten,“ zitiert Chruschtschow Robert Kennedy. „Deshalb appelliert der Präsident direkt an den Vorsitzenden Chruschtschow und bitte um seine Hilfe bei der Beilegung dieses Konflikts. Falls die Situation noch länger andauert, ist der Präsident nicht sicher, dass das Militär ihn nicht stürzen und die Macht ergreifen wird. Die amerikanische Armee könnte außer Kontrolle geraten.“ „Kreml verhindert Militärputsch in den USA“ – Chruschtschow war immer für eine Überraschung gut.

Aber nach diesen Ereignissen begann sein Stern zu sinken, wozu auch die verfehlte Wirtschaftspolitik und der zunehmende Streit mit den Chinesen beitrug. Er wurde 1964 abgesetzt und starb 1971. Aber er gilt als ein erster Wegbereiter von Glasnost und Perestroika.

Madame Tussaud und ihr Kabinett

2010-04-16T07:11:00.004+02:00

16. April

Wer bei ihr rumstehen darf, der hat es geschafft: Der ist ein Promi. Häufiger sind es Menschen, die die Welt veränderten, manchmal aber reicht es auch, ein wenig auf dem Fußballplatz herumzurüpeln (Beispiel Wayne Rooney). Und ganz große Glückpilze schaffen es schon im Alter von zwei Monaten wie Shiloh Nouvel, die als Babypuppe in einer Wiege aus Stroh in der New Yorker Filiale liegt, liebevoll betrachtet von ihren Eltern, den Hollywood-Stars Angelina Jolie und Brad Pit. Eine neue „heilige Familie“ des Medienzeitalters, nachdem es zuvor ziemlichen Ärger in der Londoner Zentrale gegeben hatte, als die „heilige Familie“ aus den schon seinerzeit ein wenig abgehalfterten Beckhams bestand.

Aber was tut man nicht alles, um in die Schlagzeilen zu kommen und Menschen dazu zu bringen, 24.99 englische Pfund (immerhin € 37,12) zu zahlen, um sich Leute anzusehen, die ohnehin fast täglich ins eigenen Wohnzimmer schneien? Ja, ja, die Zeiten sind nicht leichter geworden für „Madame Tussaud“, die Mutter aller Wachsfigurenkabinette.

Aber leicht hatte es auch Marie Grosholtz nicht in ihrem langen Leben, das am 1. Dezember 1761 im elsässischen Straßburg begann und am 16. April 1850 in London endete. Ihren Vater lernte sie nie kennen, er starb kurz vor ihrer Geburt, so dass sie mit ihrer aus der Schweiz stammenden Mutter schon als Fünfjährige nach Paris ging, wo ihr Onkel Philippe eine Werkstatt betrieb, in der - man ahnt es schon - Wachsfiguren hergestellt wurden.

Die kleine Marie zeigte schon bald außerordentliches Geschick, so dass man in Versailles auf sie aufmerksam wurde. Marie Grosholtz zog um ins königliche Schloss und modellierte einen Kopf nach dem anderen. Dass diese wenig später, nach dem Ausbruch der Revolution 1789, auf Lanzen gespießt durch die Straßen der französischen Hauptstadt getragen und bald durch die Originale ersetzt wurden, ist ziemlich makaber, kann ihr sicher nicht angekreidet werden, sie tat schließlich nur ihren Job.

Und den machte sie offenbar sehr gut, denn auch die Revolutionäre versicherten sich ihrer Dienste, indem sie sie zwangen, die Totenmasken der Guillotinierten, darunter waren auch viele Freunde aus Versailles, zu nehmen und daraus Köpfe zu formen, die für das „Museum der Revolution“ gedacht waren. Nachdem auch die Herren Danton und Robespierre dasselbe Schicksal erlitten hatten, war es bald vorbei mit dem großen Schlachtfest und Madame konnte ans Heiraten denken.

Die inzwischen 34jährige fand einen Ingenieur mit Namen Francis Tussaud, heiratete, bekam zwei Söhne und trennte sich wieder. Es war keine besonders glückliche Ehe, sie wurde auch bald geschieden, so dass Marie Tussaud, wie es so schön heißt, „noch einmal von vorne anfangen“ musste. Ihre Söhne wollten essen und da war ja auch noch das Wachsfigurenkabinett von Onkel Phillippe, das sie inzwischen geerbt hatte. Frankreich stürzte sich in ein neues Abenteuer mit Namen Napoleon, also ging Madame nach London, nutzte ihr Talent als PR-Genie, tingelte mit ihren Figuren insgesamt 33 Jahre durch britische Lande, überlebte den Untergang eines Schiffes in der Irischen See, entkam einem Großfeuer durch einen Aufstand in Bristol und ließ sich schließlich in „The Bazaar“, in der später durch Sherlock Holmes noch berühmter gewordenen Baker Street nieder.

Bis ins hohe Alter saß sie dort an der Kasse, meist, wie Augenzeugen berichten, ebenso unbeweglich wie ihre Figuren. Als das berühmte „Punch Magazin“ 1846 mit gewohnter Häme über ihre „Schreckenskammer“ berichtete, in der all die gruseligen Szenen aus der Französischen Revolution nachgestellt waren, hatte sie es endgültig geschafft. Die Leute liefen ihr die Bude ein. Und als Tüpfelchen auf dem i verewigte sie der große Charles Dickens in seinem „Raritätenladen“, in dem „Mrs. Jarley“ unschwer als Madame Tussaud identifizierbar ist.

1850 starb sie, ihr Unternehmen aber wuchs und wuchs. Ihr Enkel sorgte 1884 für den Umzug in die Marylebone Road, wo das Kabinett noch heute ist. Es wurden Filialen in Amsterdam, New York, Hongkong und Las Vegas gegründet. Aber es gab auch Katastrophen: 1925 brannte das Londoner Etablissement nach einem elektrischen Kurzschluss ab, wobei die meisten Figuren schmolzen, die wertvollen Gussformen aber gerettet werden konnten und 1940 wurde Madame Tussaud von einer deutschen Fliegerbombe getroffen, die mit für die damalige Verhältnisse präzise fast alle dort ausgestellten Wachspuppen vernichtete – bis auf ganz wenige und unter diesen befand sich ausgerechnet ein gewisser Adolf Hitler ...

Der Voltaire des 20. Jahrhunderts

2010-04-15T07:29:00.006+02:00

15. April

Philosophie, das war etwas für Elfenbeintürmler, für weltfremde Meisterköpfe – bis Jean-Paul Sartre kam. Er stopfte Schokolade in sich hinein, ließ sich mit Scotch und Rotwein voll laufen, schluckte Drogen, lebte in wilder Ehe und war gleichzeitig ein großer Dichter, ein großer Denker, der zumindest eine Generation, die nach dem Weltkrieg zwei, nachhaltig prägte.

Am 21. Juni 1905 wurde er geboren und als er am 15. April 1980 starb, hinterließ er eine trauernde Simone de Beauvoir, eine Handvoll ebenfalls trauriger Ex-Freundinnen und ein Gedankengebäude, das in die Geschichte der Philosophie als „atheistischer Existentialismus“ eingehen sollte. Für ihn, den „Voltaire des 20 Jahrhunderts“, wird der Mensch erst durch seine eigenen Handlungen definiert, zuvor ist er unbelebte Materie. Dabei ist er allein, und darf sich nicht orientieren an Traditionen, Religionen oder Ideologien. Der Mensch, so Sartre, ist dazu verurteilt frei zu sein.

Ein Leben ohne Konventionen, tun und lassen, was man will, auf dem Weg nach San Francisco mit Blumen im Haar, das war ganz nach dem Geschmack einer Nachkriegsjugend, der die Werte der Vorfahren nach sieben Jahren Völkerschlachten und in waffenstarrendem Kalten Krieg suspekt geworden waren, die in Staat, Familie und Kirche den „Muff von 1000 Jahren“ lüften wollte, die „keinem über 30“ mehr traute, die den Provinz-Diktator Ho-Tschi-Minh auf Demonstrationen feierte, sich mit Wasserwerfern der Polizei anlegte, Zeitungswagen anzündete und Maos rotes Buch in der Tasche trug – die meisten, weil es einfach Spaß machte, die traditionellen Autoritäten zu provozieren.

Der Meister selbst sorgte immer wieder für gelegentlich recht seltsame Ausrufezeichen, Handlungen, die ihn schon seinerzeit angreifbar machten. Er trat in die KP Frankreichs ein, lobte die Sowjetunion, bejubelte ihre „führende Rolle“, war schockiert von der Niederschlagung des Aufstands 1956 in Ungarn, verließ daraufhin die KP, lehnte 1965 die Annahme des Nobelpreises ab, um seine „Leser nicht unter Druck zu setzen“, besuchte den Terroristen Andreas Baader in Stammheim und attestierte ihm, Gutes gewollt zu haben, kurz, Sartre lebte seine eigenen Gedanken aus, was manchmal recht skurrile Folgen hatte. Aber er war der erste Philosoph, der zum Weltstar wurde.

Dazu trug auch Simone de Beauvoir bei, seine einstige Kommilitonin, die er schon 1929 kennen lernte. Sie blieben ein Leben lang ein Paar, ohne zu heiraten, denn für Sartre war die Ehe eine „lebenslange Haft ohne Bewährung“. Trotz ihrer „Familien“ mit häufig wechselnder Frauen-Besetzung war es eine bemerkenswerte und bemerkenswert stabile Freundschaft, die die beiden verband.

Grundlage war totale Offenheit und das Versprechen, einander niemals zu belügen. Sie blieben übrigens ihr Leben lang beim „Sie“, wohl auch, um ihre gegenseitige Hochachtung zu dokumentieren. Sie befruchteten sich gegenseitig, tauschten Ideen aus, von denen beide profitierten. Simone de Beauvoir setzte sich an die Spitze der modernen Frauenbewegung, ihr Essay „Das andere Geschlecht“ wurde zu einem Klassiker der Emanzipation, Sartre wurde zur Galionsfigur der 68er Revolten – und manchmal auch zum erstaunlich naiven Spielball politischer Interessen.

1934 begann Sartre während eines Stipendiats am Institut Francais in Berlin, sich mit der Philosophie eines Nietzsche, eines Heidegger oder eines Husserl zu beschäftigen. Daraus entsteht sein erstes philosophisches Hauptwerk „Das Sein und das Nichts“. Doch Sartre ist nicht nur Philosoph, er ist auch ein großer Literat. Schon in seinem ersten Roman „Der Ekel“ leidet der Held unter einer Existenz „bis zum Verschimmeln“ und fordert eine Freiheit ohne Gott. Ebenso überzeugend ist Sartre als Dramatiker. „Die Fliegen“, während der deutschen Besetzung von Paris uraufgeführt, ist eine Parodie der antiken Tragödie, spielt mit Begriffen wie Freiheit, Nichts, Ordnung oder Gott, ist gleichzeitig eine geschickt verhüllte Attacke gegen die deutschen Eroberer. Nach dem Krieg schreibt Sartre „Die schmutzigen Hände“, ein Stück, in dem es erneut um die Freiheit ins Nichts hinein geht, um die Existenz ohne Gott.

Sartres Credo birgt ungeheuer viel gesellschaftspolitischen Sprengstoff. Die Welt ohne Sinn und Zweck, eine unvorsehbare Aneinanderreihung von Zufällen, der Mensch als nur sich selbst verpflichtete Kreatur. Er geht über reinen Atheismus weit hinaus. Der Mensch, so sagt er, „muss sich selbst wieder finden und sich überzeugen, dass ihn nichts vor ihm selbst retten kann.“

Die Zeit ist ein wenig hinweggegangen über Jean-Paul Sartre und seine Gedanken. Die Welt ist zur Zeit offenbar einfach nicht in der Stimmung, sich mit philosophischen oder anderen Grundwerten zu beschäftigen. Aber das kann (und muss) sich wieder ändern ...

Die Wurzeln

Der Existentialismus als Gedankengebäude hat viele Väter. Vor allem die Deutschen Hegel, Kant und Nietzsche und an allererster Stelle der Däne Sören Kierkegaard sind zu nennen, wobei bei Kierkegaard im Gegensatz zu Sartre die Komponente Atheismus fehlt. Als wichtigste Vertreter der Existenzphilosophie im 20. Jahrhundert gelten neben Sartre und seinem Landsmann Albert Camus die Deutschen Karl Jaspers und Martin Heidegger sowie der Österreicher Edmund Husserl, dessen wichtigster Satz „zurück zu den Sachen“ lautet.

Dabei gibt es zwischen allen Philosophen zum Teil gravierende Unterschiede. So setzt beispielsweise Heidegger im Unterschied zu Sartre das Nichts mit dem Sein gleich. Letztlich vereint sind die Existenzphilosophen darin, dass der Mensch nur aus sich heraus zu verstehen ist, dass das Sein des Menschen ohne festen Grund und ohne Beziehungen ist. Die Freiheit ist ein unbestimmtes, nicht durch Wesen und Gemeinschaft geordnetes „Seinkönnen.“ Ethik und Gesellschaft lehnen die Existenzphilosophen zugunsten einer absolut gesetzten individuellen Freiheit ab. So gesehen ist Existenzphilosophie im eigentlichen Sinn des Wortes „asozial“.

Der Esperanto-Erfinder

2010-04-14T07:01:00.004+02:00

14. April

Es war nicht nur eine Frage, welche der beiden neuen Kunstsprachen sich durchsetzen würde, das Volapük des deutschen katholischen Priesters und Gelehrten Johann Martin Schleyer oder das Esperanto des polnischen Juden und Augenarztes Ludwig Lejzer Zamenhof, sondern es ging vor allem darum, ob eine „Sprache aus der Retorte“ überhaupt eine Chance in einer zerstrittenen und zersplitterten Welt haben würde.

Als der seinerzeit 27jährige Zamenhof am 26. Juli 1887 unter dem Pseudonym „Doktoro Esperanto“ (wörtlich übersetzt „ein Hoffender“) zunächst auf russisch seine erste Broschüre über sein Sprachprojekt „Lingvo internacia“ herausbrachte, da sah es für ihn gar nicht gut aus, denn Volapük hatte fast zehn Jahre Vorsprung. Aber die Anhänger Schleyers (übrigens ein Bruder des Urgroßvaters des 1977 ermordeten Arbeitgeberpräsidenten Hanns Martin Schleyer) hatten bereits begonnen, sich in die Haare zu geraten und es gab erste Zerfallerscheinungen.

Zudem waren schon zahlreiche Versuche, darunter einer des großen Universal-Gelehrten Gottfried Wilhelm Leibniz, fast zweihundert Jahre zuvor einigermaßen kläglich gescheitert. Aber die neue Sprache des Ludwig Zamenhof überlebte irgendwie – auch die Wirren des Ersten Weltkriegs, den Zweiten Weltkrieg, den Kalten Krieg und es gibt sie noch heute. Der Weltverband der Anhänger der Kunstsprache, die „Universala Esperanto-Asocio“, hat Jünger in insgesamt 117 Ländern, wobei die tatsächliche Zahl der Mitglieder mit knapp 19 000 doch eher bescheiden ist.

Die Zukunftsaussichten sind jedenfalls nicht schlecht, nachdem die Unterdrückung der Sprache in den ehemaligen Ländern des Ostblock, in einstmals totalitären Ländern wie Spanien und Portugal sowie in China überwunden wurde und sich durch das Internet ganz neue Perspektiven ergeben. Allerdings muss auch Esperanto immer weiter entwickelt werden, da es einige Dinge zu Zeiten des Sprachgründers noch gar nicht gab: Fernsehen (televido) oder Aids (aidoso) oder Computer (komputilo) zum Beispiel.

Die Widerstände gegen Esperanto waren und sind häufig von der Meinung geprägt, dadurch sollten Nationalsprachen abgeschafft werden, was aber ausdrücklich nicht der Fall ist. Zamenhofs eigentliches Ziel, nämlich auf dem Weg einer, heute würde man sagen, weltweiten „Multi-Kulti-Bewegung“ vor allem das jüdische Volk besser zu integrieren, wurde durch die Ereignisse des 20. Jahrhunderts geradezu auf den Kopf gestellt. Der „Homaranismo“, wie er seine „Lehre von der Menschheit“ nannte, ein flammender Aufruf für Völkerverständigung und religiöse Toleranz, bei der Esperanto als Brücke dienen sollte, setzte sich nie durch.

Im Gegenteil: Der Zeit des Nationalsozialismus und des Holocaust fiel fast die gesamte Familie Zamenhofs zum Opfer, darunter auch sein Sohn Adam, der 1940 exekutiert wurde. Adam Zamenhof war zuvor häufig als Ehrengast auf Esperanto-Kongressen aufgetreten.

Aber das erlebte der Erfinder des Esperanto nicht mehr. Der Mann, der schon als Kind Russisch, Polnisch, Jiddisch, Griechisch, Latein, Englisch, Deutsch, Französisch und Hebräisch sprach, starb bereits am 14. April 1917 in Warschau im Alter von 57 Jahren an einer Herzschwäche.

Ein Attentäter namens Guido

2010-04-10T08:31:00.003+02:00

13. April

Am 13. April 1570 wurde er geboren und gut 35 Jahre später wurde Guy Fawkes gehängt, ertränkt und zur Sicherheit gevierteilt. Den Tag, an dem er versuchte, das englische Parlament in die Luft zu sprengen, feiern die Engländer heute noch. Am 5. November eines jeden Jahres lassen sie Knallfrösche knallen und zünden Freudenfeuern an, weil Guy Fawkes 1605 etwas vor hatte, wovon Terroristen heute (hoffentlich nur) träumen. Warum sie das tun, weiß eigentlich kein Mensch.

An jenem Novembertag stand also dieser Guy Fawkes in den Kellern des Parlaments, vor sich ungefähr 36 Fässer Schießpulver und in der Hand eine (noch nicht brennende) Lunte, als er, wie man heute sagen würde, von „Sicherheitskräften überwältigt“ wurde. Nun wurde zwar festgestellt, dass das Schießpulver bereits seit langem die Haltbarkeitsgrenze überschritten hatte und möglicherweise überhaupt nicht explodiert wäre, aber erstens konnte man das natürlich nicht wissen und zweitens war auch schon damals der Versuch strafbar. Und wie. Guy Fawkes wurde nicht nur verhört und gefoltert, er wurde natürlich auch hingerichtet und das gleich ein paar Mal. Er wurde am 31. Januar 1606 gestreckt, gehängt und geviertelt. Und nicht nur er. Die meisten seiner Mitverschwörer (sie waren insgesamt 14 Männer) erlitten dasselbe Schicksal, bis auf die, die bereits bei der Verhaftung getötet wurden oder dem, der einer Krankheit im Gefängnis erlag.

Eigentlich war Guy Fawkes überhaupt nicht der Kopf der hitzköpfigen Rebellen gegen Krone, Parlament und Vaterland, er war eher der Fachmann, ein in Schlachten in Holland und Spanien erprobter Söldner, der sich mit dem Kriegshandwerk gut auskannte. Aus Spanien stammt übrigens sein Kampfnahme „Guido“, mit dem Fawkes manchmal sogar unterschrieb.
Der wahre Drahtzieher des Komplotts hieß Robert Gatesby. Der Mann war voller Hass und Rachegefühle, hatte er doch Frau und Eltern bei der damals im protestantisch regierten England üblichen und staatlich sanktionierten mörderischen Jagd auf Katholiken verloren.

Auch nachdem Königin Elizabeth I., die ja bekanntermaßen nicht gerade eine Freundin der Katholiken war (siehe auch und vor allem den Fall Maria Stuart) 1603 umständehalber abtreten musste (sie starb) blieb das so. Ihr Nachfolger James I., der zunächst toleranter mit dem Thema umzugehen schien, entpuppte sich nach seiner Thronbesteigung als wahrer Katholikenfresser.
Und so heckte Robert Gatesby den Plan aus und fand auch schnell Komplizen, da er bei weitem nicht der einzige war, der ein solche Schicksale in der Familie erleiden musste. Dabei muss ihm allerdings ein Fehler unterlaufen sein, denn unter den Möchtegern-Attentätern befand sich einer, der es einfach nicht übers Herz brachte, neben dem König und dem Prince of Wales sowie den Mitgliedern des Parlaments auch seinen Schwager zu opfern.

Und so erhielt ein gewisser Lord Monteagle eines Tages einen anonymen Brief, in dem ihm dringend geraten wurde, die Sitzung am 5. November zu schwänzen. Seiner Lordschaft kam das natürlich reichlich verdächtig vor und er alarmierte den König. Der Rest war Routine. Fawkes wurde, wie wir schon wissen, auf frischer Tat geschnappt, die anderen nach und nach. Robert Gatesby wurde entdeckt, umzingelt und schließlich noch vor Ort erschossen.

Natürlich nutzten König und Vaterland die gute Gelegenheit, sich noch einiger anderer unliebsamer vornehmlich katholischer Zeitgenossen zu entledigen, auch, wenn sie überhaupt nichts mit dem „Gunpowder Plot“, wie der Anschlagsversuch griffig genannt wurde, zu tun hatten. Dies führte dann später zu dem Verdacht, dass der komplette Anschlag inszeniert wurde, um eine Handhabe gegen die Feinde des Königs zu haben, so wie es beispielsweise die Nazis mit dem Brand des Reichstags handhabten. Aber Beweise gibt es dafür nicht, es war wohl ein echter Anschlagsversuch.

Und so überrascht es nicht wirklich, dass in den darauffolgenden bisher vier Jahrhunderten traditionell an dem Tag, an dem der Fürst „The opening of the Parlament“ vornimmt, der Keller nach Sprengstoff durchsucht wird. Heute wäre dies ohnehin eine Selbstverständlichkeit – auch ohne Guy Fawkes.

Das ist die Geschichte, warum die Engländer am 5. November nicht nur die Korken knallen lassen. Nach offizieller Lesart tun sie dies aus Freude darüber, dass der Coup misslang (immerhin werden bei dem jährlichen Spektakel Bildnisse und Puppen von Guy Fawkes verbrannt), ausgeschlossen ist aber auch nicht, dass zumindest einige feiern, weil es einer immerhin versucht hat, der nicht überall beliebten Staatsmacht die Zähne zu zeigen.

Aber wer kennt sich schon aus mit den Engländern?

James Bond der Berge

2010-04-10T08:17:00.003+02:00

12. April

"Sein wettergegerbstes Gesicht, das je nach Bedarf finstere Entschlossenheit oder naive Lebensfreude ausstrahlte, stand für den Typ des rauen Berghelden, der jeden Gipfel stürmt und die waghalsigste Herausforderung annimmt.“ So beschreibt das „Lexikon der deutschen Film- und Fernsehstars“ den Südtiroler Luis Trenker, der in diesen Tagen vor 20 Jahren, genau am 12. April 1990 starb – natürlich in seiner Heimat in Bozen.

Der Beginn seiner Karriere ist legendär. Trenker hatte schon zu Schülerzeiten als Bergführer gearbeitet, brachte es im Ersten Weltkrieg zum Oberleutnant und wollte eigentlich seinem Beruf als Architekt nachkommen, als ihn der Pionier des Bergfilms, Arnold Fanck, für seinen Streifen „Der Berg des Schicksals“ (1924) als Führer engagierte und Trenker dann die Hauptrolle übertrug, nachdem er feststellte, dass der ursprünglich vorgesehene Schauspieler nicht klettern konnte.

97 Jahre wurde er alt, der Mann, der auch „James Bond der Berge“ genannt wurde, weil er alles bezwang, was sich ihm in den Weg stellte, vor allem Berge und Schurken. Nicht gewachsen, jedenfalls nicht ganz, war er politischen Fieslingen wie Nazis oder italienischen Faschisten, denn Trenkers Rolle im Nationalsozialismus ist zumindest undurchsichtig. Vom Ansatz her passte Trenker einfach zu gut zur völkischen Ideologie, als dass ihn die Nazis in Ruhe lassen würden, denn auch seine Werte waren Patriotismus, Heldentum, Naturliebe und Todesverachtung.

Über Adolf Hitlers Verhältnis zum knorrigen Naturburschen schrieb dessen Propaganda-Chef Joseph Goebbels, der „Führer“ sei nach dem Ansehen des Andreas-Hofer-Dramas „Der Rebell“ „Feuer und Fett“ gewesen. Das sei eine Spitzenleistung, schrieb Goebbels voller Begeisterung, „ein nationalistischer Aufbruch. Ganz große Massenszenen.“ Allerdings gab es auch andere, die Trenkers Film für ein Meisterwerk hielten, so der große Hollywood-Regisseur John Ford.

Später kühlte das Verhältnis zu den Nazis deutlich ab, auch, weil Trenker kein Blatt vor den Mund nahm und unumwunden seine Meinung sagte, beispielsweise es sei eine Schande, dass „die Deutschen die Literatur verbrannten und dass Deutschland die Juden rausschmeißt.“

Den Film „Condottieri“, den Trenker 1937 drehte, empfanden die Nazis als Verrat am Führertum, zumal in dem Streifen eigens 60 Mann der SS-Leibstandarte Adolf Hitler abkommandiert worden waren und nachdem er 1940 in „Feuerteufel“ sogar verdeckte Kritik am Regime äußerte, war der Ofen aus. Trenker durfte in Deutschland keine Filme mehr drehen. Um überhaupt weitermachen zu können, wandte sich Trenker folgerichtig an den anderen Faschisten jener Zeit, den „Duce“ der Italiener, Benito Mussolini. Irritiert war man aber in Berlin und Rom besonders von Trenkers Haltung in der Südtirol-Frage, in der er sich mal für und mal gegen den Anschluss an das Deutsche Reich aussprach.

Seltsam ist, dass Trenker 1942, obwohl er eigentlich in Ungnade gefallen war, die Hauptrolle in dem Propagandafilm „Germanin“ spielte – unter der Regie von Goebbels Schwager.

In „Wikipedia“ wird der Autor Florian Leimgruber zitiert, der nach Studium der Unterlagen über Trenker im „Berlin Document Center“, wo Millionen von Akten über den Nationlsozialismus gesammelt sind, schrieb, in Trenker „begegnet uns weder ein kraxelnder Freiheitsheld noch ein kriecherisch-unterwürfiger Handlanger oder Kollaborateur“, sondern Trenker sei ein normaler Durchschnittsmensch gewesen, der „auch in schwierigsten Situationen in erster Linie darauf bedacht ist, sich und seine Schäfchen ins Trockene zu bringen, sich seine ökonomischen Möglichkeiten und die berufliche Entfaltung nicht vermiesen zu lassen.“

Nach dem Krieg fasste Trenker nur schwer wieder Fuß. Er drehte zunächst Dokumentarfilme über seine geliebte Bergwelt und versuchte, Geldgeber für Filmprojekte zu finden. Er drehte von 1955 bis 1957 noch drei Filme, die aber an seine besten Arbeiten wie „Der Berg ruft“ (zu dem er, wie zu fast allen seiner Filme, auch das Buch schrieb) bei weitem nicht heranreichten.1959 kehrte er ins Bewusstsein einer breiteren Öffentlichkeit zurück, nachdem der Bayerische Rundfunk ihm mit „Luis Trenker erzählt“ eine Plattform bot, in der er sein überragendes Talent als mitreißender Erzähler ausleben durfte. In den 70er Jahren wurde Trenker, und da war der am 4. Oktober 1892 geborene Bergfex ja auch schon hoch in den 70ern, zum Fernsehstar in der ORF-Reihe „Berge und Geschichten“.

Trenkers filmhistorischer Stellenwert wurde bisher nur selten gewürdigt, obwohl er unbestreitbar ein verdienstvoller Pionier der Filmgeschichte war.

Der letzte Wartburg

2010-04-10T07:42:00.004+02:00

10. April

Nummer 152 775 war der letzte - der letzte Wartburg der Baureihe „Wartburg 1.3“ und der letzte Wartburg überhaupt, der je gebaut wurde. Er lief am 10. April 1991 in Eisenach vom Band. Es war ein Abschied ohne Wiedersehen, ein Ende im Rausch der Vereinigung, bei der, wie man heute weiß, auch manch gutes Stück auf dem Flohmarkt wirtschaftlicher Interessen landete. Aber was soll’s. Heute sitzt die Adam Opel AG in der alten thüringischen Autostadt, hat dort eines ihrer modernsten Werke überhaupt hingestellt und gibt rund 2000 Menschen Arbeit. Immerhin.

Aber irgendwie hat es der Wartburg immer ein wenig schwerer gehabt, auch zu DDR-Zeiten. Sogar gegenüber dem kleinen Bruder Trabi. Wie Genosse Günther Mittag dachten damals viele im und um das Politbüro herum, und er sprach es offen aus: „Für unsere Arbeiter reicht der Trabant“. Deshalb und auch wegen der allgemeinen Materialknappheit wurden alle Versuche des „VEB Automobilwerk Eisenach“, den Wartburg besser auszustatten, ihm beispielsweise eine Viertaktmotor einzubauen, von oben abgebremst und unterbunden. Erst 1988 war dies möglich, zuvor blieb es beim Zweitakter, dem „Wartburg 353“, der dennoch in mehr als 20 Jahren in einer überraschend großen Modellvielfalt (elf verschiedene Ausführungen) insgesamt 1 224 662 mal in 55 Länder verkauft wurde.

Vom Autobau hat man in Eisenach immer schon viel verstanden. Seit 1898 werden dort, am Fuße der Wartburg, Autos gebaut. Als eine der ersten Firmen in Deutschland wagte dies die „Fahrzeugfabrik Eisenach“, nachdem man zuvor vor allem Fahrräder und Protzen, Lafetten, Geschützwagen sowie Feldküchen produziert hatte. Der erste große Verkaufserfolg stellte sich schnell ein: „Dixi“ hieß das Gefährt, das jahrzehntelang in unzähligen Modellen, von der Luxuslimousine über Coupé bis zum Kleinwagen, gefertigt wurde. Ende der Zwanziger Jahre übernahmen die Bayerischen Motorenwerke das finanziell angeschlagene Werk und baute weiter „Dixis“, nun allerdings mit dem Markenzeichen „BMW“ und in Lizenz den britischen „Austin Seven“.

Für die Münchner war dies der Einstieg ins Automobilbaugeschäft, nachdem man zuvor vor allem Flugzeugmotoren, Bremsen und Motorräder hergestellt hatte. Auch nach dem Krieg wurden im inzwischen sowjetisch besetzten Eisenach weiter „BMWs“ gebaut, allerdings, ohne jeden Einfluss der Münchner, die dann 1951 gerichtlich erwirkten, dass der Name nicht mehr geführt werden durfte.

Nur rund drei Wochen nach dem letzten Wartburg lief am 30.4.1991 auch der letzte „Trabi“ vom Band, jene kultige „Rennpappe“, deren Markenzeichen ein unvergleichliches Tuckern war, verbunden mit einem jaulenden „Jimm Jimm Jimm Jimm“, scheußlichem, ungesund blauem und infernalisch stinkendem Rauch aus dem Auspuff, der sich hartnäckig in der Luft hielt, auch wenn er längst fort war. Sein Äußeres behielt in den 33 Jahren, die es ihn gab, den unverfälschten Charme der 50er Jahre. Die Frontpartie erinnerte ein wenig an Edgar Wallace und seinen „Frosch mit der Maske“, er bestand in den meisten Teilen nicht aus Blech, sondern aus Duroplast, so dass nicht verschraubt, sondern geklebt wurden.

Rund zweieinhalbmillionen Fahrzeuge vom Typ „Trabant“ wurden insgesamt gebaut, nachdem er auf der der Leipziger Herbstmesse 1958 erstmals vorgestellt wurde. Und von da an hatten alle den „Trabi“ lieb. Für viele Menschen im Osten Deutschlands war das alles andere als schnittige Gefährt ein Stück ihres Lebens, ein Symbol für den bescheidenen Luxus im ersten und einzigen Arbeiter- und Bauernstaat auf deutschem Boden, von dem man jahrelang träumte und dann ebenso lang und auch länger fuhr.

Der„Trabi“ war ein mit Hingabe gepflegter Teil der Familie, dessen große Stunde immer dann schlug, wenn man am Wochenende ins Grüne fuhr, zum Spazierengehen und Kaffeetrinken. Man war stolz auf seinen Trabi. Technisch und von der Ausstattung war er allerdings nicht auf der Höhe der Zeit – nur ganz am Anfang, als der „Ur-Trabi“, der Trabant P 50 mit 499 ccm Hubraum, einer Motorleistung von 18 PS und einer Spitzengeschwindigkeit von 90 Kilometern in der Stunde, sogar seinem westlichen Pendant, dem berühmten „Leukoplastbomber“ Lloyd aus Bremen überlegen war, der nur zehn PS und eine Höchstgeschwindigkeit von 75 km/h auf die Nachkriegsstraßen brachte. Aber aus dem Lloyd wurde noch in den 50er Jahren der nicht minder berühmte Lloyd Alexander TS mit atemberaubenden 107 km/h während der Trabi in all den Jahren nur marginale Änderungen erfuhr.

Heute gehört er nicht nur zur Automobilgeschichte, ähnlich wie die anderen legendären Motorkutschen, die in den Werken Horch und Audi der früheren Auto Union in Zwickau gebaut wurden, sondern er ist und bleibt ein Stück deutscher Kulturgeschichte - auf ewig unlösbar verbunden mit der Geschichte des geteilten und dann vereinigten Deutschland.

Die letzten Opfer

2010-04-09T16:55:00.003+02:00

10. Mai

Es gibt Geschichten, die sollten immer wieder erzählt werden, weil sie so viel aussagen über die grausamen Mechanismen von Krieg und Gewalt, deren Unmenschlichkeit man sich heute, fast 65 Jahre später, kaum mehr vorstellen kann, die aber mahnen, so etwas nie wieder geschehen zu lassen. So wie in der Geschichte von Fritz Wehrmann und zweier seiner Kameraden, Alfred Gayl und Martin Schilling.

Hätte Fritz Wehrmann, der aus Leipzig stammte, als Junge nicht immer wieder Fahrradausflüge in den Hamburger Hafen unternommen und hätte ihn dabei nicht die Sehnsucht erfasst, zur See zu fahren, dann wäre all das, was folgte, wohl nie geschehen. Wehrmann diente, wie seine Kameraden, gegen Ende des Krieges auf einem Schnellboot in der Geltinger Bucht, als sie am 4. Mai 1945 aus dem dänischen Rundfunk erfuhren, dass Deutschland gegenüber England kapituliert hatte. Also beschlossen die drei: Wir wollen nach Hause. Aber sie hatten Pech.

Dänische Hilfspolizisten griffen sie auf und anstatt zu sagen, dass sie zu ihren Familien wollten, behaupteten sie, sich nach Kurland durchschlagen zu wollen. Vielleicht hätten sie die Wahrheit sagen sollen, damit hätten sie möglicherweise menschliches Verständnis ausgelöst, aber das ist nicht sicher. So aber kamen sie vor ein Kriegsgericht und der Chef der Schnellboote und damit oberste Gerichtsherr Kommodore Rudolf Petersen verurteilte sie zum Tode. Das war am 9. Mai , also ein Tag nach der deutschen Kapitulation und ein Tag, nachdem Petersen höchstpersönlich die Reichskriegsflagge eingeholt hatte. Die drei wurden am 10. Mai 1945 hingerichtet, die Leichen in der Ostsee versenkt.

Ihre Familien erfuhren erst viele Monate später davon.

1953 kam es zu einem Gerichtsverfahren vor dem Hamburger Landgericht. Petersen und die anderen Richter wurden wegen Totschlags und Rechtsbeugung angeklagt. Und sie wurden freigesprochen. Die Mutter Alfred Gayls nahm daraufhin sich das Leben, Anna, die Mutter von Fritz Wehrmann, kam später in ein Pflegeheim und starb in geistiger Umnachtung.

Der ehemalige Kommodore Petersen arbeitete als Handelvertreter und wurde wenige Monate nach dem Freispruch Leiter der Hanseatischen Yachtschule in Glücksburg. Außerdem arbeitete er für den Militärischen Abschirmdienst der Bundeswehr.

Er fand ein seltsamen Tod. Als dem damals 77jährigen in der Silvesternacht Jugendliche beim Öffnen der Haustür Böller ins Gesicht warfen, erschreckte ihn das so sehr, dass er am 2. Januar 1983 starb.

Klar ist, dass wir heute diese Geschichte nur mit Empörung und Abscheu beurteilen, denn wie kann man jemanden wegen eines Kriegsverbrechens verurteilen, wenn der Krieg schon vorbei ist? Und wieso kann es überhaupt ein Verbrechen sein, nach Hause zu wollen wie Fritz Wehrmann, der sich Sorgen um seine Mutter machte, da in Leipzig „der Russe“ war?

So handeln doch keine Menschen. Oder?

Petersen hätte die drei, ohne selbst irgendetwas befürchten zu müssen, mit einem einzigen Federstrich begnadigen können und hätte damit Leben gerettet. So denken wir heute. Aber dem Kommodore und allen anderen war seit Jahren immer wieder eingeimpft worden: „Auf Fahnenflucht steht der Tod!“ und danach richteten sie sich, wie Marionetten ohne Herz. Sie haben sicher viele schlaflose Nächte verbracht, die Richter und die anderen Beteiligten wie der Marinepfarrer Klaus Lohmann, der sein Leben lang darunter litt, nicht energischer gegen die drohende Exekution vorgegangen zu sein. Aber, so Lohmann, sie hätten sich alle in einer „militärischen Mühle“ befunden, in der man nur unter Zwang handelte.

Uns, die wir heute leben, reicht eine solche Erklärung für diese unfassbare Tragödie nicht aus. Und das mit Recht. Der 19jährige Alfred Gayl schrieb wenige Minuten vor seiner Hinrichtung: „Wir sind die letzten Opfer des Krieges, genau so sinnlos wie alle anderen.“

Die Wunderwurzel

2010-04-09T16:44:00.002+02:00

9. Mai

Wenn ein Verbrechen durch irgendeinen glücklichen Umstand geklärt wird, so schaffte dies stets der berühmte „Kommissar Zufall“. Der Mann hat einen nahen Verwandten, „Professor Zufall“, der für unzählige wissenschaftliche Entdeckungen zuständig ist. Hätte beispielsweise in den 30er Jahren ein gewisser Russel Marker, ordentlicher Professor für Chemie an der Pennsylvania State University, seinen Urlaub nicht im Dschungel von Mexiko verbracht, so hätte wahrscheinlich nicht 1960 die US-Firma Searle & Co. die erste Antibabypille auf den Markt gebracht.

Marker stellte rein zufällig fest, dass die in Mexiko wildwachsende Yamswurzel, die von den Mexikanern Cabeza de negro genannt wird, einen Stoff enthält, aus dem man Progesteron herstellen kann, ein Sexualhormon, mit dem sich Schwangerschaften verhindern lassen.

Die Idee oraler Verhütung von Schwangerschaften durch die Einnahme weiblicher Geschlechtshormone war schon damals nicht ganz neu, die hatte schon der Österreicher Ludwig Haberlandt im Jahre 1921, aber die Forschung ging nicht recht voran. Vor allem religiöse Gruppen bekämpften jede Art von Empfängnisverhütung, in den USA gab es sogar eine gesetzliche Grundlage, den sogenannten Comstock Act aus dem Jahre 1873, in dem die Verhinderung von Schwangerschaften als „unzüchtig“ bezeichnet wurde, eine Haltung, die in weiten Teilen der katholischen Kirche auch heute noch zu finden ist. Die Enzyklika „Humanae vitae“, die Papst Paul VI. im Jahre 1968 erließ, vertritt beispielsweise die Auffassung, dass Geschlechtsverkehr und „gottgewollte Fortpflanzung“ untrennbar miteinander verknüpft seien.

So hatten der Chemiker Gregory Pincus von der Worchester-Stiftung für Experimentalbiologie in Shrewsburg im US-Bundesstaat Massachusetts und der Gynäkologe John Rock Ende der 50er Jahre große Widerstände zu überwinden, als sich erneut die Yams-Wurzel vornahmen und aus ihr einen neuen Stoff gewannen, mit dem der zur Schwangerschaft führende Eisprung verhindert werden konnte. Sie nannten es Norethynodrel, erprobten es an 1308 Freiwilligen und stellten daraus die erste Antibabypille her, die am 9. Mai 1960 in den USA unter dem Namen „Enovid“ freigegeben und 1961 auch in Deutschland als „Anovlar“ verkauft wurden.

All diese Wissenschaftler hatten ihre Verdienst, die „Mutter der Antibabypille“, auch wenn dieser Titel paradox erscheint, war eine Amerikanerin. Margaret Sanger, geborene Higgings, die 1883 im Staate New York geboren wurde, führte Zeit ihres Lebens einen erbitterten Kampf und schließlich erfolgreichen für die Einführung von Geburtenregelungen. Sie stammte selbst aus einer bitterarmen weil vielköpfigen Familie, hatte zehn Geschwister und musste mit ansehen, wie ihre Mutter völlig erschöpft schon sehr früh starb.

Margaret Sanger wurde Entbindungsschwester in der Lower East Side in Manhattan und sah dort tagtäglich die unendliche Not junger Frauen, die ungewollt schwanger geworden waren und die verzweifelt versucht hatten mit allen möglichen meist lebensbedrohlichen Methoden das werdende Kind abzutreiben. Es waren so viele Todesfälle zu beklagen, dass Margaret Sanger eines Tages beschloss, etwas zu unternehmen. Sie eröffnete mitten im ersten Weltkrieg, im Jahre 1916, in Brooklyn eine Klinik, in der interessierte Frauen alles erfahren konnten, was man zur Verhütung von Schwangerschaften tun konnte.

Damit verstieß Margaret Sanger allerdings gegen geltendes Recht. Ihre Klinik wurde von der Polizei geschlossen, sie wanderte ins Gefängnis. Aber sie gab nicht auf. Schon im Jahre 1927 trommelte sie Gleichgesinnte zu einer ersten „World Population Conference“ zusammen. 1947, zwei Jahre nach Ende des Zweiten Weltkriegs, gründete sie die erste internationale Gesellschaft für gezielte Familienplanung.Ein paar Jahre später traf sie mit dem späteren „Vater der Antibabypille“, dem oben schon erwähnten Biologen Gregory Pincus zusammen, und es spricht einiges dafür, dass sie es war, die ihn zu seinen intensiven Forschungen anregte.

Margaret Sanger starb im Alter von fast 83 Jahren 1966 in Tucson in Arizona, erlebte also noch die erste Pille zur Verhütung von Schwangerschaften, die die wichtigste Voraussetzung war für vernünftige Geburtenkontrolle in aller Welt. Dafür hatte sie ihr Leben lang gekämpft.

Wenn Träume fliegen

2010-04-09T16:34:00.003+02:00

9. Mai

Jedes Kind und vor allem jeder Jugendliche träumt davon, endlich erwachsen zu sein, endlich das tun zu können, was er will, ohne Reglementierung durch Eltern, Lehrer oder sonst wen. Jeder? Nein nicht jeder. Es gibt da einen Jungen, der wollte partout nicht erwachsen werden Wenn man selbst erst einmal erwachsen ist, weiß man, dass er Recht hat.

Seit dem 27. Dezember 1904 hatte „Peter Pan, der Junge, der nicht erwachsen werden wollte“ seine Uraufführung im „Duke of York’s Theatre“ in London, geschrieben von dem Schotten Sir James Matthew Barrie, der am 9. Mai 1860 geboren wurde.

Seit dieser Peter Pan auf der Welt ist, lieben ihn die Kinder, ihn und Glöckchen, die kleine Fee mit dem Zauberstaub, Wendy und ihre Brüder, die mit Peter Pan all die haarsträubenden Abenteuer besteht und sie fürchten Käpt’n Hook und sie lauschen, ob das Krokodil kommt, das Krokodil, das den Wecker verschluckt hat. Und sie fliegen mit Peter und Wendy nach Nimmerland und später werden sie sich wünschen, dort, im Land der Träume, geblieben zu sein, das Land, in dem die kleine Indianerin Tiger-Lilly lebt und die verlorenen Jungs, wo die gefährlichen Piraten lauern, wo aber schließlich alles gut endet.

Man kann nur Rührung empfinden, wenn man erfährt, wie „Peter Pan“ entstanden ist. Barrie hatte nämlich selbst keine Kinder, aber er spielte gern mit den Söhnen seiner Freunde Sylvia und Arthur Llewelyn Davis, fünf Jungen sowie mit einem Bernhardiner, den er von seiner Hochzeitsreise aus der Schweiz mitgebracht hatte. Ihre Bühne war Kensington Gardens in London (wo heute ein Denkmal steht) und sie spielten eigentlich immer dasselbe Spiel: James Barrie war Käpt’n Hook und die Jungen wechselten sich in ihren Rollen ab. Eines Tags entstand dann die Idee, aus dem Stehgreifspiel ein Theaterstück zu machen, denn Barrie war vom Fach. Er hatte schon mehrere Stücke geschrieben und war recht erfolgreich. Aber „Peter Pan“ stellte alles in den Schatten.

Kurze Zeit später starben Barries Freunde innerhalb weniger Monaten an Krebs und der „Peter-Pan“-Dichter entschloss sich, die fünf Waisen zu adoptieren. Wenn man das weiß, erklärt sich schnell, warum Wendy ihren Vater am Schluss fragt, ob er nicht die fünf verlorenen Jungen, die sie aus Nimmerland mitgebracht hat, adoptieren wolle. Auch die ewige Jugend Peter Pans findet in Barries Biographie eine Wurzel. Er wuchs nämlich als eins von zehn Kindern im schottischen Kirriemuir auf. 1866, als er sechs Jahre alt war, starb der Liebling seiner Mutter, sein Bruder David, und der kleine James versuchte für sie die Rolle des ewig jungen David zu übernehmen, um ihn so für seine tieftraurige Mutter unsterblich zu machen.

In den mehr als 100 Jahren, seit Peter Pan erstmals auf einer Bühne gespielt wurde, gibt es unzählige Aufführungen dieses wohl berühmtesten Kinderstücks der Weltliteratur. Allein drei Mal wurde ein Musical aus dem Stoff, 1927 von Jerome Kern, 1950 von Leonhard Bernstein und 1954 von Jerome Robbins. 1953 drehte Walt Disney den erfolgreichsten Peter-Pan-Zeichentrickfilm, dem noch einige folgten.

1991 drehte Hollywood-Guru Steven Spielberg „Hook“ mit Robin Williams und Dustin Hoffman in den Hauptrollen, im April 2004 kam eine weitere Peter-Pan-Verfilmung in die Kinos mit Jungstar Jeremy Sumpter. Und vor Kurzem folgte ein weiteres Werk, das sich mit diesem Thema beschäftigt, allerdings diesmal mit dem Schwerpunkt auf der Biografie von James Matthew Barrie. Der deutsche Titel: „Wenn Träume fliegen lernen.“ Hauptrolle: Jonny Depp.

All diese Filme machen sicher nicht nur den Zuschauern Freude, sondern besonders den kleinen Patienten des „Great-Ormond-Street-Kinderkrankenhauses“ in London., dem Sir James im Jahre 1929 die Einnahmen aus sämtlichen Lizenzen überschrieb. Acht Jahre später starb der große Kinderbuchautor. Er wurde in seinem Heimatort in Schottland begraben.

Übrigens: Neben der Film- und Musikindustrie entdeckte noch eine Branche Peter Pan: Es sind die Psychotherapeuten. Menschen, die unter einem „Peter-Pan-Syndrom“ leiden, sind nicht bereit Verantwortung zu übernehmen, sie weigern sich, die Lebensregeln der Erwachsenen zu akzeptieren und sie wollen nichts anderes als ihren Spaß. Manchmal hat man den Eindruck, dass diese Erkrankung beginnt, die Ausmaße einer Epidemie anzunehmen ...

Friedrich Schillers Kopf

2010-04-09T16:26:00.002+02:00

9. Mai

Er gilt als einer der größten Köpfe, die Deutschland je hervorgebracht hat und makabrerweise war es genau dieser Körperteil, der im Dezember 1827 in der Gruft des Herzogs von Sachsen-Weimar und Eisenach, Carl August, beigesetzt wurde - begleitet von einigen mehr oder weniger zufällig zusammengerafften Knochen. Zu diesem Zeitpunkt war Friedrich von Schiller, der geniale Schöpfer des „Wallenstein“ der „Räuber“ und des „Tell“, der Verfasser von „Kabale und Liebe“, „Maria Stuart“ und des „Don Carlos“, schon mehr als 20 Jahre tot. Er war am 9. Mai 1805 an einer Lungenentzündung gestorben.

„Es fuhr wie ein elektrischer Schlag über seine Züge, dann sank sein Haupt zurück, und die vollkommenste Ruhe verklärte sein Antlitz“, schreibt seine Schwägerin Karoline von Lengefeld über die letzten Sekunden im Leben des großen Dichters.

Sein Leichnam wurde, was schon reichlich seltsam ist für einen so berühmten Mann, nicht etwa mit großem Aufwand beerdigt, sondern sein Sarg wurde von 20 Weimarer Bürgern, die man zu diesem Zweck zufällig „rekrutierte“, in die Gruft des „Landschaftskassen Collegiums“ zu Weimar getragen und dort abgelegt - ohne Feier, ohne Predigt, ohne einen letzten Gruß.

Schiller wurde nur 45 Jahre alt. Sein Freund Johann Wolfgang von Goethe lebte auch noch, als zwei Jahrzehnte später der Weimarer Bürgermeister Karl Leberecht Schwabe sich anlässlich einer Renovierung der Gruft an Schillers Kopf erinnerte und Wissenschaftler bat, aus den 23 dort gefundenen Schädeln den des Dichters herauszufinden. Das scheint auch gelungen.

Der Herzog verfiel nun auf die etwas kauzige Idee, den Totenschädel in den Sockel einer Büste des großen Dichters zu stellen, aber das regte die Bevölkerung auf, so dass Carl August schließlich klein beigab und die sterblichen Überreste des „deutschen Shakespeare“ in der herzoglichen Gruft beisetzen ließ.

Schillers väterlicher Freund Goethe war schon hoch in den Siebzigern, als all dies geschah, er starb erst am 22. März 1832 im Alter von 82 Jahren und wurde in derselben herzoglichen Gruft beigesetzt. Bernd Eichmann, Autor des lesenswerten Buches „Denkmale deutscher Vergangenheit“, schreibt darüber: „Die fürstliche Grabstätte macht die ungleichen Freunde im Tode gleich. Etwas abseits von zahlreichen (groß)-herzoglichen Särgen aus vier Jahrhunderten stehen im Halbdunkel zwei braun gebeizte Eichensarkophage auf niedrigen Postamenten. „Goethe“ steht in bronzenen Buchstaben auf dem rechten, „Schiller“ auf dem linken der Zwillingssärge, die Goethe einst entwarf. Es fällt kaum Licht in diese öde Gruft; allein durch einen Deckenrost zum Obergeschoss ist die Decke des Grabtempels, ein blaugemalter Himmel mit goldenen Sternen, zu sehen.“

Über das Verhältnis der beiden deutschen Dichter-Heroen ist schon viel geschrieben und spekuliert worden, es war wohl nie ganz so entspannt, wie es das berühmte Doppeldenkmal vor dem Weimarer Nationaltheater auszudrücken scheint. Auch die Größten sind halt nicht vor menschlichen Untugenden wie Eifersucht und Überheblichkeit gefeit.

So klingt es schon reichlich gönnerhaft, wenn Goethe über die Jugendwerke seines Freundes sagt: „Besonders seine ersten Stücke, die er in der ganzen Fülle der Jugend schrieb, wollen kein Ende nehmen. Er hatte zuviel auf dem Herzen und zuviel zu sagen, als dass er es hätte beherrschen können. Später, als er sich dieses Fehlers bewusst war, gab er sich unendliche Mühe und suchte ihn durch Studium und Arbeit zu überwinden; aber es hat ihm damit nie recht gelingen wollen. Seinen Gegenstand gehörig beherrschen und sich vom Leibe zu halten und sich nur auf das durchaus Notwendige zu konzentrieren, erfordert freilich die Kräfte eines poetischen Riesen.“

Aber Schillers Tod hat Goethe wohl schon tief getroffen. Vergeblich versucht er Schillers unvollendeten „Demetrius“ abzuschließen. Seinem Sekretär Johann Peter Eckermann sagte er, ihn habe unerträglicher Schmerz bei der Nachricht vom Tode Schillers ergriffen und er sei „in traurigster Einsamkeit umfangen“ - eine ungewöhnliche Regung des als kühl und unnahbar geltenden Herrn Geheimrat, der auf den jüngeren Schiller immer wirkte „wie eine Prüde, der man ein Kind machen muss“.

Das seltsame Leben des Orson Welles

2010-04-09T16:14:00.003+02:00

6. Mai

Der 10. Oktober sollte im Leben des großen Schauspielers und Regisseurs Orson Welles eine ganz besondere Rolle spielen. Am 10. Oktober 1938 erlebte er seinen spektakulärsten Erfolg, genau 47 Jahre später, am 10. Oktober 1985, starb er in Los Angeles. Sein größter Coup war damals unvergessen und ist es heute noch: An jenem Herbsttag im Jahre 1938 wurden die Menschen an der Ostküste der Vereinigten Staaten Opfer einer noch nie dagewesenen Massenhysterie. Es war der erste Geniestreich des späteren Weltstars, der am 6. Mai 1915 geboren wurde.

Tausende versuchten aus den Städten zu fliehen, nur fort in die Berge. Die Ausfallstraßen waren verstopft, durch die verwaisten Straßen zogen Plünderer, einige Menschen nahmen sich sogar das Leben. Alles nur, weil besagter Orson Welles in einer fiktiven Rundfunkreportage von der Landung Außerirdischer in New York berichtete. Atemlos schilderte er die Vorbereitung der „Marsmenschen“ zur Vernichtung der Menschheit.

Den Hinweis, dass es sich lediglich um ein Hörspiel frei nach H.G. Wells Roman „Der Krieg der Welten“ handelte, bekamen nur noch die wenigsten mit. Alle anderen hatte die Apparate bereits in Panik verlassen und liefen ziellos durch die Straßen.

Orson Welles war mit einem Schlag ein berühmter Mann.Er sollte noch zweimal Geschichte, in diesem Fall Filmgeschichte, schreiben. 1941 schuf er ein Meisterwerk, bei dem auch heute noch Cineasten mit der Zunge schnalzen: Mit „Citizen Kane“ erreichte der noch relativ junge Film einen seiner unbestrittenen historischen Höhepunkte. Kaum ein anderer Film erreichte je wieder die ästhetische Komposition der Bilder und die perfekte Nutzung der vorhandenen technischen Möglichkeiten.

Das der Film auch finanziell ein Erfolg wurde, was bekanntlich ja nicht für jedes Kunstwerk gilt, verdankt Welles dem Umstand, dass mit ihm ein handfester Skandal verbunden war. Der allmächtige Zeitungsverleger William Randolph Hearst meinte sich in dem Pressetycoon Charles Foster Kane in Welles Film wiederzuerkennen. Vor allem die Passagen mit dem völlig talentlosen Filmsternchen Susan Alexander ärgerten den immerhin 78 Jahre alten Hearst, denn er hatte selbst gerade eine heiße Liebesgeschichte mit der nicht besonders erfolgreichen Schauspielerin Marion Davies.

Randolph Hearst besaß zuletzt insgesamt 38 Zeitungen und Zeitschriften inklusive eigenem Nachrichtendienst, dem „International New Service“, war also ein wirklich einflussreicher Mann. Vielleicht fühlte sich Hearst auch ertappt, da Welles in dem Film sein Erfolgsrezept, nämlich Sensation um jeden Preis, gnadenlos enthüllt. Obwohl der Pressezar alles tat, um den Start des Film zu verhindern, ihn am liebsten in Flammen aufgehen lassen wollte, gelang es ihm erfreulicherweise nicht, „Citizen Kane“ zu unterdrücken.

Nach diesen überwältigenden Erfolgen als Rundfunkmann und Filmregisseur setzte Orson Welles 1949 noch ein Glanzlicht, das seinesgleichen sucht. Diesmal als Schauspieler. Nur zehn Minuten ist er insgesamt in Carol Reeds Meisterwerk „Der Dritte Mann“ als Penicillin-Schieber Harry Lime zu sehen und dennoch beherrscht er den ganzen Film - ebenso unvergesslich wie die Zittermusik des Anton Karas. Nichts hält die Dramatik, Tristesse und Brutalität der Schwarzmarktzeit kurz nach Ende des Zweiten Weltkriegs eindruckvoller fest als „Der dritte Mann“.

Für Welles war es der dritte Geniestreich. Es blieb sein letzter. Er drehte zwar noch zahlreiche Filme, der Schwung seiner jungen Jahre aber war dahin. Er drehte vorrangig Shakespeare-Filme, 1962 wagte er sich an Franz Kafkas „Der Prozeß“. Er hatte große Ambitionen, die viel Geld verschlangen und kaum etwas einbrachten. Welles verdiente es sich in meist recht lustlos gespielten Nebenrollen. Nach Aussagen seines langjährigen Sekretärs Maurice Bessy waren ihm diese Rollen herzlich gleichgültig, aber sie ermöglichten ihm das Überleben.

„Jeder, der sich für den lächerlichen Beruf eines Filmemachers entscheidet, hat verdient, was ihm widerfährt“, hat Orson Welles einmal gesagt. Ihm widerfuhr Merkwürdiges: In den ersten 35 Jahren seines Lebens wurde er zum Mythos, zu einem legendären Giganten des Films. Dann gab es einen seltsamen Bruch. Nichts lief mehr so richtig und in den zweiten 35 Jahren seines Lebens dümpelte der große Orson Welles irgendwie im Mittelmaß herum.

Eastmans Geistesblitz

2010-04-09T16:09:00.002+02:00

5. Mai

Menschen der ersten Stunde sind oft nicht sehr erfolgreich, wenn es um die Sicherung ihrer Errungenschaften geht. Häufig in der Geschichte wurden gute Ideen geklaut oder von cleveren Geschäftemachern aufgekauft und ausgebeutet. Nicht so war es im Falle von George Eastman, der am 5. Mai 1885 ein Patent auf den Rollfilm und am 4. September 1888 ein Patent für eine Rollfilm-Kamera erhielt und rund drei Jahre später in Trenton (New Jersey) die Eastman Kodak Co. gründete - heute noch ein Unternehmen, das der Idee des ehemaligen Bankangestellten endgültig zum Durchbruch verhilft: Fotografieren für Jedermann.

Eastman war 26 Jahre alt, als er im Jahre 1880 in Rochester damit begann, seinen großen Traum zu verwirklichen, der Menschheit jene Plackerei zu ersparen, die in den Anfangsjahren mit der Fotografie verbunden waren: Entwickeln, Kopieren, Vergrößern war nur unter großem Aufwand möglich, eine komplette Foto-Ausrüstung (u.a. Trockenständer, Plattenhalter, Schalen, Dunkelkammerzelt, Kamera, Stativ) war so umfangreich und schwer, dass man einen Lastesel gebraucht hätte, um alles zu transportieren.

Eastmans Vater starb jung, er musste sich als Botenjunge durchschlagen und fand dann mit 20 einen Posten bei einer Bank. Nachts experimentierte er in der Küche mit seinen Apparaten, manchmal schlief er neben dem Herd ein. Ein großer Durchbruch gelang Eastman, als er einen Transparent-Rollfilm aus durchsichtigem Zelluloid herausbrachte, wobei er die Erfindung John Wesley Hyatts nutzte, der an einem Wettbewerb eines Billard-Kugel-Hersteller teilgenommen hatte. Gesucht wurde ein Material, das das teure Elfenbein ersetzen konnte. Hyatt nahm Kollodium, das man zur Beschichtung von Fotoplatten benutzte, fügte Kampfer hinzu. Die Masse war formbar und nach dem Trocknen tatsächlich hart wie Elfenbein.

George Eastman stellte in seinem Laboratorium mit diesem Stoff Versuche an und es gelang schließlich, einen durchsichtigen Film herzustellen. Zu seiner großen Ernüchterung musste er aber schon bald feststellen, dass es dafür bereits ein Patent gab. Ein gewisser Reverend Hannibal Goodwin hatte es ein Jahr zuvor angemeldet. Elf Jahre dauerte der Streit, Goodwin starb darüber hin, schließlich aber kassierte seine Witwe eine Entschädigung in Millionenhöhe.

Für Eastmans Firma waren solche Summen inzwischen kein Problem, denn der Verkauf von Kameras mit Rollfilm lief wie geschmiert, vor allem, nachdem Eastman die erste echte Amateurkamera unter dem Namen „Kodak“ herausgebracht hatte. „Kodak“ - dieses Wort hatte sich Eastman höchstpersönlich ausgedacht. „K“ war sein Lieblingsbuchstabe und „Kodak“ gefiel ihm deswegen so gut, weil das Wort „kurz und bündig, schroff und hart“ ist, ein Wort, das einem „wie ein Schlitzverschluss ins Gesicht schlägt.“

Die „Kodak Nr. 1“, eine der berühmtesten Kameras der Welt, wurde darüber hinaus mit einem genialen Werbespruch unter die Leute gebracht „You push the button, we do the rest“ (Sie drücken den Knopf, wir machen alles andere).1895 baute Eastmans Firma 25 000 Kameras, die sich wie geschnitten Brot verkauften, im Jahre 1900 kam ein neuer Verkaufsknüller hinzu, die berühmte „Brownie“ eroberte den Markt, eine kleine handliche Kamera, besonders für Kinder gedacht, die nur einen Dollar kostete.

George Eastman, der Buchhalter, der eine Weltindustrie gründete, war zu diesem Zeitpunkt ein gemachter Mann. Aber er behielt nicht alles für sich. Er wurde ein großer Mäzen und Stifter. Allein dem „Massachusetts Institute of Technology“ stiftete er als „Mr. Smith“ 20 Millionen Dollar, kaufte Zahnkliniken, sorgte für seine Angestellten wie ein Vater. George Eastman, der sein Leben lang Junggeselle blieb, kannte außer der Fotografie nur ein Hobby: Kochen und essen. Im Alter litt er an Diabetes, was ihn veranlasste, sich am 14. März 1932 zu erschießen. In einem Abschiedsbrief schrieb er: „Mein Werk ist getan - warum warten?“

Übrigens: George Eastman wäre wahrscheinlich nie ein weltbekannter Mann und millionenschwerer Unternehmer geworden, wenn nicht der Chef seiner Bank, in der er als junger Mann arbeitete, einen guten Posten, der frei geworden war, nicht ihm, sondern einem nahen Verwandten gegeben hätte. Eastman war über diese offensichtliche Ungerechtigkeit so entsetzt, dass er kündigte und sich nur noch seiner großen Leidenschaft widmete. Was beweist: Jede Niederlage birgt auch eine Chance. Man muss sie nur sehen und ergreifen ...

Der Geist der Klosterfrau

2010-04-09T16:01:00.002+02:00

5. Mai

Der Geist der Melisse hilft den Menschen schon seit vielen Jahrhunderten, aber erst eine unternehmungslustige Nonne verhalf ihm dazu, ein berühmtes Produkt zu werden, das fast jeder Deutsche kennt – Klosterfrau Melissengeist. Und das kam so: Maria Clementine Martin wurde am 5. Mai 1775 in Brüssel geboren, als Tochter eines aus Tirol stammenden Offiziers in den „Österreichischen Niederlanden“ (heute in etwa das Gebiet von Belgien und Luxemburg), die durch einen politisch seltsamen Kompromiss aus dem spanischen Erbfolgekrieg an die Wiener Habsburger gefallen waren. Maria Clementine Martin wollte immer schon dem Herrn dienen und ging so schon im Alter von 17 Jahren in ein Kloster, in das der Heiligen Anna in Coesfeld im westlichen Münsterland.

Es waren schwierige Zeiten. In Frankreich tobte die Revolution, die von einem machthungrigen Napoleon Bonaparte abgelöst wurde, der 1802 die Auflösung sämtlicher Klöster beschloss, was 1803 dann auch St. Anna traf.

Aber in den zehn Jahren zuvor hatte die junge Frau in dem Garten des Klosters ein umfangreiches Wissen über Heilkräuter erworben, was ihr Leben einschneidend prägen sollte.

Dabei spielte die Melisse eine große Rolle, eine Pflanze, die fast einen Meter hoch werden kann und deren Blätter in den Fingern zerrieben, einen charakteristischen Zitronengeruch ausströmt, der auf Bienen so verlockend wirkt, dass die Griechen sie „Melissa“ tauften, was so viel heißt wie „Honigbiene“.

Auch die alten Römer kannten ihre Heilkraft und brachten sie mit in den germanischen Norden, wo Karl der Große dann anordnete, dass ein jeder, der dazu in der Lage war, einen Kräutergarten anzulegen hatte, in dem natürlich auch Melisse nicht fehlen durfte – half sie doch als Linderungsmittel bei Nervenschmerzen, Rheuma, Geschwüren und offenen Wunden. Im Mittelalter nannte man die Melisse auch „Mutterkraut“, weil sie von zahlreichen Frauenbeschwerden wie Übelkeit bei Schwangerschaft befreien kann. Die Urmutter aller Kräutermütterlein, die Heilige Hildegard von Bingen, deren Erkenntnisse auch heute noch gepflegt werden, nannte sie „Bienenauge“, die das „Herz freudig macht.“

Maria Clementine Martin wusste das alles und sie hatte nicht nur heilende, sondern auch sehr geschickte Hände, von denen der alte Feldmarschall Blücher gehört hatte, der sie 1815 zur Pflege seiner verwundeten Soldaten auf dem Schlachtfeld von Waterloo einsetzte. Aber Schwester Maria Clementine half nicht nur den Preußen, sondern auch Napoleons Franzosen. Sie setzte sich so selbstlos und aufopferungsvoll ein, dass ihr vom Hof in Potsdam eine Rente genehmigt wurde, die sie von den gröbsten finanziellen Sorgen befreite – und den Grundstock lieferte für ein zwar riskantes, schließlich aber höchst erfolgreiches Unternehmen.

Maria Clementine Martin hatte eine lange Wanderschaft durch Westfalen und Brabant hinter sich, auf der sie immer wieder Kranke und Todgeweihte pflegte und ihre selbstgemischten Heilwasser verkauft, als sie sich 1825 in Köln niederließ, der Welthauptstadt der duftenden und pflegenden Wässerchen, auch Eau de Cologne, Kölnisch Wasser, genannt.

Dies umfasste durchaus nicht nur zahlreiche Mischungen aus Alkohol und Blütenöl, die Wohlgeruch ausströmten, sondern auch Arzneimittelchen. Und da sie immer einen hohen Alkoholanteil von bis zu 80 Prozent enthielten, wurden sie auch gern und reichlich getrunken.

Also, in einem Novembertag 1825 machte sich die 50 Jahre alte Maria Clementine auf und gab in der Kölnischen Zeitung eine Anzeige auf, in der sie „ein sich selbst empfehlendes echtes Kölnisch Wasser anbietet“, das so schnell und reißend Abnehmer fand, dass die tapfere Ordenschwester aus dem Orden der Annunziatinnen ein paar Monate später einen Betrieb gründete, in dem sie das „Ächte Spanische Carmeliter-Melissenwasser“ anbot.

Und sie schaffte es, in einer Zeit, in der gnadenlos und ohne Folgen erfolgreiche Produkte nachgemacht wurden, ihren Melissengeist unverwechselbar zu machen. Ihr Trick: Sie besorgte sich die Genehmigung, den preußischen Adler auf dem Etikett zu führen, was selbst die abgebrühtesten Kopisten nicht nachzumachen wagten.

Als Maria Clementine Martin am 9. August 1843 starb, da kannte und betrauerte sie die ganze Stadt. Und ihr Unternehmen gibt es heute noch und dies mit wachsendem Erfolg, denn „nie war er so wertvoll wie heute.“

Die Milch ist sicher

2010-04-09T07:37:00.004+02:00

9. April

Er sorgte dafür, dass wir heute unbesorgt Milch trinken können, indem er Wein erhitzte und so das „Pasteurisieren“ erfand. Am 9. April 1865 präsentierte der Vater der Mikrobiologie seine Entdeckung, dass zahlreiche Krankheiten durch Mikroorganismen ausgelöst werden und dass kurzzeitiges Erhitzen sie abtötet. Aber nicht nur deshalb war Louis Pasteur einer der ganz Großen in der Welt der Wissenschaft. In Frankreich ist er ein Nationalheld und aus dem nach ihm benannten Institut stammen seit Verleihung der ersten Preise im Jahre 1900 nicht weniger als acht Nobelpreisträger.

Zu Lebzeiten war er alles andere als unumstritten, der Louis Pasteur, aber wer wundert sich schon über Widerstände, wenn ein Physiker und Chemiker sich in Dinge einmischt, die eigentlich nur Mediziner etwas angehen? Aber die Herren Doktores mussten schließlich doch einsehen, dass dieser artfremde Wissenschaftler ihnen völlig neue Erkenntnisse in der Bakteriologie, Immunologie und Antisepsis bescherte, die heute noch Grundlage sind für die Beschäftigung mit allen Arten von Bakterien und andere Mikroorganismen, die immerhin 60 Prozent der Biomasse unseres Planeten ausmachen.

Louis Pasteur brauchte eine Menge Zeit, um festzustellen, dass weitaus die meisten dieser einzelligen Lebewesen durch Erhitzen abgetötet und somit Gärungs- und Zersetzungsprozesse in Flüssigkeiten zumindest hinausgezögert werden. Pasteur beschäftigte sich zunächst mit den, wie es seinerzeit genannt wurde, „Krankheiten des Weines“ und stellte fest, dass es ein Pilz war, der Wein zu Essig werden lässt und dass dies verhindert wird, wenn man den Rebensaft ein paar Minuten auf 69 bis 75 Grad erhitzt. Und dass darunter der Geschmack kaum leidet.

Ganz neu war das zwar auch nicht, denn schon rund 100 Jahre zuvor hatte der Italiener Lazarro Spallanzani festgestellt, dass sich keine neuen Mikroben bilden, wenn eine Flüssigkeit abgekocht und luftdicht verschlossen wird. Aber er konnte sich nicht durchsetzen. Dazu musste schon ein Louis Pasteur her, um der weitverbreiteten Meinung entgegenzutreten, dass Gärung und Fäulnis rein chemische Vorgänge seien.

Seine Forschungsergebnisse ließen Louis Pasteur noch einen entscheidenden Schritt weiter gehen. Er nahm an, dass diese winzig kleinen Organismen, die man nur unter einem Mikroskop erkennen kann, auch für den Menschen bedrohende Krankheiten verantwortlich sind, dass Tiere sich infizieren und dass man etwas dagegen tun kann. Da war zum Beispiel jene eigenartige Krankheit, die 20 Jahre lang die Seidenraupen-Zucht in Frankreich fast zum Erliegen brachte. Pasteur fand heraus, dass dafür winzige Keime verantwortlich waren, die von einer Raupe zur anderen übertragen wurden. Er lernte, wie man infizierte Tiere erkannte, sie aussortierte und schaffte es so, eine ganze Industrie zu retten.

Und dann machte er noch einen großen, genialen Schritt, der allerdings etwas durch Zufall gesteuert wurde. Pasteur hatte mit dem Erreger der sogenannten Hühnercholera herumexperimentiert, und eine der Kulturen stand ungewollt ein paar Wochen herum. Als Pasteur diese Kultur dann doch einem Huhn einverleibte, starb dieses nicht, wie es eigentlich normal gewesen wäre, sondern es überlebte auch noch weitere Angriffe von Hühnercholera, die jedes andere Huhn getötet hätten. Pasteur schloss messerscharf: Durch das Herumstehen waren die Erreger abgeschwächt worden und konnten so nicht mehr voll angreifen, sondern sie gaben dem Körper die Chance, die Eindringlinge abzuwehren. Pasteur hatte die Impfung erfunden, der seitdem Millionen von Menschen ein längeres Leben verdanken.

So auch der 1886 neun Jahre alte Joseph Meister aus dem Elsass, der von einem tollwütigen Hund gebissen worden war und mit Sicherheit gestorben wäre, wenn die Krankheit ausgebrochen wäre. Dies kann unter Umständen sehr schnell gehen, aber auch bis zu zehn Jahre dauern. Nach dem Ausbruch ist Tollwut auch heute noch unheilbar. Aber Joseph Meister hatte Glück, dass ihm Louis Pasteur 13 Injektionen seines bis dahin noch nicht erprobten Impfstoffes verabreichte und damit der Ausbruch verhindert wurde. Joseph Meister wurde später Gärtner in Pasteurs Institut in Paris. Er starb 1940, 45 Jahre nach Louis Pasteur, der am 28. September 1895 im Alter von 72 Jahren verschied.

Angeblich beging Joseph Meister Selbstmord, weil ihn deutsche Soldaten gezwungen haben sollen, den Leichnam des verehrten Louis Pasteur auszugraben. Aber das ist eine andere Geschichte ...

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Die Geburt Preußens

2010-04-08T07:28:00.004+02:00

8. April

Es war wirklich überhaupt nicht abzusehen, dass aus jener unbedeutenden Landschaft weit im Osten Europas einmal jene kriegslüsterne europäische Großmacht wachsen würde, die den Königreichen wie Frankreich, Österreich oder England den Schlaf rauben würde.

Denn Preußens Geburt am 8. April 1525, war bescheiden und alles andere als furchterregend. Markgraf Albrecht von Brandenburg-Ansbach, letzter Hochmeister des legendären Deutschen Ordens, unterwarf sich, sein Land und sein Volk dem polnischen König Sigismund I. als Lehnsherrn, was der Preis dafür war, dass er sich nunmehr Herzog von Preußen nennen durfte.

Knapp 422 Jahre gab es dieses Preußen. Am 25. Februar 1947 verfügte der Alliierte Kontrollrat unter dem Eindruck preußischen Stechschritts im gerade beendeten Zweiten Weltkrieg: „Der Staat Preußen, der seit jeher der Träger des Militarismus und der Reaktion in Deutschland gewesen ist, hat in Wirklichkeit zu bestehen aufgehört.“

Aber hier soll ja nicht vom Ende die Rede sein, sondern vom Anfang und der war schwer genug. Als Albrecht von Brandenburg 1511 Hochmeister des Deutschen Ordens geworden war, erbte er ein wirtschaftlich kaum noch lebensfähiges von harten Reparationsforderungen gebeuteltes Land. Seine verzweifelten Versuche, im Deutschen Reich Hilfe zu erhalten, waren vergeblich, hierzulande hatte man andere Sorgen – vor allem waren alle mit der von Martin Luther initiierten Reformation beschäftigt.

Auch Albrecht lauschte den lutherisch geprägten Predigten des Nürnberger Pfarrers Osiander, war beeindruckt und beschloss, Protestant zu werden. Er besuchte Luther in Wittenberg und holte sich von ihm den Rat, seinen Ordensstaat in ein weltliches Gebilde umzuformen. Wenn man so will, stand also kein Geringerer als Martin Luther an der Wiege Preußens.

Schon 1523 wurde im Dom von Königsberg die erste evangelische Predigt gehalten.Noch wichtiger als die lutherische Ausrichtung war aber das organisatorische Geschick des neuen Herzogs. Er schuf eine Zentralregierung in Königsberg, gestützt auf erfahrene Verwaltungsfachleute des Deutschen Ordens. Außenpolitisch geschickt, heiratete Albrecht zunächst die dänische Prinzessin Dorothea, nach deren Tod Anna Maria von Braunschweig, pflegte mit König Wasa von Schweden gute Nachbarschaft und hielt sich so den Rücken frei. Er holte Glaubensflüchtlinge ins Land, Böhmen, Holländer, sogar Schotten.

Die Lebensverhältnisse besserten sich unter anderem durch umfangreiche staatliche Investitionen so sehr, dass Preußen auch für Polen und Litauer attraktiv wurde. Sie siedelten um. Albrecht förderte Wissenschaft (unter anderem Nikolaus Kopernikus) und Kunst, gründete 1544 die Universität Königsberg. 43 Jahre regierte Albrecht in Preußen, er starb im Alter von 78 Jahren am 20. März 1568. Am Ende war ihm die Macht entglitten und auch für Preußen sah es alles andere als gut aus, denn sein einziger Sohn Albrecht Friedrich war erkennbar schwachsinnig. Aber die straffe Verwaltungsstruktur hielt so lange, bis 1577 wieder eine starke Hand die Geschäfte übernehmen konnte, es war die von Georg Friedrich von Brandenburg. Aber das ist eine andere Geschichte ...

Der deutsche Orden
Der Deutsche Orden, die Ritter mit den weißen Mänteln mit dem schwarzen Kreuz, war 1190 in der Zeit der Kreuzzüge entstanden, zunächst als eine Art Sanitätstruppe, dann als Schutz für die Pilger ins Heilige Land, hatte sich aber schon bald neue Aufgaben außerhalb der Rangeleien mit den Muselmanen gesucht. Besonders hübsch fand es der berühmte Hochmeister Hermann von Salza offenbar an der Weichselmündung, wo man am Ostseestrand haufenweise Bernstein finden konnte und wo ausgesprochen heidnische Menschen lebten, die Pruzzen.

Und da man fleißig und gottesfürchtig war, eine Menge von schon damals fast preußisch anmutender Organisation und straffer Verwaltung verstand, wurde dieser „Ordensstaat“, gelenkt aus der „Zentrale“ in Marienburg, ein bemerkenswerter Erfolg. Man baute Städte und Burgen, kultivierte das Land, förderte die Literatur, aber es gab auch Neider. 1410 war es vorbei mit der Ordensherrlichkeit, die berühmte Schlacht bei Tannenberg (die erste, die zweite war gut 500 Jahre später im Ersten Weltkrieg) beendete die Herrschaft der Ritter als politischer Machtfaktor. Als karitativ tätige Ordensgemeinschaft gibt es den Deutschen Orden heute noch.

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Feuer am Stiel

2010-04-07T07:22:00.005+02:00

7. April

Bei diesem Namen hätte man eigentlich annehmen müssen, der Mann hätte etwas mit dem Brennen von Whisky zu tun. Aber nein - John Walker erfand etwas ganz anderes. Es war am 7. April 1827 im beschaulichen Stockton-on-Tees in der englischen Grafschaft Durham, als der Apotheker John Walker (geboren am 19. Mai 1781) seiner Lieblingsbeschäftigung nachging: Er experimentierte mit hausgemachtem Sprengstoff. Mit einem Holzstäbchen rührte er in einer Mischung aus Schwefelantimon, Kaliumchlorat, Stärke und Gummi arabicum.

Als er sich nach einiger Zeit das Holzstück ansah, entdeckte er einen kleinen Tropfen, der an der Spitze festgetrocknet war. Ärgerlich versuchte Walker das Tröpfchen zu entfernen und rieb das Holz auf dem Fußboden des Labors. Zu seiner grenzenlosen Überraschung zischte es plötzlich, es stank nach Schwefel und das Holz entzündete sich. John Walker hatte das Streichholz erfunden.

Für den Apotheker war seine Erfindung eher ein privater Spaß, den er Freunden gern vorführte, obwohl sich der Ruhm dieses „Feuers am Stiel“ rasch verbreitete, so dass Walker gezwungen war, die Insassen des örtlichen Armenhauses zu bitten, Holzspäne für ihn so zuzuschnitzen, dass er sie nur noch in seine leicht entzündliche chemische Mischung tauchen musste. Das übernahm er dann höchstpersönlich.

Dann ließ Walker Pappschachteln herstellen, auf denen stand: „Walker’s Friction Matches“. Daran, aus seiner Erfindung Geld zu machen, dachte er nicht. Er meldete noch nicht einmal ein Patent an. Wen wundert es, dass ihm jemand die Idee einfach klaute. Während einer Vorführung der neuen Zündhölzer in London erwies sich ein gewisser Samuel Jones als clever genug und ließ sich Walkers geistiges Eigentum unter der Nummer 6335 patentieren, nannte sie „Lucifer Matches“ und brachte sie in den Handel.

Es wurde ein riesiger Erfolg obwohl die Dinger ganz schrecklich nach Schwefel stanken und mit einer Aufschrift auf der Schachtel dringend davor gewarnt wurde, den Qualm einzuatmen. Die Folgen waren verhältnismäßig harmlos, zumindest gemessen an den Phosphorhölzchen, die der Franzose Charles Sauria produzierte. Diese stanken zwar nicht mehr, waren aber höchst giftig, wie man leider erst feststellte, nachdem es einige Todesfälle gegeben hatte. Erst 1911 brachte die amerikanische Firma Diamond Match Company die ersten ungiftigen Streichhölzer auf den Markt.

In Deutschland war es der Württemberger Jacob Friedrich Kammerer, der mit Hilfe von weißem Phosphor 1833 das erste Zündholz herstellte. Kammerer war ein vielseitiger Mann. Mit Sieben, Hüten, Patenttüten, Gummistiefeln und Gichtpapier hatte er bereits seine Zeitgenossen beglückt, aber auch revolutionäre Thesen verbreitet, was ihm Haft in der Festung Hohenasperg bei Ludwigsburg einbrachte. Zu allem Überfluss wurden seine Zündhölzer von der Bundesversammlung wegen ihrer latenten Gefährlichkeit verboten. Kammerer wurde seine Erfindung auch nicht im Ausland los. Er starb 1857 in einem Irrenhaus.

In der kleinen Weltgeschichte des Streichholzes darf der Name des sächsischen Tüftlers Rudolf Christian Boettiger nicht fehlen. Er entwickelte 1848 ein Sicherheitsstreichholz, wie es weitgehend heute noch verwendet wird. Die schwedische Zündholzindustrie erwarb sein Patent und hatte lange Zeit zumindest in Deutschland eine marktbeherrschende Position.

Ebenso interessant wie die Geschichte des Streichholzes ist die des Zündholzheftchens. 1896 gab es da den entscheidenden Durchbruch, als eine US-Brauerei 50 000 Stück bestellte, um damit zu werben. Eine gute Idee, die inzwischen tausendfach übernommen wurde und sogar im Zweiten Weltkrieg als Propagandamittel Furore machte. Die amerikanische Luftwaffe warf Millionen von Heftchen hinter den feindlichen Linien ab.

Die kurioseste Geschichte im Zusammenhang mit Zündhölzern kommt aber aus Frankreich. Das Standardwerk „Erfindungen der Menschheit“ berichtet von einem Grabstein auf dem Friedhof von Montmartre, auf dem im 19. Jahrhundert ein Grabstein gestanden haben soll. Er hatte folgende Inschrift: „Hier ruht Jerome Dubert, der Erfinder der nicht explodierbaren Zündhölzer. Er starb am 12, Mai 1878 infolge einer Explosion.“

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Der Millionen-Coup

2010-04-06T07:15:00.004+02:00

6. April

Am 6. April 1954 löste das US-Unternehmen C.A. Swanson & Sons eine Revolution in den Küchen dieser Welt aus, ohne eigentlich so richtig damit gerechnet zu haben: Es präsentierte das erste tiefgekühlte Fertiggericht im Fernsehen. Ihr Firmenkoch Gerry Thomas zelebrierte Putenbrust mit süßen Kartoffeln und Erbsen in einem Aluminiumtablett, wie man es damals in Flugzeugen benutzte. Man musste es einfach im Ofen erhitzen und schon war es fertig. Es war die Geburtsstunde des Fertiggerichts, „TV-Dinner“ wurde zum Renner.

Swanson war von dem Erfolg völlig überrascht. Statt der erwarteten 5000 Einheiten wurden schon im ersten Jahr insgesamt mehr als zehn Millionen verkauft, so dass die relativ bescheidene Firma die Gunst der Stunde nutzte und sich schon 1955 vom Lebensmittelkonzern „Campbell Soup Company“ übernehmen ließ.

Campbell hatte zuvor auf ganz ähnlichem Gebiet die USA erobert, mit Dosensuppen, und wurde später, genau 1962, auf einem ganz anderen Gebiet weltberühmt, als Andy Warhol seine 32 Bilder von Campbell-Suppendosen erstmals öffentlich zeigte und damit dem Begriff „Kunstgeschmack“ eine neue Variante hinzufügte.

Überhaupt waren vorgefertigte Gerichte nicht etwa eine Erfindung von Swanson, die gab es schon viel früher. In England hatten Reisende bereits Mitte des 18. Jahrhunderts einen getrockneten Fleischextrakt in Form von Würfeln bei sich, die, in heißem Wasser aufgelöst, zu „portable soup“ (tragbarer Suppe) mutierten. Wer der Erfinder des nahrhaften Reisebegleiters war, ist nicht bekannt. Ein Landwirtschaftsexperte namens Sir Hugh Plat erwähnt den Extrakt jedenfalls schon Ende des 16. Jahrhunderts. Im National Maritime Museum in London ist ein solcher Würfel aufbewahrt, den der große Seefahrer James Cook (1728 – 1779) von einer seiner drei Fahrten in den Pazifischen Ozean wieder mit nach Hause brachte.

Den Engländern folgten 1821 die beiden Franzosen Parmentier und Proust mit sogenannten Bouillontafeln und dann 1852 der deutsche Chemiker Justus von Liebig, der für eine Bekannte einen Fleischextrakt entwickelte, der zehn Jahre später in Lizenz in Südamerika in großen Maßstab produziert wurde, weil es dort einen ungeheuren Überschuss an Rindfleisch gab. Man züchtete nämlich die Tiere vor allem wegen ihrer Häute, Hörner und Knochen und es fielen somit Unmengen Frischfleisch an, das irgendwie verarbeitet werden musste, da es noch keine geeigneten Kühlmöglichkeiten gab.

Besondere Bedeutung hatten die Fleischwürfel bei der Verpflegung von Soldaten. Für Engländer und Deutsche gehörten sie im 1. Weltkrieg zur „Eisernen Ration“.

Eine weitere Variante von Fertiggerichten ist die 1867 von dem Berliner Konservenfabrikanten Johann Heinrich Grüneberg entwickelte Erbswurst, aus der unter Zugabe von Wasser eine gemessen an den persönlichen Ansprüchen mehr oder weniger genießbare Erbsensuppe entsteht. Grüneberg verkaufte seine Erfindung 1889 an die Brüder Knorr in Heilbronn, die sie bis heute herstellen für Expeditionen, Bergsteiger, aber durchaus auch für den hungrigen Wanderer.

Nachdem die Mikrowelle ihren Siegeszug antraten, wurde die Zahl der Menschen, die sich von Fertiggerichten ernähren, immer größer. Nach einer Studie der Techniker-Krankenkasse konsumiert jeder zehnte Deutsche häufiger als dreimal pro Woche ein Fertiggericht. Dies geschieht, obwohl den meisten Menschen bekannt ist, dass die Ernährung durch Fertiggerichte nicht der Gesundheit förderlich ist.

Ursachen für diesen seit Jahren anhaltenden Trend sind vor allem Zeitdruck, zunehmende Bequemlichkeit und die Tatsache, dass Familienmitglieder immer öfter zu unterschiedlichen Zeiten essen. Zudem steigt die Zahl der Single-Haushalte immer mehr an. Fertiggerichte sind sehr viel schneller zubereitet und setzen keinerlei oder kaum Kochkenntnisse voraus. Umfangreiche Werbekampagnen tun ein übriges, indem dem Konsumenten vorgespiegelt wird, jeder könne mit Hilfe von Tiefkühlware, Suppenpulvern oder „Gourmet-Saucen“ Schmackhaftes wie ein Sternekoch zaubern.

Unterdessen haben auch in der Gastronomie sogenannte Convenience-Produkte, also Halbfertiggerichte, eine überragende Bedeutung, da dadurch Personalkosten verringert und Vorratshaltung extrem erleichtert werden.

Fertiggerichten kann man heute kaum noch entkommen.

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Ein Mann voller Rätsel: Howard Hughes

2010-04-05T08:39:00.005+02:00

5. April

Einige seiner Zeitgenossen hielten ihn für extravagant, die meisten für total übergeschnappt - wenn sie ihn überhaupt kannten, den geheimnisvollen amerikanischen Milliardär Howard Hughes. Denn die letzten 18 Jahre seines Lebens verbrachte der schon zu Lebzeiten zur Legende gewordene Wirtschaftskapitän, Hollywood-Tycoon und Luftfahrtpionier vom Rest der Welt abgeschottet in abgedunkelten Räumen, ernährte sich, so heißt es, fast ausschließlich von Softeis, schnitt sich die Fußnägel nicht mehr und sammelte seinen Urin in sorgfältig desinfizierten Milchflaschen.
Bewacht wurde er von sieben Mormonen, die jeden Gegenstand, den er angefasst hatte, anschließend sofort mit Handtüchern abdecken mussten.

1966 zog er heimlich durch eine zuvor evakuierte Hotelhalle in die teuerste Etage des „Desert Inn“ in Las Vegas, blockierte die Luxussuiten und verärgerte durch seine extreme Öffentlichkeitsphobie die anderen Gäste. Die Hotelleitung sah sich gezwungen, ihren zwar gut zahlenden aber unbequemen Gast aufzufordern, woanders zu nächtigen. Hughes Antwort: Er ließ anfragen, was das Hotel kosten würde, man nannte ihm den total überhöhten Preis von 14 Millionen Dollar, der Milliardär zog sein Scheckbuch, kaufte die Edel-Bude und feuerte das Management.

Reich war Howard Hughes schon als er am Heiligenabend 1905 im texanischen Houston zur Welt kam. Seine Eltern waren der millionenschwere Ölbohrer und Besitzer von „Hughes Tools Company“ Howard Robert „Bo“ Hughes und seine überkandidelte Ehefrau, die Millionenerbin Allene Gano. Howard jun. konnte es sich deshalb leisten ein lausiger Schüler zu sein. Er entwickelte allerdings schon früh viel Interesse an Technik. Er bekam eine Werkstatt, durfte sein eigenes Motorrad zusammenschrauben und von einer Karriere als Golfer oder Pilot träumen.

Aber da war ja auch noch Onkel Rupert, der Bruder seines Vaters, der die boomende Firma und den 18jährigen, nachdem beide Eltern gestorben waren, unter seine Fittiche nahm. Rupert Hughes schrieb, wie das Leben so spielt, als Drehbuchautor für Samuel Goldwyns Filmstudios und so geriet der junge Heißsporn fast zwangsläufig ins Filmgeschäft, zumal ihn die Herstellung von Bohrköpfen für die Ölförderung zu langweilen begann. Der Laden brummte, auch ohne dass er sich besonders darum kümmern musste und brachte eine Menge Geld ein, Geld, das er mit vollen Händen in Hollywood wieder ausgab.

Er hatte inzwischen geheiratet, ließ sich aber schon bald wieder scheiden, die Verlockungen der Szene, namentlich die von Katherine Hepburne, waren einfach zu groß. 1930 drehte er „Hell’s Angels“, den seinerzeit teuersten Film aller Zeiten, wobei er weder sich noch das Personal schonte. Da es sich um einen Film über die Luftkämpfe des 1. Weltkriegs handelte, stürzten mindestens drei Piloten tödlich ab. Hughes selbst wurde schwer verletzt, als eine seiner Maschinen abschmierte.

Hollywood blieb bis in die 60er Jahre einer von vielen Schauplätzen, auf denen sich Hughes tummelte. 1956 beispielsweise produzierte er den Abenteuerfilm „Die Eroberer“, der erst sehr viel später in die Schlagzeilen geriet, weil auffällig viele Darsteller, unter ihnen John Wayne und Susan Hayward, an Krebs starben. Der Grund: Die Dreharbeiten fanden in einem von Atombombenversuchen total verstrahlten Gelände in Nevada statt.

Howard Hughes hatte inzwischen ein weiterer Virus erfasst: Die Fliegerei. Er machte seinen Pilotenschein, arbeitete, typisch Hughes, ein paar Monate unerkannt als Gepäckträger bei American Airlines, kaufte sich dann aber doch ein Luftfahrzeug und sauste damit durch die Gegend, nahm an Wettflügen teil, stellte sogar einige Rekorde auf, entwarf schließlich sein eigenes Flugzeug. Dieses, die „Hughes 1“, hatte einige interessante Neuheiten zu bieten wie ein einklappbares Fahrwerk und war außerdem so schnell wie kein anderes seiner Zeit. 1939 kaufte er sich die kränkelnde Luftfahrtgesellschaft TWA und brachte sie wieder auf die Beine.

Ganz nebenbei sorgte er dafür, dass einer seiner Hollywood-Schützlinge, die junge und noch völlig unbekannte Jane Russell, das Interesse der Medien erregte – nicht unbedingt wegen ihrer schauspielerischen Fähigkeiten, sondern wegen ihrer ausgeprägten sekundären Geschlechtsmerkmale, die sie, sich lüstern im Heu räkelnd, ansatzweise zeigte und so im puritanisch prüden Amerika für handfeste Skandale sorgte. Der umtriebige Howard kümmerte sich auch hier um alles, bis in die Einzelheiten. So empfahl er dringend, dass Jane Russell niemals ohne Büstenhalter herumlaufen sollte, da dies, was er sehr genau wisse, „ein für sie sehr nötiges Kleidungsstück“ sei. Und da er gerade dabei war, erfand er gleich den Halbbüstenhalter, der später erfolgreich in Serie ging.

Doch mit Film und Flug hatte Hughes noch lange nicht genug. Er mischte auch kräftig im Geheimdienstgeschäft mit. Welche Rollen er dabei genau spielte, ist bis heute noch nicht endgültig geklärt, da es sich um ein anscheinend unentwirrbares Knäuel aus Hughes Industrie-Imperium, der organisierten Kriminalität und dem US-Geheimdienst CIA handelt. Verwickelt war Hughes in die geplante Ermordung Fidel Castros, aber wahrscheinlich auch in die John F. Kennedys, was möglicherweise sogar direkt zusammenhängt. Jedenfalls laufen auffällig viele Fäden bei Howard Hughes zusammen.

Hughes galt immer schon als begeisterter Geldgeber und Unterstützer republikanischer US-Präsidenten. Er brachte Richard Nixon an die Macht und übernahm 1959 die Bohrrechte an einer Kuba vorgelagerten Insel, die dem späteren CIA-Direktor und US-Präsidenten George Bush sen. gehörten und der CIA als Basis für die Beobachtung der Karibik-Insel diente. Die engen Kontakte zwischen Nixon und Hughes wurden übrigens seinerzeit von einem prominenten Bundesanwalt untersucht. Sein Name: Robert Kennedy. Er wurde bekanntlich später ermordet.

So gesehen kann man kaum an einen Zufall glauben, dass es Hughes war, der in den 30er Jahren das Texas Theatre in Dallas baute, in dem Kennedy-Attentäter Lee Harvey Oswald 1963 bis zu seiner eigenen Ermordung festgehalten wurde. Das Theater galt als geheime CIA-Zentrale. Dass Hughes auch in die Watergate-Affäre 1972 verwickelt war, überrascht nun nicht mehr, ging es doch beim Einbruch in das Wahlkampfbüro der Demokraten durch die Nixon-Mitarbeiter (übrigens alles alte Bekannte aus der Zeit des Mordversuchs an Fidel Castro) darum, Unterlagen zu vernichten, die die Verbindung von Hughes und Nixon offengelegt hätten.

Im selben Jahr 1972 bat die CIA, die offenbar trotz aller Abgeschiedenheit immer noch einen Draht zu Hughes hatte, den Milliardär darum, bei der Hebung eines vor Hawaii in 5 000 Meter Tiefe liegenden sowjetischen U-Boots behilflich zu sein. Hughes verschleierte das ganze als wissenschaftliche Expedition zur Erforschung von Manganknollen in der Tiefsee. Das ganze Projekt flog auf, als sowjetische Agenten in Hughes Büros einbrachen und Moskau „Operation Jennifer“ ans Licht brachte.

Wie auch immer.

Am 5. April 1976 starb Howard Hughes an Nierenversagen. Das war ausgerechnet über Texas und ausgerechnet in einem Flugzeug. Ob das die Wahrheit und nichts als die Wahrheit ist, kann man ruhigen Gewissens bezweifeln. Sicher ist nichts, wenn es um Howard Hughes geht ...

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Die Scrabble-Saga

2010-04-04T08:28:00.004+02:00

4. April

Wer hätte gedacht, dass in einer kleinen Stadt mit dem schönen Namen Poughkeepsie, 140 Kilometer von New York City entfernt, ein Mann etwas erfinden würde, das bis heute um die 100 Millionen Mal verkauft worden ist? Der Mann hieß Alfred Mosher Butts, wurde am 13. April 1899 in eben jenem Poughkeepsie geboren worden, und arbeitete ebenfalls dort als Architekt, bis er in der großen US-Wirtschaftskrise den Job verlor. Und was kann man schon machen in Poughkeepsie mit so viel Freizeit? Ohne Fernsehen, die Lokalzeitung hat man schnell durch, das Wetter ist zu schlecht, um Spazieren zu gehen. Also spielt man.

Aber Alfred Mosher Butts war der Meinung, dass Würfel- oder sonstige Glückspiele langweilig sind. Und Schach war ihm zu anstrengend. Und da er gern mit Worten spielte, dachte er sich eine Kombination von Glück und Können aus, ein Spiel, bei dem Buchstaben zu Wörtern zusammengesetzt werden müssen. Er nahm sich die New York Times und zählte mühsam die Buchstaben, um festzustellen, welche häufiger und welche seltener vorkamen. Dann erfand er ein Punktesystem und damit war es auch schon fast geschafft. Er gab seinem Kind auch einen Namen: „Lexiko“.

Butts schrieb die Spiele-Giganten Parker Brothers und Milton Bradley (in Deutschland besser bekannt als „MB“) an. Aber die sagten ab. Und auch das Patentamt fand zuviel Haare in der Suppe. Butts Antrag wurde 1933 abgelehnt.

Butts arbeitete wieder als Architekt, bastelte aber zu Hause weiter an seinem Lexiko, stellte im Laufe der Jahre ungefähr 200 Spiele her, die er teilweise verkaufte oder an Freunde verschenkte. Und er feilte weiter daran. Da Kreuzworträtsel damals einen regelrechten Boom erlebten, dachte er sich eine Kombination aus. Er nannte das Spiel jetzt „New Anagrams“, „Alph“ „Criss-Cross“ und „Criss-Crosswords“, er veränderte die Regeln, ersann ein Brett, auf dem gespielt wurde und reichte es 1938 noch einmal beim Patentamt ein. Es blieb ebenso erfolglos wie seine Werbebriefe an die großen Spielehersteller. Dann kam der Krieg und die Welt hatte andere Sorgen.

Und dann geschah ein kleines Wunder: 1948, also 17 Jahre nachdem Butts die ersten Versuche gestartet hatte, mischte sich sein Freund und Berufskollege James Brunot ein. Der liebte dieses Spiel und konnte und wollte nicht begreifen, warum es nicht erfolgreich war. Brunot einigte sich mit dem Erfinder, bot ihm eine Lizenz an und krempelte die Ärmel hoch. Er entrümpelte die ziemlich unübersichtlichen Regeln, machte alles noch ein wenig gefälliger. Und jetzt nickte das Patentamt plötzlich. Dann dachte er über einen neuen Namen nach. Er nannte es „Scabble“, das kaum zu übersetzen ist, aber in etwa die Bedeutung von „wie wahnsinnig herumkritzeln“ hat. Am 16. Dezember 1948 wurde das Warenzeichen eingetragen.

Aber immer noch ging das Geschäft nur schleppend. Wie schon zuvor Butts bastelte auch Brunot samt Ehefrau im Wohnzimmer ihres Eigenheims in Newton im US-Bundesstaat Connecticut täglich ein paar Spiele zusammen. Um die 2000 im Jahr kamen zusammen, aber das rechnete sich einfach nicht. 1952 war Brunot kurz davor aufzugeben. Dann ein neues Wunder: Jack Strauss, allmächtiger Boss des New Yorker Kaufhauses „Macy’s“ war im Urlaub auf den Scrabble-Geschmack gekommen. Wieder zurück in Big Apple rief er seine Spielzeugabteilung an: „Schickt mir doch mal ein paar von diesen Scabble-Dingern.“ „Haben wir nicht.“ „Was?“ Und so wurde „Macy’s“ der erste Großkunde und stieg mit Scabble mächtig in die Werbung ein.

Das war natürlich in Heimarbeit nicht mehr zu schaffen. Zunächst wurden die Spiele „rationiert“, was aber die Nachfrage weiter anheizte. Aber jetzt war es für Brunot natürlich viel einfacher, einen professionellen Hersteller zu finden. Selchow and Righter bekamen den Zuschlag. Sie hatten das Spiel zuvor mehrmals abgelehnt. Später sicherte sich dann doch noch „MB“ die Rechte an Scabble, 53 Jahre nachdem Milton Bradley nichts von dem Spiel wissen wollte – allerdings nur für die USA und Kanada.

James Brunot starb 1984, erlebte ebenso wie der Erfinder Alfred Butts den weltweiten Siegeszug des Spiels noch mit. Butts starb am 4. April 1993, fast 94 Jahre alt, was wieder einmal beweist, dass geistige Betätigung im Alter den Menschen fit hält.

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Karpfenragout mit Schweinefleisch

2010-04-03T07:37:00.003+02:00

3. April

Zwei Worte waren es, nur zwei kleine Worte, die sie unsterblich machten: „Man nehme“. Denn so begannen alle Rezepte von Deutschlands erster erfolgreicher Kochbuchautorin, Henriette Davidis. Sie war ein Kind des 19. Jahrhunderts, wurde 1801 geboren, als Napoleon gerade Konsul geworden war, und sie starb 75 Jahre später, am 3. April 1876 in Dortmund.

Dazwischen lag ein Leben voller Widersprüche: Entgegen dem, was sie in ihren Büchern predigte, in denen sie die Rolle der Frau ausschließlich am Herd und im Kinderzimmer sah, in denen sie sie als Dienerin ihres hart arbeitenden Mannes beschrieb, die zu Hause bleibt, wäscht, bügelt und kocht, blieb Henriette Davidis selbst unverheiratet und hatte nur ein Ziel: Die erfolgreiche Vermarktung ihrer Bücher.

Es war nicht das einzig Moderne an der Tochter eines Pfarrers aus Wengern, heute Stadtteil von Wetter an der Ruhr. Sie hatte nämlich durchaus den Mut, überraschende kulinarische Kombinationen vorzuschlagen und ist so direkte Urahnin von Kochgrößen wie Tim Mälzer oder Eckard Witzigmann.In ihr Karpfenragout mit Aal und Schweinefleisch beispielsweise gehören jeweils 1 Kilogramm Karpfen, Aal und gepökeltes Schweinefleisch, Zwiebeln, Champignons, Rotwein und Fleischbrühe. Die Menge ist für acht Personen ausreichend, da damals in der Regel mehr Menschen gemeinsam am Tisch saßen als heute. Für Henriette Davidis war das sowoeso selbstverständlich. Sie hatte zwölf Geschwister.

Auch viele der Tipps, die viele Jahrzehnte später der Papst der „Nouvelle Couisin“, Paul Bocuse, seinen Jüngern auf den Weg gab, finden sich schon bei Henriette Davidis. Sätze wie „für den Ankauf der Lebensmittel wähle man die Zeit, in der diese am besten und billigsten zu haben sind, woraus dem Haushalt ein wesentlicher Vorteil erwächst. Zugleich sehe man darauf, stets gute Ware einzukaufen. Man kaufe das Beste an Gemüsen, Fleisch, Federvieh, Butter und Mehl, und obgleich solches teurer bezahlt werden muss, so wird man doch beim Verwenden bald die Erfahrung machen, dass gute Ware auf jeden Fall billiger ist als schlechte, billiger bezahlte Lebensmittel. Trotzdem sei man genau so sparsam, ob man nun größere oder nur kleinere Vorräte hat, da sonst der Vorteil des großen Ankaufs verloren geht. Man sei auch darauf bedacht, die Vorräte gut aufzubewahren, und versäume nicht, von Zeit zu Zeit nachzusehen, damit nicht das Geringste verdirbt und auch das Kleinste seine verständige Verwendung findet“, hätten auch vom Meister selbst stammen können.

In ihren Büchern gibt Henriette Davidis wertvolle Ratschläge, wie jenen, dass man die Küche immer gut lüften müsse, weil sich Speisedünste auf Geruch und Geschmack der Speisen legten, wodurch es unmöglich sei, die Speisen in richtiger Weise abzuschmecken. Und am besten sei überhaupt eine Küche, deren Fenster nach Norden zeige, dann würde es drinnen nie so warm.

Dennoch sind die Rezepte der Henriette Davidis für zeitgenössische Hobbyköche nicht immer ganz leicht nachzukochen, schon weil ihre Gerichte häufig viel Zeit benötigen und sie natürlich auch noch nicht über die modernen technischen Hilfsmittel verfügte. Welcher Aufwand beispielsweise getrieben werden musste, um Speisen warm zu halten, illustriert Henriette Davidis Bauanleitung für eine selbstgebaute „Kochkiste“: „Jede genügend große Kiste mit passendem Deckel eignet sich hierzu. Die Kiste wird am Boden und an den Seiten mit einer dichten Lage Heu ausgefüttert, ebenso der Deckel. Das Heu befestigt man mit Stoff, den man, über das Heu übergreifend, am Rande festnagelt. Um die Ausfütterung recht sauber zu erhalten, macht man für die betreffenden Geschirre Umhüllungen, am besten aus waschbarem Stoff. Nachdem die warmen Speisen in die Geschirre getan, versieht man diese mit der schützenden Umhüllung und stellt sie in die Kiste, wo sie aber dicht von Heu umgeben sein müssen. Schließt der Deckel gut, so nimmt man die Speisen sogar noch nach langer Zeit in fast unveränderter Temperatur wieder heraus. Gut eingerichtete Heukisten kann man auch zum Kochen selbst verwenden. Man stellt die Speisen in diesem Falle, nachdem man sie mit allem Nötigen versehen und angekocht hat, kochend in die Kiste, schließt diese sofort und nimmt nach der erforderlichen Zeit die Speisen fertig gekocht heraus.“

Eine weitere Schwierigkeit, „á la Davidis“ zu kochen, besteht darin, dass einige Zutaten heute nur äußerst schwer zu erhalten sein dürften. Selbst gut sortierte Fachgeschäfte werden große Schwierigkeiten haben, „Hirschziemer“ (Penis) oder „Laberdan“ (gesalzener Kabeljau auf holländische Art) zu besorgen. Und ganze Kalbsköpfe bekommt man schließlich auch nicht an jeder Ecke ...

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Casanovas Geheimnis

2010-04-02T07:52:00.006+02:00

2. April

Rein numerisch, das heißt, was die Anzahl der Liebschaften betrifft, kann ihm der Ex-Fußballprofi und in letzter Zeit etwas untergetauchte Popstar Julio Iglesias durchaus das Wasser reichen – falls dieser die Wahrheit sagt. Der berühmteste Frauenheld und Frauenflüsterer, den die Welt je gesehen hat, aber war zweifellos er: Giacomo Girolamo Casanova, der seinem ohnehin schon wohlklingenden Namen ein von ihm erfundenes „Chevalier de Seingalt“ hinzufügte - und das eigentlich nur, um ein paar Nonnen zu beeindrucken.

In den 73 Jahren seines Lebens, das am 2. April 1725 begann und am 4. Juni 1798 endete, hatte der gebürtige Venezianer, wie der deutsche Schriftsteller Hermann Kesten in mühsamer Kleinarbeit herausfand, 116 Geliebte, mit denen er, wie er es selbst ausdrückte „das Tier mit den zwei Rücken spielte“ (Iglesias hatte mehr als 3000 - eine einschlägige Hitliste finden Sie unter http://www.naanoo.com/blogartikel_11360_41.html).

Er war der Sohn einer Schauspielerin, die sich ihr Leben lang nicht sehr um den Sprössling kümmerte (der Vater war ohnehin schon sehr früh gestorben) und so musste sich der begabte Jüngling allein durchs Leben schlagen.

Dabei stellte er sehr schnell fest, dass es durchaus sinnvoll sein kann, hier und da ein wenig zu übertreiben, nicht immer ganz die Wahrheit zu sagen und überhaupt möglichst viel Eindruck zu schinden. So weiß man bis heute nicht ganz genau, ob er wirklich einen Doktorhut für Jurisprudenz der Universität Padua besaß oder ob er sich das ausgedacht hatte, wie so vieles in seinem Leben, das eigentlich ja bunt genug war, auch ohne, dass man etwas hinzudichtete.

Hübsch war der alte Schwerenöter, Abenteurer und Ganove eigentlich nicht, aber schlank und rank, was allerdings nicht allein seinen überwältigenden Erfolg bei Frauen erklärt. Er war charmant und elegant und brachte die Damen, was immer schon ein sehr zweckmäßiges Mittel war, sie für sich zu gewinnen, durch einen schier unerschöpflicher Vorrat an Bonmots und geistreichen Bemerkungen zum Lachen.

Außerdem hat er, was Frauen ganz besonders schätzen, fast alle seine Eroberungen wirklich geliebt, hat sich rührend und aufopferungsvoll um sie gekümmert und niemals in seiner Aufmerksamkeit nachgelassen. Und er hat sie, was wohl das eigentliche Geheimnis von Casanovas Glück bei den Frauen ist, stets ernst genommen und verehrt.

Das beste Beispiel ist seine allererste Geliebte, Bettina, die erst 13 Jahre alt war, als er sie eroberte. Er blieb auch bei ihr, als sie an Pocken erkrankte, nahm sogar in Kauf, dass er sich selbst ansteckte. Und er vergaß sie nicht. Viele Jahre später eilte er zu ihr, als sie todkrank danieder lag und hielt sie in seinen Armen, bis sie starb.

Casanova hatte nicht nur bei Frauen viel Glück und wenn es nicht zu ihm kam, so half er ein wenig nach. Einer gewissen Madame d’Urfé beispielsweise gaukelte er vor, er könne durch Geisterbeschwörung ihr Geschlecht verändern und kassierte dafür ein kleines Vermögen. Er hatte geradezu legendäres Glück beim Kartenspiel oder er schummelte, wenn es ausblieb. Ständig musste er sich duellieren und sein halbes Leben bestand aus Flucht: Mal entwich er über die Dächer aus den berüchtigten Bleikammern, dem Gefängnis Venedigs, viel häufiger aber nahm er Reißaus vor eifersüchtigen Ehemännern oder Vätern.

Zwischendurch traf er sich mit der Prominenz seiner Zeit, mit Voltaire, Jean-Jacques Rousseau und Friedrich d. Großen. Bis heute jedenfalls ist seine „Histoire de ma vie““, seine Lebensgeschichte, eines der buntesten, spannendsten und im übrigen auch kulturhistorisch wertvollsten Stücke der Welt-Literatur.

Geschrieben hat sie der alternde Casanova im Schloss der Herren von Waldstein in Dux, dem heutigen Duchcov in Nordböhmen am Fuße des Erzgebirges. Er war dort von 1785 an als Bibliothekar beschäftigt. Casanova schrieb seine Erinnerungen vor allem, um zu verhindern, dass ihn „der schwarze Verdruss umbrachte oder mir den Verstand raubte.“

Seine letzten Jahre verbrachte der alte Spitzbube in frömmlerischer Einsamkeit, voller Trauer über die verlorene Jugend und voller Entsetzen über die neue Zeit, die durch die Französische Revolution begonnen hatte. Und dennoch starb er nicht gern. „Der Tod“, so schrieb er, „ist ein Ungeheuer, das einen aufmerksamen Zuschauer aus dem Welttheater vertreibt, noch bevor das Stück, das ihn ungemein fesselt, zuende ist. Dieser Grund allein reicht schon, um ihn zu verabscheuen ...“

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Marlene und der "Blaue Engel"

2010-04-01T06:39:00.004+02:00

1. April

Weltstars aus Deutschland gibt es ohnehin nur eines Handvoll und der (bisher) wohl berühmteste ist Marlene Dietrich, die am 27. Dezember 1901 geboren wurde. Die Geschichte der Marlene Dietrich, das ist zugleich auch die Geschichte ihres berühmtesten Films, des „Blauen Engel“ - und zugleich ein Stück deutsche Geschichte.

Fast nämlich hätte die „UFA“ das Stück gar nicht gedreht, wenn sie nicht ihrem eigenen Produzenten Erich Pommer gehörig auf den Leim gegangen wäre. Die UFA gehörte 1930 nämlich schon seit drei Jahre zum Hugenberg-Konzern, der unmissverständliche Sympathien für nationales Gedankengut hegte, dem also ein Roman des Dichters Heinrich Mann äußerst suspekt sein musste. Denn Heinrich Mann machte sich mit Vorliebe über Deutschtümelei und Obrigkeitsstaat lustig. Und so griff Pommer zu einem kleinen Trick. Er kündigte an, einen Roman „von Mann“ verfilmen zu wollen, und jeder dachte es handelte sich um Thomas Mann, den Autor der „Buddenbrooks“. Und an Thomas hatte man bei Hugenbergs weniger auszusetzen als an seinem Bruder Heinrich, obwohl man auch ihn nicht gerade liebte.

Auch die Vergabe der Regie an den jungen Josef von Sternberg, den aufsteigenden Stern am Himmel Hollywoods, schmeckte den UFA-Verantwortlichen überhaupt nicht, da er eine seinerzeit gigantische Gage forderte. Aber auch erwar ein Glücksgriff. Denn ohne Josef von Sternberg wäre Marlene Dietrich möglicherweise nie ein solcher Weltstar geworden.

Marlene Dietrich war vor dem „Blauen Engel“ eine unbekannte Schauspielerin, die in Berlin in der Revue „Zwei Krawatten“ auftrat und nur einen einzigen Satz sagen durfte: „Darf ich Sie alle bitten, heute abend mit mir zu speisen?“. Sternberg sah sie und wollte sie als Lola. Wieder gab es Widerstand in der UFA-Chefetage. Immerhin hieß ihre Konkurrentin Lucie Mannheim, die erheblich bekannter als Marlene war und weitere Vorzüge besaß, wie Marlene in ihrer Biografie spitz bemerkt: „Sie hatte einen ziemlich breiten Hintern. Und außer ihrem schauspielerischem Talent besaß sie somit auch die Gabe, die Gunst von Emil Jannings zu gewinnen.“

5000 Dollar bekam Marlene Dietrich für ihre Rolle, Emil Jannings kassierte 200 000. Marlene kaufte sich dafür ihren ersten Nerz. Jannings war für Marlene nicht nur aus diesem Grund ein rotes Tuch. Sie fand ihn anmaßend und psychopathisch, vor allem, nachdem er ihr gesagt hatte, es würde nie eine gute Schauspielerin aus ihr werden. Alles das aber verhinderte nicht den Welterfolg des „Blauen Engel“ und die ungewöhnliche Karriere der Marlene Dietrich.

Am Tag der Uraufführung des Films am 1. April 1930 ging Marlene nach Hollywood, wo sie noch weitere sechs Filme mit Josef von Sternberg drehte (darunter „Marokko“ und „Shanghai-Express“) und schließlich Schuld am Scheitern der Ehe des Regisseurs war. 1939 nahm sie die amerikanische Staatsbürgerschaft an, weil sie mit einem von Hitler beherrschten Deutschland nichts zu tun haben wollte.

Erst 1960 kehrt sie zu einer Tournee nach Deutschland zurück, wo sie aber nicht überall freundlich empfangen wurde. Am 6. Mai 1992 starb Marlene Dietrich in Paris, wo sie ihre letzten Lebensjahre zurückgezogen verbrachte.

Das Geheimnis der ganz besonderen Aura, die Marlene Dietrich ihr ganzes Leben umgab, gehört sicher, dass sie ihre Neugierde auf das Leben auszuleben verstand. Obwohl verheiratet und Mutter einer Tochter (Maria Riva schrieb nach ihrem Tod eine enthüllende Biografie, die zum Bestseller wurde) durchlebte sie stürmische Liebesaffären mit Hollywood-Stas wie Claudette Colbert und Lili Damita oder die Schriftstellerin Mercedes d’Acosta. Sie machte 1932 Herrenanzüge für Damen gesellschaftsfähig, wozu wiederum von Sternberg beitrug, indem er sie in jedem seiner Filme in Herrenhosen zeigte.

Im „Lexikon der deutschen Film- und TV-Stars“ heißt es: „Mit ihrer maskulinen Singstimme wirkte sie wie ein Mann, der Frauen darstellt. Das gab ihr einen überlegenen, selbstironischen Zug.“ Und Marlene Dietrich selbst? Wie sah sie sich? „Ich bin nicht als Mann auf die Welt gekommen“, schrieb sie, „also will ich die beste Art von Frau sein.“

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Das Tomaselli

2010-03-31T07:17:00.007+02:00

31. März

„Ach Österreich! Jetzt hinuntergehen und im nahen Café Tomaselli einen doppelten Mokka trinken“. Der das denkt, ist ein Mörder, ein erfundener zwar, aber ein weltberühmter. Sein Name ist Tom Ripley und ausgedacht hat ihn sich die Krimiautorin Patricia Highsmith. Alles andere ist echt und für jeden, der Salzburg besucht, nachvollziehbar, denn das „Tomaselli“ gibt es als Kaffeehaus-Institution seit mehr als 300 Jahren und es ist damit (die Wiener ärgern sich schwarz darüber) das älteste durchgängig existierende Kaffeehaus der Alpenrepublik.

Obwohl das Tomaselli alles andere als ein Museum ist, sondern ein lebendiges, fröhliches Kaffeehaus mit einer bunten Gästemischung aus jungen Leuten, Touristen und Stammgästen, mit Melange und Einspänner, leckeren Torten, die vom Tablett angeboten (und gleich bezahlt) werden, Würstchen mit Kren und Omelett nature, würde man sich nicht wundern, wenn plötzlich Mozart durch die Tür kegelte - mitten hinein in jenes Stück unverwechselbare Kaffeehaus-Tradition am Alten Markt in Salzburg.

Es wäre ja auch seltsam gewesen, wenn es ausgerechnet in der Geschichte des Tomaselli kein Kapitel geben würde, in dem das „Wolferl“ mitspielt. Eine Hauptrolle ist es allerdings nicht, denn in der umfangreichen Korrespondenz der Familie Mozart wird das Etablissement nur selten erwähnt und wenn, dann nicht unbedingt sehr freundlich. So machte sich Wolfgang Amadeus einmal in einem Brief an seinen Vater darüber lustig, dass es dort „Erdbeereis voller Eisbrocken“ gäbe, dünne Limonade und „Mandlmilch ohne Mandeln“.

Besitzer des heutigen Tomaselli war zur Mozartzeit ein gewisser Anton Staiger aus dem oberbayerischen Weilheim, der in der langen Geschichte des Kaffeehauses eine wichtige Rolle spielte. Er war es nämlich, der aus dem am 31. März 1700 gegründeten eher bescheidenen Gasthaus das erste „Große Kaffeehaus“ der Stadt an der Salzach gemacht hat mit Billiard-Zimmer und „Tobakstüberl“, in dem die Gäste „Rauch trinken“ konnten.

Wolfgang Amadeus Mozart war eher selten im Tomaselli anzutreffen, er lebte ja auch in Wien, aber sein Vater Leopold war öfter da, so oft, dass er zusammen mit Mozarts Schwester Nannerl zu Staigers Beerdigung ging und seinem Sohn ausführlich darüber berichtete. Viele Jahre nach Mozarts Tod zog übrigens seine Witwe Constanze mit ihrem zweiten Ehemann, dem dänischen Diplomaten Georg Nikolaus Nissen, ins Hinterhaus des Cafés und die beiden begannen dort die ersten Seiten der ersten Mozart-Biografie zu schreiben.

Darin kann man lesen, dass Mozart 1781 seine „Salzburger Fesseln“ ablegte und endgültig nach Wien zog. Es war genau in jenem Jahr, als ein begabter Sänger aus Rovereto am Gardasee mit Namen Guiseppe Tomaselli nach Salzburg kam, dort Karriere machte und schließlich die Tochter eines Kaffeesieders heiratete. Ihr gemeinsamer Sohn Carl erlernte den Beruf des Zuckerbäckers und eines griff ins andere, als dieser 1852 von Theresia Staiger das Gebäude am Alten Markt erwarb.

In den seitdem vergangenen mehr als 150 Jahren hat sich viel verändert. Sogar das „Tomaselli“ lieferte einen kleinen, wenn auch wichtigen Beitrag, wurde dort doch tatsächlich 1891 der erste „Damensalon“ Salzburgs eröffnet (50 Jahre nach Wien in diesem Fall), nachdem es zuvor höchst unschicklich für eine Frau gewesen war, ein Kaffeehaus zu betreten.

Nach dem Ersten Weltkrieg gelang Salzburg dann der große Durchbruch als Touristenmekka. Am 22. August 1920 erlebte die Theaterwelt erstmals Hugo von Hofmannsthals legendäres „Jedermann. Das Spiel vom Sterben des reichen Mannes“ auf den Salzburger Festspielen, was zunächst nur mäßigen Erfolg hatte, dann aber, wie Stefan Zweig schrieb, aus der „uralten, antiquarischen, kleinen, im Schlaf schön hinträumenden Stadt die lebendigste, kulturellste Metropolis von Europa“ machte.

Die Folgen für das „Tomaselli“ waren entsprechend. Buchstäblich alle Welt traf sich dort, von Hofmannsthal über Max Reinhardt, dem genialen Jedermann-Regisseur, Helene Thimig, Paul Hartmann, sie alle verewigten sich im Gästebuch des Kaffeehauses.

In allerbester Kaffeehaus-Tradition wurde das „Tomaselli“ das Mekka für all die berühmten Mokka-Trinker aus Kunst, Politik, Sport und Gesellschaft von Nikki Lauda, Franz Josef Strauß, Österreichs Bundespräsident Kirchschläger bis hin zu Fritz Muliar und dem Dramatiker Thomas Bernhardt, der allerdings, obwohl eigentlich bekennender Kaffeehausfan, mit spitzer Feder schrieb: „Am Nachmittag treffen sich die Damen und Herren im Kaffeehaus, sie setzen sich an den Geschwätztisch im Tomaselli, die Frauen haben die Männer und die Männer die Frauen an der Hundesleine, stumpfsinnige Gemeinderäte mit dem Bürgermeisterposten in der Manteltasche; das stupide Lächeln der Lokalredakteure, der Zeitungsherausgeber, der Kritikanten; wassersüchtige Nullen.“

Am „Tomaselli“ tropft so etwas ab. Im Gegenteil. Voller Selbstbewusstsein erzählt der Salzburger Geschichtsprofessor Gerhard Ammerer all das in seinem Buch „Das Tomaselli“. Wenn man mehr als 300 Jahre auf dem Buckel hat, ist man über derartiges Kläffen erhaben ...

Blätterwald
Wenn Freizeitparkpläne platzen
Eine Million Besucher im Jahr und 300 neue Arbeitsplätze sollte der neue Freizeitpark „Discoveryland“ in Goldberg im mecklenburgischen Landkreis Parchim bringen – und jede Menge Hoffnung auf bessere Zeiten in dem strukturschwachen Landesteil. Als jetzt das Wirtschaftministerium in Schwerin den Antrag auf Staatszuschüsse prüfte, stellte man fest, dass ein Finanzierungskonzept der Betreiber für das 125-Millionen-Euro-Projekt fehlt. Das vermeldet die „Schweriner Volkszeitung“. Außerdem stamme der Antrag aus dem Jahr 2005. Fragt man sich nur, warum die Schweriner Bürokraten den ja wirklich ziemlich offensichtlichen Mangel erst jetzt bemerken. http://www.svz.de/nachrichten/lokales/luebz/artikeldetails/article/212/daumen-runter-fuer-goldbergs-discoveryland-1.html

Blätterwald
Versehentlich in D-Mark kalkuliert
Eine neue Idee, wie man bei der Kalkulation staatlicher Leistungen auf prima Zahlen kommt, ist jetzt in Kiel aufgetaucht. Man rechnet einfach nicht in Euro, sondern in D-Mark. Wie die „Kieler Nachrichten“ berichten. gab es diese Panne bei den Planungen für ein neues Städtisches Nahverkehrsnetz mit einer Stadtbahn. Weil man „versehentlich“ nicht in Euro, sondern in D-Mark gerechnet hatte, sanken die zu erwartenden Beträge bei der Kosten-Nutzen-Berechnung von 2,20 auf 1,90 für jeden investierten Euro. http://www.kn-online.de/lokales/kiel/144765-Versehentlich-mit-DM-kalkuliert.html

Blätterwald
Todesmasken der RAF-Terroristen
Das könnte Ärger geben: In der Esslinger Galerie „Villa Merkel“ werden jetzt erstmals die Totenmasken der RAF-Terroristen Gudrun Ensslin, Andreas Baader und Jan-Carl-Raspe ausgestellt, die sich 1977 im Hochsicherheitsgefängnis von Stammheim das Leben nahmen. Das berichten die „Stuttgarter Nachrichten“. http://www.stuttgarter-nachrichten.de/news/stuttgart-region/nachrichten.html/id/42c0c0f9-9c16-4a8e-a30b-86563e73c449

Wanderer zwischen Genie und Wahnsinn

2010-03-30T07:29:00.003+02:00

30. März

Für viele seiner Zeitgenossen war er ein Fall für den Psychiater - mindestens. Denn wer, und das mag als Erklärung gelten, schneidet sich schon ein Ohr ab, nachdem er sich mit einem Freund gestritten hat? Die Grenze zwischen Genie und Wahnsinn war bei dem großen holländischen Malers Vincent Willem van Gogh, der am 30. März 1853 in Zundern bei Breda geboren wurde, eben besonders fließend.

Dass van Gogh aber in erster Linie ein Genie war, das kann kaum besser bewiesen werden, als durch die Tatsache, dass im Jahre 1987 innerhalb von ein paar Monaten seine Bilder „Sonnenblumen“ und „Schwertlilien“ für die Rekordsumme von insgesamt knapp 83 Millionen Euro verkauft wurden.

Vincent van Gogh kannte sich aus in der Branche. Er arbeitete als junger Mann in zahlreichen Kunsthandlungen und es widerte ihn an. „Tulpenhandel“ nannte er das Feilschen mit Kunstwerken, die nach seiner Meinung eine ganz andere Behandlung verdient gehabt hätten. Und die Behandlung seiner eigenen Werke durch die zeitgenössische Kunstwissenschaft gibt diesem Urteil recht. Der Kirchenhistoriker Walter Nigg zitiert einen Kunstprofessor, der noch wenige Jahre nach van Goghs Tod verächtlich sagte: „So’n van Gogh schmiert da so’n Sonnenuntergang in einem Nachmittag zusammen, was soll das?“ und Nigg fährt fort, die Mehrheit der Kunsthistoriker hätten seinerzeit den Kopf über van Goghs Malerei geschüttelt.

Der Vater des später weltberühmten Malers war Pfarrer, was den jungen Vincent natürlich prägte. Und so wandte er sich nach den Enttäuschungen im Kunsthandel der Theologie zu. Mit nur wenig Erfolg. Er rauschte durch die Prüfungen, so dass er, statt der erhofften Pfarrstelle, als Missionar in die belgische Borinage geschickt wurde, dem belgischen Steinkohlerevier, in dem noch Ende des 19. Jahrhunderts unvorstellbare Armut herrschte.

Für den hypersensiblen van Gogh war dies natürlich alles andere als eine positive Therapie. Aber für die Weltkultur waren es entscheidende Monate im Leben eines der größter Kunstgenies, die es je gegeben hat - Vincent van Gogh begann zu zeichnen.

Der weitere Lebenslauf blieb vom Zufall abhängig und von der Unfähigkeit van Goghs, sich den starren und meist jeder Kreativität entgegenstenden Regeln einer künstlerischen Ausbildung unterzuordnen. Auch ein Studium an der Kunstakademie in Antwerpen, das ihm sein Bruder vermittelt hatte, endete im Desaster. Van Gogh war nun schon Mitte Dreißig und wusste nicht wohin.

Dann entschloss er sich, zu seinem Bruder Theo nach Paris zu ziehen, eine neue, wieder sehr wichtige Entwicklungsphase des Malers van Gogh begann. Er zog mit seinen neuen Freunden durch Montmartre, genoss, soweit er dieses Gefühl überhaupt kannte, die Bohème. Es waren namhafte Freunde. Unter ihnen Henri de Toulouse-Lautrec mit seiner Welt der Tänzerinnen, Dirnen und Zuhälter und Paul Gauguin, der spätere Südseemaler.

Die schwere Angstneurose, die van Gogh sein Leben lang begleitete, schwächte sich ab, seine Bilder wurden farbenfroher, insgesamt sehr viel heller. Aber gelang ihm nicht, obwohl er es oft versuchte, eine dauerhafte Beziehung zu einer Frau aufzubauen, auch ein wichtiger Aspekt bei der Beurteilung der Persönlichkeit des großen Künstlers.

1888, van Gogh war inzwischen 35 Jahre alt, ging er nach Arles in die Provence, lernte die Kraft der Sonne und des Lichts kennen, eine ganz neue Erfahrung für das Nordlicht, das er war. Er schwelgte in leuchtenden Farben, seine verschüttete tiefe Religiosität brach wieder auf, er träumte von einer neuen religiösen Kunst. Und er träumte von einem „Haus der Freunde“, das aber am Egoismus eben dieser Freunde, insbesondere Paul Gauguins, scheiterte. Tief verzweifelt schnitt er sich ein Stück seines Ohres ab, seine Stimmungen wechselten zwischen tiefen Depressionen und gewaltigen Tobsuchtsanfällen. Sein Bruder Theo musste ihn, um ihn vor sich selbst zu schützen, in eine Irrenanstalt einweisen.

Das letzte Kapitel im Leben des Genies Vincent van Gogh wurde in Auvers-sur-Oise Nahe Paris geschrieben. Er befand sich in der Obhut eines Arztes. Aber auch der konnte nicht verhindern, dass sich Vincent van Gogh im Juli 1890 mit einen Schuss aus einem Revolver das Leben nahm. Er starb am 29. Juli 1890. Er wurde nur 37 Jahre alt.

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Der Yeti des Riesengebirges

2010-03-29T07:24:00.005+02:00

29. März

Wenn der Yeti im Himalaja Angst und Schrecken verbreitet, so liegt das an seiner furchterregenden Gestalt, auch, wenn ihn noch niemand gesehen hat. Sein deutsches Pendant, der zumindest früher im Riesengebirge sein Unwesen trieb, ist da deutlich subtiler. Denn Rübezahl, von dem hier die Rede ist, war (oder ist?) ein unberechenbarer Geselle, mal großzügig, mal brutal, mal hilft er den Armen und heilt mit Mittelchen aus seinem Kräutergarten, mal verwandelt er das Geld, das er jemandem bezahlt hat, in Unkraut.

Vor allem, wenn man seinen Spottnamen „Rübezahl“ verwendet, dann kennt der mächtige Berggeist keine Gnade, denn so ganz nebenbei ist er auch Herr über das Wetter und kann, wenn er will, Katzen und Hunde regnen lassen.

Für die Entstehung des Namens Rübezahl gibt es mehrere Erklärung, die mit Abstand hübscheste erzählt von einer Königstochter mit dem schönen Namen Emma, in die sich das zottelige Monster verliebt hatte und die er vorsichtshalber in sein bergisches Land entführte, da er wohl ahnte, dass es bei Emma keine Liebe auf den ersten Blick war.

Wie nicht anders zu erwarten, begann sich Emma zu langweilen und um sie ein wenig aufzuheitern, schenkte ihr der Entführer ein paar Rüben aus eigenem Anbau, die sie nach Belieben verwandeln konnte, was für eine einsame junge Frau ja durchaus ein attraktives Geschenk sein kann. Aber irgendwie spielten die Rüben nicht mit, indem sie verwelkten. Also wollte Emma immer noch weg und versprach dem verliebten Ungeheuer, dass sie ihn heiraten werde, wenn er ihr die genaue Anzahl der Rüben auf dem Feld nennen könnte.

Aber Zählen gehörte wohl nicht zu den Stärken des Riesen, jedenfalls kam er immer wieder zu neuen Ergebnissen, so dass Emma auf einer der Zauberrüben, die sie zuvor in ein Pferd verwandelt hatte, die Flucht gelang. Und zum Abschied verspottete sie ihn noch, indem sie ihn „Rübezahl“ nannte. Und seitdem wird der Berggeist besonders wütend, wenn man ihn bei diesem Namen nennt.

Diese Geschichte verdanken wir dem Märchensammler Johann Karl August Musäus, der am 29. März 1735, im thüringischen Jena geboren wurde und der 1782 damit begann, eine fünfbändige Anthologie der „Volksmärchen der Deutschen“ herauszugeben, in deren Band zwei die „Legenden von Rübezahl“ zu finden sind.

Vier Jahre später hatte der als Professor am Gymnasium in Weimar arbeitende Musäus die Sammlung abgeschlossen, ein Jahr, bevor er am 28. Oktober 1787 an einem „Polypen am Herzen“ starb. Er wurde nur 52 Jahre alt, lebte aber lange genug, um mitzuerleben, dass seine Volksmärchen ein gigantischer Bestseller wurden, der sogar ins Englische und Französische übersetzt wurden.

Ein entscheidender Grund für den Erfolg war, dass Musäus die Märchen (darunter mit „Richilde“ auch eine frühe Fassung des Schneewittchen-Stoffes) nicht einfach niederschrieb, sondern sie bearbeitete und mit satirischen und häufig sehr witzigen Zeitbezügen ausstattete.

Den Rübezahl-Stoff hatte Musäus von einem gewissen Johannes Praetorius, der 1630 in Zethlingen im Altmarkkreis Salzwedel in Sachsen-Anhalt geboren wurde und dessen dreibändige „Daemonologia Rubinzalii Silesii“ viele der insgesamt 241 von Praetorius gesammelten Rübezahl-Geschichten enthielt.

Rübezahl war also schon lange vor Musäus ein weit über seine schlesische Heimat hinaus bekannter Berggeist, dessen sagenhafte Existenz immer wieder durch neue Geschichten ergänzt wurde, die vor allem von Wurzelsammlern stammten, die mit Hilfe von Rübezahls Namen ihre Fundstücke vermarkteten. Es waren, wie in der Zeit nach dem Dreißigjährigen Krieg üblich, ausgesprochen grobe Geschichten, die bei weitem nicht an die weitaus sensiblere Schilderung des „Herrn der Gnome“ durch Musäus heranreichte.

Seitdem erschienen immer wieder neue Rübezahl-Geschichten und spätestens im 19. Jahrhundert wurde der Berggeist aus dem Riesengebirge zur Identifikationsfigur der Schlesier, eine Entwicklung, die bis heute anhält und Rübezahl zum Tourismus-Magneten in der polnisch-tschechischen Urlaubsregion Riesengebirge machte. Verfilmt wurde der Rübezahl-Stoff vier Mal, zuletzt von 1975 bis 1982 als Animationsfilm der DEFA.

Blätterwald
Rolltreppe ohne Wiederkehr
Wer gehbehindert ist und im Cottbusser Bahnhof mit einer Rolltreppe nach oben fährt, der sollte sich das gut überlegen. Denn es gibt keine Möglichkeit, wieder mit einer Rolltreppe ins Erdgeschoss zu kommen. Diese Erfahrung machten jetzt zwei Rentner, schreibt die „Lausitzer Rundschau“. Die beiden wurden nach langem hin und her von Uniformierten zu einem für die Öffentlichkeit eigentlich gesperrten Lastenaufzug gebracht und kamen so wieder nach unten. http://www.lr-online.de/regionen/cottbus/Rolltreppe-ohne-Umkehr;art1049,2866626

Blätterwald
Pfarrer gegen Bettelverbot
In Österreich wird heftig über das sogenannte „Bettelverbot“ diskutiert. Wie die „Salzburger Nachrichten“ schreiben, hat jetzt ein Grazer Pfarrer eine Verfassungsklage gegen eine bereits bestehende Regelung in der Mozartstadt angekündigt. Das Verbot sei „abwertend, diskriminierend und verächtlich“, so der Pfarrer, hier würden „die Grundrechte der Ärmsten in einer Kulturstadt mit Füßen getreten.“ Am Freitag wird im Wiener Landtag über ein Verbot gewerbsmäßigen Bettelns entschieden. http://www.salzburg.com/online/salzburg/stadt+salzburg/Grazer-Pfarrer-klagt-gegen-Salzburger-Bettelverbot.html?article=eGMmOI8VfOXJDbyQPvgDEHSkARHT6QxfQxFalek&img=&text=&mode=&

Blätterwald
Der Präsident und die Gallenblase
Drei Wochen hielt der ägyptische Präsident Husni Mubarak ein deutsches Krankenhaus auf Trab. Der 81jährige war in der Universitätsklinik Heidelberg erfolgreich an der Gallenblase operiert worden. Das berichtet der „Mannheimer Morgen“. Inzwischen ist Mubarak bereits ans Rote Meer geflogen, um sich weiter zu erholen. Zur Genesung hat, so die Zeitung, wohl auch beigetragen, dass Mubarak in dieser Zeit Opa wurde, was von besonderer Bedeutung ist, da 2009 ein Enkelsohn gestorben war. http://www.morgenweb.de/region/heidelberg/artikel/20100329_srv0000005621125.html

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